原创：鹿咩咩说
此展表现的是1865年到1945年间，二战结束前美国艺术的来龙去脉。在这80年，美国完成了从农业社会到工业国家的转变。随着社会结构的改变，以及工业与科技的发展，美国艺术在20世纪前半叶已经呈现出多元化的面貌，到二战结束时，它已经准备好站在艺术世界的中心，此展共展出作品80件绘画、版画，我挑选了其中最打动我的近20幅，也是我认为最有代表性的作品，跟大家一起分享。
第一幅画就是展现南北战争，南北战争的钟声在南卡罗莱纳州查尔斯顿敲响。萨姆特堡上曾经飘扬的美利坚合众国国旗，在战争结束时被扯得稀碎↓。
通过描绘家庭内的场景，来表达南北战争所带来的悲剧。左边树下的阴影里坐着一位身穿军装的男性，斜依在椅背上的拐杖表明他的伤残。前景中支离破碎的星条旗暗示独立战争带给国家的破坏。穿白裙的女子周围簇拥着一群孩子，强调了她的健康和生育能力。她手指尖上的顶针象征着19世纪女性的本职工作。最后画家借助打开的缝纫工具盒暗指女性具有帮助国家复原的不可替代的天赋↓。
在这幅作品中，画家描绘了一个虚构的场景：前景中绿野葱葱的新英格兰森林逐渐被远处新墨西哥的干旱山丘所替代。在西南部逗留的十八个月中，画家为了描绘这片土地的景色，放弃了他长期尝试的抽象画风，开发出一种融合了自然主义与表现主义的独特风格↓。
托马斯·威尔默·德温是美国唯美主义运动的倡导者之一，这幅画中已经有了东方文化对美国的影响。比如对模特侧影平面化的处理、背景里的荷花和瓷器，以及模特身上穿着的具有东方风情的服饰。这种和谐柔美的感觉，不禁感叹中西方文化碰撞的美好↓。
这是一幅装饰画，也是通过色彩和形式的结合所造就的和谐美感，和上一幅有异曲同工之妙↓。
这位画家在当时是很受欢迎的，这幅风景人物画从中可以看出印象派典型的浓厚的色彩和疾速的笔触↓。
卡萨特是美国历史上最著名的女画家之一。画家以《夏日》为代表的一系列作品，都是以女性和年轻女孩为主题，并采用了鲜明的色彩、丰富的肌理，以及没有地平线的构图——这些都是日本木刻版画的影响（后期会单独出一期版画，给大家介绍了解一下）；而充满活力的画面肌理与自由的笔触，则表明她与印象派画家的交集。卡萨特的积极活动极大地促进了美国人对印象主义的接受↓。
查尔斯·考特尼·柯伦是受法国印象派启发的美国画家。这幅荷花在现场看的时候真的觉得好美，典型的印象派画风，色彩明艳、笔触又有其特殊的细腻。画中右边的女子是画家的妻子，她戴着一顶受男装启发而设计的渔夫帽，正从船上俯身摘采一朵荷花，明媚的阳光洒落在她身上。她的服装风格，以及她与周围环境的积极互动，象征着二十世纪之交蓬勃发展的女性独立运动。相比之下，她身边的表姐（妹）代表着老派作风的女性——她顺从地坐着，戴着一顶过时的软帽，谦逊地凝视着自己的膝盖。这个主题体现了画家对“新女性”的欣赏，以及他描绘日常生活，而非历史、文学或神话主题的现代观念。因为我本人很喜欢这幅画，所以这幅就说的多一些↓。
这幅画在现场观赏的时候，你会感叹其松散的笔触，云雾的缥缈感表现得很好。画中还是体现出印象派的感觉，画家切斯仍然也保持着正轨的传统画法，比如远景透视和精心组织的构图↓。
马斯登·哈特利是美国现代画家之一，这幅画中的一些神秘符号，以及数字7、8、9，代表了哈特利那些在战争中被杀害的德国朋友们，这让这幅画成为了作者对战争体验的一种个人化的表达↓。
探索一些造型上的技术，例如建筑化的结构等等，并将对形状的描绘与色彩结合，从他的画作中也可以明显看出对具象化表述的远离，向着抽象风格的方向不断深入↓。
查尔斯·德姆斯是美国第一位立体主义画家。这幅画是他早期创作的一组画作。在这组画中，探索了他的家乡——宾夕法尼亚州兰卡斯特及其周边地区的工业和城市建筑。通过将物体扭曲、简化成扁平交错的平面和尖锐的线条，德姆斯开创了一种尤为美国化的现代主义样式：“精确主义”。这是一种效仿立体主义、将物体简化为几何构成的做法，它使德姆斯得以用一种客观、超然的观察视角来观察城市景观↓。
这位画家的画比较有意思，所以我又放了一幅。 这幅《生意》强调了画面的二维特质，并严格地在画面中划分了块面。画中建筑的正立面几乎完全平面化，只有附近建筑物投下的阴影，给人些许视觉上的深度。而在大楼的窗户上，德姆斯还叠加了一个日历——这可以被解读为对20世纪枯燥沉闷的日常工作的戏谑表述；通过这种形式，德姆斯以一种非常现代的方式呈现了主题，质疑了美国文化对工业的颂扬。
乔治亚·欧姬芙是美国最著名的女画家之一，她曾被誉为“美国现代艺术之母”，其作品以鲜花、动物头骨与风景等著名。从1929年开始，欧姬芙每年夏天都会来到美国西南部采风；她被当地荒芜的风景和粗犷的色彩所深深吸引。这件作品的灵感正来源于欧姬芙于西南部所见的动物遗骨。
自文艺复兴以来，头骨一直是绘画中流行的题材。欧姬芙将这个传统的主题进行改造，用极近的特写刻画它的正面，又把头骨置于画布的中央，赋予它如同圣物般的视觉效果。画家在头骨旁边画上一系列扁平的物体，如此一来，头骨的轮廓和用棉布做成的假花提供了唯一的深度感。欧姬芙对头骨细节不遗余力的描绘，使观众情不自禁地关注头骨形状本身蕴藏的美感。此外，看似美好的人造玫瑰其实是当地人装饰坟墓所用，更为这件作品增添了一份死亡的气息。骨骸和花朵这两种差异特别大的形象放在一起，又产生出一种奇异的美↓。
这幅以及上面那幅都具有强烈的情感色彩，很容易让人产生共鸣，也是我此次展中最喜欢的三幅画之其中两幅。山丘艳丽炫目的颜色，以及将远近感相反的做法都让这幅画显得特别。欧姬芙将起伏的红色山丘前置放入花朵放大的元素，花朵与风景构成了相反的对立关系，从而颠覆观者对相对体积的认知↓。
画家的灵感来自于纽约格林威治大道街角上的一家餐厅，但精心安排的构图和缺乏叙事性的特点赋予这幅画一种超越特定地点的永恒的、普遍的品质。霍普曾否认他在《夜游者》中刻意表达了人的孤立与都市生活的空虚等，但他承认，他“可能不知不觉地描绘出了一座大城市的孤独”↓。
《政治》中分布着不规则的、重叠的、板块状的形状，凹陷和参差不齐相交错，怪诞的边缘如同一个演说家的头像侧影。这些细节仿若描绘了政客们正在倾吐充满仇恨的话语，也反映了艺术家对于全球政治走向不断战争的不安↓。
这两幅是美国著名抽象表现主义大师波洛克，在职业生涯早期极其重要的作品。它显示了艺术家在20世纪30年代末、40年代初在多种不同道路上进行的艺术探索，也见证了他不断寻找个人视觉语言的过程。这幅画夸张的明暗对比和扭曲的效果，以及它英雄史诗般的宏伟与活力，真的很容易让人想起毕加索的巨作《格尔尼卡》。波洛克对荣格的“心理疗法”非常感兴趣，他认为可以通过“意识和无意识的融合”来实现“精神转化”，他也确实试图在画中达成这一点↓。
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