总是有人认为时尚是无关紧要或肤浅的轻浮之物，很难与艺术相提并论。事实上，这两种工艺之间的相互交织的关系已经联系了多年，培育了一种创造性的婚姻——一种富有成效的共生关系。在2006年备受追捧的时尚电影《穿普拉达的女魔头》中，角色Nigel感叹道:“难道你不知道你工作的地方曾经出版过本世纪最伟大的艺术家吗?Halston, Lagerfeld, de la Renta。他们所做的，他们所创造的，比艺术更伟大，因为你生活在其中”。当然，这很可能被认为是对这个问题的一种理想主义的看法。然而，不可否认的是，服装艺术有能力表达一个人想要向世界传达的东西:个性。
虽然艺术一直被认为是一种主观的表达形式，但让时尚成为这种情况并不总是最直接的。持怀疑态度的人一直低估了时尚，并经常把它称为大规模生产和消费主义机器中的一个毫无意义的齿轮，它没有任何物质，与任何和所有超越诗性本质的意识形态相矛盾。电影制作人兼摄影师亚历克斯·普拉杰(Alex Prager)曾说，“一些最伟大的艺术作品都是受委托完成的。”“当然，并不是所有的时尚都是艺术——但是，摒弃或淡化整个领域的革命性远见者，他们无与伦比的作品转化为永恒的表达形式，就等于否定自己更多的美丽和经典的服装陈述。”
超现实主义创意家、意大利时装设计师艾尔莎·夏帕瑞丽(Elsa Schiaparelli)和西班牙艺术家萨尔瓦多·达利(Salvador Dali)的合作将在时尚史上留名。这两位前卫的创作者曾在无数场合携手合作，从广告活动到香水瓶，从达利画作中夏帕瑞丽(Schiaparelli)的裙子，到她臭名昭著的向这位革命艺术家致敬的帽子鞋。尽管这一创意组合带来了许多可穿着的艺术作品，但没有一件作品能与温莎公爵夫人沃利斯·辛普森(Wallis Simpson)设计的1937年龙虾礼服相提并论。轻盈飘逸的丝绸欧根纱A字裙上画着一只龙虾，在裙子上铺开，这在当时引起了不小的轰动，这在很大程度上要归功于穿着这件礼服的社会名流。塞西尔·比顿拍摄的公爵夫人在坎德堡花园的照片，是在她与爱德华八世的恋情被高度曝光之后，随后他为了嫁给这位离过婚的美国人而放弃了英国王位。
达利与夏帕瑞丽(schiaparelli)的晚礼服远不是达利与这只著名的甲壳类动物的第一次竞技表演，就在一年前，达利完成了他的雕塑龙虾电话。这位艺术家因将红龙虾作为公开的性象征融入自己的设计而闻名，让人想起这种海洋生物被认为是一种催情剂。这只龙虾的性感让沃利斯·辛普森(Wallis Simpson)的这身礼服的首次亮相更加令人反感。这一令人瞠目结目的合作已成为时尚和艺术史上的重要元素，夏帕瑞丽(schiaparelli)的前创意总监伯特兰·盖恩(Bertrand Guyon)在其2017年春夏高级定制时装系列中引入了该公司过去标志性的甲壳动物图案，以纪念连衣裙诞生80周年。
作为时尚的仲裁者，刚崭露头角的时尚设计师伊夫·圣罗兰(Yves Saint Laurent)在相对年轻的时候就已经拥有了令人印象深刻的美术收藏。他和他的合作伙伴皮埃尔·贝尔热(Pierre Berge)在50年代早期开始收集来自世界各地艺术家的著名作品。给时尚梦想家留下最深刻印象的是荷兰抽象印象派画家蒙德里安(Piet Mondrian)。这位艺术家在20世纪30年代早期的几何构图，被称为新塑料主义，使用了黑色和白色的对比色与原色红、蓝和黄。伊夫·圣罗兰在自己迅速发展的工作室开张三年后，对艺术的深刻欣赏帮助他创作了1965年秋冬季蒙德里安(Mondrian)高级定制时装系列，由六种不同的风格组成。从蒙德里安的彩块状作品中汲取灵感，并将这些现代设计元素融入到他干练的直筒裙中，伊夫·圣罗兰的效果图融入了60年代摇摆不定的青年时代的前沿风格，成为他最受模仿的作品之一。
伊夫·圣罗兰(Yves Saint Laurent)以积累了大量令人印象深刻的艺术收藏品而闻名，他以这些艺术品为灵感在服装系列中散布这些艺术准则。在圣罗兰1988年春夏高级定制时装发布会上，他向从毕加索、布拉克到马蒂斯和梵高等传奇艺术家致敬。事实上，20世纪80年代出现了大量向这位西班牙艺术家的绘画、雕塑和拼贴画致敬的服装。从1914年的《吉他》和小提琴立体主义画作到1938年的《一只公鸡》，他的毕加索作品包罗万象。
最近，Moschino的创意总监杰里米·斯科特(Jeremy Scott)在他的2020年春夏系列中从这位著名画家那里获得了灵感，模特们似乎直接从毕加索的作品中走了出来。每一件衣服都直接参照了特定的作品，斯科特的服装设计模仿了1907年的《阿维尼翁的少女》、1914年的《吉他》和1932年的《镜子前的女孩》，其中有模特式的丑女，甚至有模特穿着镶框的油画，画作上的签名是“Moschino”。
总是有人认为时尚是无关紧要或肤浅的轻浮之物，很难与艺术相提并论。事实上，这两种工艺之间的相互交织的关系已经联系了多年，培育了一种创造性的婚姻——一种富有成效的共生关系。在2006年备受追捧的时尚电影《穿普拉达的女魔头》中，角色Nigel感叹道:“难道你不知道你工作的地方曾经出版过本世纪最伟大的艺术家吗?Halston, Lagerfeld, de la Renta。他们所做的，他们所创造的，比艺术更伟大，因为你生活在其中”。当然，这很可能被认为是对这个问题的一种理想主义的看法。然而，不可否认的是，服装艺术有能力表达一个人想要向世界传达的东西:个性。
他迷人的乡村风景和富有表现力的花卉意象在浪漫的服饰调色板上转换自如。对于迷人而又空灵的时尚品牌罗达特(Rodarte)来说，凯特•穆里维(Kate Mulleavy)和劳拉•穆里维(Laura Mulleavy)姐妹经常从艺术界的知名人士那里汲取灵感，最著名的是2012年春夏系列的已故梵高(van Gogh)作品。穆里维夫妇用茶袍和拖地长裙来描绘1888年的《花瓶》和《十二朵向日葵》，1889年的《星夜》和1890年的《杏花》，形成了一系列繁盛而异想天开的画集。
波普艺术的颠覆者，多媒体艺术家安迪·沃霍尔以其对日常物品或之前流行文化主题的图形挪用而闻名。虽然很多艺术家都涉足时尚领域，但沃霍尔的作品可能展现了两个创意世界之间最模糊的界限和难以捉摸的障碍。沃霍尔的职业生涯初期，为一些美国顶级时尚出版物做插图，在纽约54工作室(Studio 54)的时尚布景上拈花惹草，并获得了臭名昭著的名声，并拥有自己的时尚和文化杂志，沃霍尔将他的创意恶习遍布两个领域。坎贝尔汤罐头(Campbell’s Soup Cans)的复制版礼服与沃霍尔1962年的作品坎贝尔汤罐头(Campbell’s Soup易拉罐)一样轰动，这位艺术家证明了艺术和时尚的文化意义是强大的。从霍尔斯顿(Halston)、范思哲(Versace)到如今的拉夫·西蒙斯(Raf Simons)，沃霍尔的作品深受著名设计师的青睐，多年来，人们一直能看到他的作品在T台上出现。尽管罗伊·霍尔斯顿(Roy Halston)和安迪·沃霍尔(Andy Warhol)在上世纪70年代的十年里有着悠久的合作历史，但霍尔斯顿1972年设计的一件礼服，采用了沃霍尔的鲜花图案，这是他们最时尚的款式。1991年，詹尼·范思哲(Gianni Versace)让缪斯女神娜奥米·坎贝尔(Naomi Campbell)和琳达·埃万杰利斯塔(Linda Evangelista)穿上他标志性的修身印花裙，配上沃霍尔(Warhol)对玛丽莲·梦露(Marilyn Monroe)和詹姆斯·迪恩(James Dean)的描绘，使这位流行艺术家成为高级时尚的主要人物。多纳泰拉·范思哲(Donatella Versace)在其2018年春/夏展上，从他的设计档案中提取了一些最多产的作品和版画，以此向她已故的伟大哥哥致敬，纪念他英年早逝20周年。
拉夫·西蒙斯(Raf Simons)把他对沃霍尔的美学带到他任命的每一家时装公司，并强调他的灵感来自克里斯汀·迪奥(Christian Dior)和卡尔文·克莱恩(Calvin Klein)等艺术家。这位设计师在他为迪奥设计的2013年秋冬系列中展示了沃霍尔的早期草图，并将沃霍尔拍摄的老式宝丽来相机镜头整合到他的卡尔文·克莱恩(Calvin Klein)系列中，同时与安迪·沃霍尔基金会(Andy Warhol Foundation)签订了四年的合同，允许他使用沃霍尔的作品。
多产的日本浮世绘画家葛饰北斋(Katsushika Hokusai)的《神奈川巨浪》(The Great Wave off Kanagawa)是世界上最著名的艺术作品之一。这幅作品可以追溯到日本的江户时代，据估计构思于1829年至1833年的任何地方，是葛饰北斋系列作品《富士山三十六景》的第一部分。很可能是亚洲艺术史上最具影响力的作品之一，这股浪潮的影响已经超越了古典艺术界的界限，渗透到流行文化和时尚产业。
在法国纪梵希时装公司任职的五年里，前卫设计师亚历山大·麦昆(Alexander McQueen)为他的1998年春夏高级定制系列设计了一款全流苏珠饰鸡尾酒裙，配上葛饰北斋的波浪图案，以橙色的天空为背景。在约翰·加利亚诺(John Galliano)执掌克里斯汀·迪奥(Christian Dior)之后，这位叛逆的设计师为他的2007年春夏高级定制时装秀重新设计了该品牌的经典酒吧夹克。这件超大号的和服风格的衣服以折纸褶为特色，裙子边缘有手绘和刺绣的波浪。
德国文艺复兴时期画家卢卡斯·克拉纳赫1526年的作品《亚当和夏娃》描绘了世界上第一个男人和女人赤身站在一群野生动物中间的场景。似乎夏娃刚刚咬了一口智慧树上的苹果，这与上帝的话语相矛盾，而亚当则在考虑他的选择。意大利时尚品牌华伦天奴(Valentino)的前设计团队Maria Grazia Chiuri和Pierpaolo Piccioli为2014年春夏高级定制时装展策划了一个制作精美、刺绣复杂的歌剧礼服系列，其中一件经典地重新诠释了艺术的世俗化作品。在大都会艺术博物馆(Metropolitan Museum of Art)举办的“天体:时尚与天主教想象”(heaven body: Fashion and Catholic Imagination)展览中，这件深灰色的垂至地板的长裙，展示着文艺复兴时期的绘画作品，这件作品体现了超凡脱俗和基督教美学的历史和象征意义。
被称为“美国现代主义之母”，迷人而神秘的乔治亚·欧姬芙(Georgia O’keeffe)因其描绘色情和盛开的花朵、生动的纽约摩天大楼和富有表现力的新墨西哥风景的画作而获得声誉和赞赏。她选择用来展示自己的制服也成为了欧姬芙(O’keeffe)的标志性服装——波洛领带、加乌乔毡帽，以及西南美学。2017年，布鲁克林艺术博物馆(Brooklyn Museum of Art)举办了一场关于这位革命艺术家的展览，展示了她的作品和她在《乔治亚·奥基夫:现代生活》(Georgia O’keeffe: Living Modern)中的标志性服装。
2018年，意大利时装设计师玛丽亚·格拉齐亚·基乌里(Maria Grazia Chiuri)在她为克里斯汀·迪奥(Christian Dior)举办的第一次度假展上，借鉴了乔治亚·欧姬芙(Georgia O’keeffe)的个人风格。斯蒂芬·琼斯(Stephen Jones)设计的加高丘(gaucho)帽子让这一时尚的系列融合了质朴与质朴的元素，以一种独特的斯多葛式简约风格呈现。
Maria Grazia Chiuri的系列来源于奥基夫的个人衣橱，其他人则向她大胆的画作致敬，正是这些画作让她成为20世纪最著名的艺术家之一。从加雷思·普(Gareth Pugh)的2015春夏纸制公牛头骨，到迈克.科尔斯(Michael Kors)盛开的罂粟花，奥基夫的作品作为灵感来源证明是无穷无尽的。