来说说《铁皮鼓》这部电影。
根据君特·格拉斯同名小说改编，第52届奥斯卡金像奖最佳外语片，第32届戛纳金棕榈奖。书是好书，电影，是好电影。
和原著一样，电影从祖母肥大的四层裙子开始——祖父作为逃兵，走投无路之下钻进了祖母的裙子，两人在追兵的眼皮子底下交媾，故事拉开序幕。
土豆地里的交媾是隐晦的，是见不得光的，荒诞不经，又充满隐喻，这如同小城但泽，在德国与波兰的拉扯中苟延残喘，丝毫不见天光。短短几个镜头，为《铁皮鼓》大量的隐喻定下了基调。
交媾诞生了母亲，母亲是整个但泽的缩影，她美丽弱小，毕生生活在丈夫和表哥为其构建的世界中，丈夫是德国人，专断跋扈，代表着纳粹德国；表哥温柔而充满欲望，则是弱小虚荣波兰的象征。
主人公奥斯卡很快也来到了这个世界，他到来的时候，电影给到的镜头是一片颠倒的世界，在如同一张白纸一样的新生儿看来，二战的爆发，使整个世界颠倒无常。因此奥斯卡一开始是拒绝来到这个世界的，他之所以勉强接受这个颠倒的世界，是因为母亲答应在他三岁生日的时候送他一架铁皮鼓。
铁皮鼓是奥斯卡的武器，他可以敲着混乱的鼓点将纳粹仪仗队的节奏带乱，最终让暴徒的盛典成为拖泥带水的闹剧，奥斯卡用铁皮鼓反抗着这荒诞不经的世界，同时表达着所剩无几的自我。铁皮鼓也是一种象征，它象征着在强权下为数不多可以自由支配的行为——我自己的鼓，我自己敲总是可以的吧？
和母亲的赠礼不同，奥斯卡还有一种与生俱来的能力——高分贝呐喊，他用呐喊对抗强权者（父亲），同化者（教师），禁锢者（医生），彷佛这个世界任何的挫折，都可以在奥斯卡响彻但泽小城的呐喊中荡然无存。
有了铁皮鼓和呐喊，奥斯卡本可以顺利成长。但在目睹了母亲与舅舅的苟且之后，奥斯卡以自残对抗成长，他不仅恐惧成人世界的肮脏，也开始对自己的出身感到迷茫，如同那个历史时期的大多数人一样，奥斯卡失去了关于自我的定位。
电影在刻画奥斯卡的成长时，也诉说着不同人物的命运。
母亲一方面需要父亲的力量，另一方面又渴望着肉体的欢愉，她不断的和奥斯卡的舅舅乱伦，终于再一次怀上了他的孩子。进退两难的母亲为了缓解内心的压抑，强迫自己吃下最讨厌的鳗鱼，终于中毒而死。
关于《铁皮鼓》中母亲吃鱼的一段，我在六年前写过这样一段话：
《铁皮鼓》里母亲吃鱼，《霸王别姬》里小癞子吃糖葫芦，后来他们都死了，那种因为绝望而不断吞食的阻塞感，每当我疲乏到哽咽的时候都会清楚的体会到。
吃是人从基因里带来的行为习惯，但人心情不佳的时候，食欲也是不佳的，当一个人在悲剧的环境中选择暴食暴饮时，其实已经成为了一种发泄，这种发泄，源于绝望。类似的镜头，我们在《天下无贼》中也看到过，无一例外，都是死神将至。
母亲死后不久，奥斯卡的舅舅也在一次冲突中丧生。
接着，是玩具商马库斯的死亡，马库斯是奥斯卡铁皮鼓的供应者，某种程度上，是他提供了奥斯卡对抗世界表达自我的武器。因此，当马库斯死去的时候，奥斯卡是满怀悲伤的，这种悲伤，甚于面对母亲和生父的离去，他说：
曾经有一个玩具商，他的名字叫马库斯，他走的时候带走了世上所有的玩具...
当身边的人一个个被死神虢夺的时候，奥斯卡迎来了自己人生中第一段快乐的时光。
身体停止了生长，但年龄在不可抗拒的增加，玛丽亚作为保姆被父亲带回家的时候，奥斯卡意识到自己成为了一个男人。
和自己年龄相当的玛丽亚，前卫大胆又性感，是这个布满阴霾的世界中难得的一道光，这道光照在奥斯卡的身上，让他心神荡漾。他们会在睡前唱一支《玛丽亚，我的崇拜》，会在海滩上肆无忌惮的调情，甚至将肉体分享给彼此……
这样的好景并未延续多久，奥斯卡的父亲毫不顾忌的占有了玛丽亚，她成了他的继母。在整部电影中，父亲一直是占有者的角色，这种一以贯之的对角色的塑造，充分映射了彼时德国在整个世界格局中的位置，从这个角度来看，德国人拍《铁皮鼓》，其实也是一种反思。
曙光再次被阴霾取代，奥斯卡选择了出走，他加入侏儒马戏团，和那些与自己拥有相同体型的人为纳粹表演助兴。人总需要找到属于自己的群体，奥斯卡之前的生命是荒诞的，加入侏儒马戏团之后，才找到了自己存在的意义。
人可以试图拒绝成为成人世界的一份子，但成人制定出的社会规则，却潜移默化的影响着每一个人。奥斯卡和众多侏儒一起为纳粹表演，与之前搅黄纳粹庆典形成对比，这样的对比，让电影产生了强烈立体的讽刺。
在侏儒马戏团，奥斯卡邂逅了洛斯塔，他们是同一类人，同类人的交往总是简单靠谱的，他们都是自甘被成人世界边缘化的人，在不被瞩目的角落里抱团取暖。玛丽亚给每个人无差别的爱，是滥情的爱，而洛斯塔给他的，是只属于情人之间自私的爱，奥斯卡第一次体会到了爱与被爱的感觉。
世间好物不坚牢，彩云易散琉璃脆。奥斯卡和洛斯塔的爱情最终成为战火中微不足道的一缕灰烬，洛斯塔死亡的时候，奥斯卡发出了最刺耳的一声呐喊，这一次，他不取悦别人，他在诉说自己的痛苦。
死亡是人类无法逃避的宿命，纳粹节节溃败，奥斯卡告别马戏团，回到了家乡，他的父亲，这次终于没能躲过死神的眷顾。父亲的死，是奥斯卡一手制造的结局，他将自己生命中最贪得无厌的占有者推入了死神的陷阱。
电影结尾，奥斯卡在父亲的葬礼上扔掉了陪伴自己17年的铁皮鼓，一头扎进父亲的坟墓，他再一次用自残，宣布了成长。火车载着奥斯卡和玛丽亚以及他们的孩子驶向远方，在天空下留下浓浓的黑烟。
镜头近处，祖母依然在土豆地一丝不苟的劳作着，她佝偻着身体，不愿抬头看这世界一眼，彷佛这世界，从来都没有变过！
不同于原著跳跃性的叙事和充满尖锐讽刺的语言，施隆多夫始终以一种冷静平和的方式解构着《铁皮鼓》，战后25年，隔着迢迢时光来回顾这段历史，很多人心里已经难以泛起波澜，但战争时局对每一个个体的影响，始终是挥之不去的。旁观者无需多言，历史有自己的答案。
电影从表象上传达了奥斯卡拒绝成长的乌托邦式幻想，但实际上成长是一个不可回避的人生命题。他的反抗，是他的成长，他的妥协，是他的成长，他将父亲置于死地，也是成长，只是这些成长，他不自知。
没有一种力量可以和时间抗衡，你停下来，时间就碾过你的身体。
《铁皮鼓》全片有着众多的性描述：祖母和祖父的野合，母亲和舅舅的乱伦，奥斯卡和玛丽亚和洛斯塔无疾而终的欢愉，玛丽亚和父亲的勾引与占有…等等。这些性的展示，从正常的视角来看，是荒诞不伦的，但结合本就极端荒诞的时间地点来看，两者竟然会有一种诡谲的和谐！
道德是文明的产物，在一个无视文明的时代里，道德没有存在的必要。也正因此，《铁皮鼓》全片不站立场，没有是非对错，它只是略带戏谑的陈述——
你拥有着的一切，都是那么的不堪一击！
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