摄影发展的历史资料中大多会提到尼埃普斯的日光蚀刻法，从那之后，摄影开始了它的历程：接下来有了银版、火棉胶等摄影法，以及我们所熟知的徕卡摄像机，各种摄影机器的更新和改造，从胶片到数码等。
几乎纯粹变成了摄影机器的演化史，但摄影更多的是表达个人的思想，是一门艺术。然而摄影的开始却不被认为是一种艺术，摄影艺术极简史就是打算从这个角度出发，一起了解摄影一路走来，怎么成为一门艺术？
摄影的最开始并不能算是艺术，顶多算门手艺。里面涉及很多的手工艺，早期的化学工艺的尝试以及近代的暗房处理，都是很考验个人手艺的技术活，因此早期的摄影更多的是手艺活。
留存到现在的相片最早就是尼埃普斯的作品，他将犹太沥青涂在铅锡合金板上，足足曝光了八小时才获得一下影像。
尼埃普斯的合伙人达盖尔继续完成他的研究并申请了专利，摄影历史的开端大多也认为从此开始了。
威廉·亨利·福克斯·塔尔博特
摄影艺术真正得以传播的应该是塔尔博特，据说塔尔博特早就完成了达盖尔的活，只是一直没有得到自己满意的图像，一直拖着，让达盖尔捷足先登。
摄影分为了显影和定影两种，开始的显示大家都能看到，问题就在于怎么保存下来，就是定影的活了。不然怎么炫耀啊，不对，应该是不然怎么供后人学习，自己的作品通过定影才能流传。
如上图所示，塔尔博特的作品之一。总体来看相片呈现淡淡的紫色，早期的工艺手法表现，因为浓食盐的原因，认真看还能发现一些盐迹。关键在于相片是负像，并不是达盖尔的直接成像。
这里出现了非常关键的点，就是负像，也就是说底片出现了，这点非常重要。达盖尔是直接成像，不利于传播，有了底片之后，相片就可以复制，传播性完全不在一个级别上。摄影的塑造性也大了，因为底片的处理可以加入个人情感。
塔尔博特后面的定影技术更胜一层楼，从上面的图片中已经可以看到在那个年代已经相当不错了，棕色调不是后期的滤镜，那时候没有这个东西，而是定影剂的效果，用了海波，现在的暗房处理用的定影剂依旧是海波。
塔尔博特后的摄影得以传播，问题是这门技术可以传播了，那么有什么用？新的事物出现的需要一个方向，随后出现了一个关键的人物。
茱莉亚·玛格丽特·卡梅隆
她女儿怕她退休后太无聊，在她48岁的时候送了一台相机给她，从此摄影艺术诞生了杰出的人物并又往前迈了一步。
相机怎么体现艺术？此时最能体现艺术的就是绘画了。卡梅隆所处的时代正是前拉斐尔派艺术运动时期，前拉斐尔派的目的是为了改变当时的艺术潮流，认为拉斐尔以前的古典的姿势和优美的绘画成分都已经腐化了，因此取名为前拉斐尔派。
摄影通过前拉斐尔派艺术运动来变现自己的特点，就往艺术又靠近了一点点。
摄影为了体现艺术，需要向绘画学习，那么怎么样才能提取绘画中的精华？下面的作品正好诠释了摄影的走向。
初看相片，也许会认为连对焦都不会，误认为是那个时候摄影机器问题。其实并非如此，那是从绘画中学习而来的，以此来表现个性和情绪，通过柔焦人像来表现，卡梅隆这样的表现形式对后面的人像流派产生了非常重要的影响。
虽说是向绘画中学习，可是离绘画还有一些距离，但是已经有了绘画的感觉了。
卡尔·斯特勒斯
在向绘画中学习了一段时间后，知道怎么更像绘画，接下来就诞生了画意摄影。这个时期的摄影作品已经很像绘画了，跟绘画非常接近，画意摄影的集大成者就是斯特勒斯了。
画意摄影的最大特点就是柔焦，摄影作品认真看并不会太清晰，很柔和，像是画笔修饰过，而不是现代摄影中的锐利清晰的感觉。
什么是艺术？模仿可不算艺术，哪怕模仿得再像，也没用。正所谓仿我者死，学我者生。模仿并没有价值，要做自己，摄影又怎么做自己？摄影已经从刚开始并不知道自己的方向，到向绘画学习，最后像绘画了，接下来摄影艺术之路何去何从？
摄影是时候变革了，要成为独立的艺术，就需要跳出模仿的束缚。
怶得·亨利·埃默森
埃默森在画意摄影最盛行的时候提出：摄影本该就是独立的艺术，不应该向绘画学习，我们学习的对象只有一个，那就是大自然。
埃默森严格抨击了画意摄影，认为这并不是完整的摄影，鼓励摄影师从大自然中寻找自己的灵感，在自然中挖掘题材，通过写实的手法来表现自然美。
以此同时，他提出了焦点视觉理论，我们人眼观察事物，会有一个焦点，四周是模糊的，摄影也应该跟人眼观察事物一样。
上面的作品中可以发现有个实的区域，然后外围慢慢开始模糊，就像我们今天说的虚化，人是实的，背景全部虚化，体现焦点视觉理论的作品。
自然中记录最真实的美，在当时来看跟潮流不符合，但这个思想影响了很多人，让大家有个这么个意识：摄影就应该是个独立的艺术。
“美国现代摄影之父”阿尔弗雷德·斯蒂格里茨就是受到埃默森的影响下，成立了摄影分离派，同样是现代摄影史中重要的一支。
尤金·阿杰
摄影既然要摆脱束缚，要成为自己，尤金·阿杰就成为了节点性的人物，在摄影艺术史上非常的关键，他对绘画有着深刻的见解，知道怎么样才能摆脱绘画从而体现摄影独特的美。
阿杰的作品深藏绘画中的因素，也为后世开创了新纪元，他的作品就是一个过渡，一个迈向摄影艺术本身的过程。后世给了阿杰很多称号，像超现实主义摄影等。
阿杰的作品中有种抓拍的感觉，那个时候其实还是玻璃干板，曝光时间虽然短了，仪器还是比较巨大和麻烦的，拍出那样的感觉并不容易。
阿杰的作品中出现人物的作品还是比较少的，主要是阿杰用了长曝光法，即便路上行人比较多的情况下也能拍摄出非常干净的相片，当然，他拍摄的时间也是行人较少的时间段。
爱德华·柯蒂斯
摄影的探索还在继续，摄影最大的功能就是记录下一切，柯蒂斯耗费30多年在美国西部拍摄印第安人，记录印第安人的生活，让后人了解灭绝的印第安人的生活本来是怎么样的。
柯蒂斯的拍摄活动打开了摄影中的报道和纪实摄影的门，当然，后面也有人认为柯蒂斯纯属是为了完成任务而拍摄的，因为柯蒂斯当时收到了摩根财团的支助，让他去完成印第安人的记录，大家认为这并不能算柯蒂斯的想法。
E·J贝洛克
跟柯蒂斯不一样的是贝洛克是自发的去记录和拍摄，自发表达自己情感和艺术的过程。贝洛克属于先锋摄影，用纪实的手法和技巧为我们留下了很多时代的记忆。
贝洛克中的作品有部分是记录当时妓女的生活情况的，由于尺度过大，就暂时给大家欣赏上面的作品，有兴趣深挖的可以找出贝洛克的作品继续欣赏。
这个时候，摄影的纪录功能又提升了一大截，无论是纪录手法还是形式上。以此同时，摄影艺术也走出属于自己的天地。
摄影慢慢有了自己的东西，有了自己的特点。
爱德华·韦斯顿
摄影艺术的地位和认同很大程度是因为韦斯顿，证据是什么？证据就是韦斯顿是第一个作为摄影师获得古根海姆奖的人。
古根海姆奖一直以来只赋予艺术领域的人，在艺术领域有着崇高的地位，能得古根海姆奖意味着艺术领域有着极高的造诣，而作为摄影师的韦斯顿获得了，意味着摄影已经成为一门艺术并且得到了世人的认可。
这作品想必大家多少有点熟悉，同样是拍摄青椒，看看大师拍的，已经不仅仅是青椒了，静下心继续欣赏越看越有味道。
韦斯顿已经在影调、质感、画质上追求到了极致，这些摄影机上的属性发挥也发挥到了极致，大家也从中品味到了摄影真正的味道，我想这不正很好的诠释了什么叫摄影艺术。
安瑟·亚当斯
教科书般的人物，只要是学过摄影的，无论怎么样都绕不开亚当斯。就像学物理总知道牛顿吧。
亚当斯在摄影教育上的成就是极高的，这就是为什么说学摄影无论怎么样都绕不开亚当斯，尤其是亚当斯的区域曝光法，有句话是这么评价亚当斯的-----上帝创造了光，亚当斯分成了十份。现在的Photoshop，直方图都是依据亚当斯的标准。
摄影此前一直是个技术活，大师拍得好总会说凭感觉，然而亚当斯将其量化了。亚当斯将摄影量化就是说只要普通人依据他的曝光法标准，也能拍出他那样的相片。相当于做饭放多少盐，很多人说适量就好，问题是多少才算适量，这个时候如果有人告诉应该放15克，你就有了方向，也能做出相同的菜式，至少相差没有那么远。
不仅仅是摄影技术上亚当斯将其量化，暗房的技术特点也写成一本书将其量化，在定影剂中应该放多少秒等都有详细的介绍。
总结
摄影艺术一直在前行和发展中，从摄影诞生到模仿绘画再到成为自己，每一步每个节点上都有关键的人推动着摄影艺术的发展。
现在已经是全民摄影的时代，摄影的门槛降低了，人手一部手机就可以拍摄自己想要的景色和人物，虽然拍摄的作品可能并不能算得上是艺术，但依旧可以表达自己的想法。
技术决定下限，审美决定上限。摄影已经很方便了，要想摄影达到另外一种境界，或者说提升一个境界，提高自己的审美才是关键。
抛开相机技术的发展，从艺术的角度切入去看待摄影艺术，又会是另一番景色，希望大家对摄影艺术又有另一番认识。