气势磅礡的全景、富戏剧性的中景、精细入微的特写……一部电影该在什么时机、用什么样的因素、来选择合适的镜头语言，呈现给观众呢？如果描述的技巧不当，会让观众的注意力涣散，甚至昏昏欲睡，在你清醒之时，也就是散场之时。这部片演了些什么，也说不上来。为了降低这种情况的发生，下面要来和大家聊聊不同的景别与拍摄主题的变化对图像的叙事走向有何决定性的影响：
距离产生美，人生与电影亦如是
“距”是用来表达两物之间相隔的远近，用电影语言来解释“距离”二字，大致可以分为三种。单就以物质形式来说明，指的是时间距离与空间距离，时间流 逝的早与晚、快与慢、长与短，若单一镜头的时间愈长，画面会愈显得深沉，时间愈短节奏愈明快；若谈空间距离，则是远与近，天与地，室内室外等，用肉眼与标 尺都得以量测的。
若以非物质形式来说，则是心理距离，亲密或疏远，生死离别。人与人之间靠太近会觉受侵犯，但太远又感到孤单，表达心理的空间看似无形，但却是摄影创 作的灵魂。所以谈到电影的摄影距离，通常并不是指单纯的“站在原地”用变焦镜头在那缩进或拉远感觉拍的美美就大功告成了。往往还要思考，如何掌握有形与无 形的距离分寸，传达给观众画面中所蕴含的情感。
摄影机与被摄体的距离不同，造就主体在荧幕画面中所呈现出的范围大小区别，一般可分为五种，由远至近分别为远景、全景、中景、近景及特写。若有心观察早期的电影，会发现摄影机距离变化并不多，在1918年前甚至还没有“特写镜头”的出现。
大卫·格里菲斯(D.W Griffith)的作品。第一位在电影上使用特写镜头的导演，大胆的镜头开创手法也被誉为美国电影之父，著名作品有《一个国家的诞生》。
初期的电影摄影，不少只是围绕在摄影机身边活动或跳舞，没有风格没有主题，看到什么，就拍什么，单纯觉得活动的影像很新奇。进入有声电影初期，为了 能清楚的收音，摄影机也固定着无法像现今随意移动，能够自由自在的拉远拉近拍摄，这中间真不知花费多少人的心酸血泪，才造就现今历史性改革，也灌溉出丰富 多变的电影语言，或许你也将成为下一位传奇的推手。
横看成岭侧成峰，远近高低各不同
下面是一些概括性内容，介绍电影最常用的几种人物镜头让大家认识。
单人镜头
顾名思义整个画面中只有单一人物的镜头，这种电影镜头可说是主要角色的特权之一。愈多单人镜头，愈可以感受到重点描述对象，此镜头的优点是注意力较 不易分散，能让观众马上清楚谁是焦点，但使用太多很容易枯燥乏味，过于单调，相信很少有人会愿意整场戏看了二三小时，却只有一个人物在那儿晃动吧！
现今的电影几乎会和其它不同类型的镜头做组合变换，有时大牌演员互演对手戏档期无法配合时，会有当天A可以前来，B却不可前往拍摄现场的时侯，拍摄 方式其实也是单人镜头的运用，有些明明看似二人在对话，但却用单人近景或特写的画面来呈现，这其实是分开拍摄在后制剪接完成的。
其实只有单一人物的镜头，反而得更花巧思在构图，以免布局显得过得简单，取自电影《听说》。
单人全景镜头
全景是最接近平常肉眼所观看出去的景色，在电影中用来表现场景的全貌或人物的全身动作，虽然人物从头到脚几乎都包含在画面内，但绝不是要角色呆呆傻傻的站在那让人拍，这种全景真正的特色与魅力，其实建立在人物与周遭的空间。
全景会让观众意识到画面中四季的变幻，是早晨或黄昏，在室内或室外？举例来说《孤舟蓑笠翁，独钓寒江雪》，大家都会想到一个披着蓑衣、戴着笠帽的老 渔翁，驾着小船，独自在白雪纷飞的寒江上垂钓。若拍摄画面用特写，我们可能只能看到个老渔翁或某个景色的局部画面，但把镜头拉远点，多带点环境和整体动 作，就看到一个渔翁独自在皑皑白雪中垂钓，既写意又杼情。
使用全景镜头，背景会占据较多的画面以外，和观众的视觉与心理距离也较遥远，会显得人物充满单独渺小与寂寞感，取自电影《海角七号》。
另外一些特技动作的惊险场面，也爱用全景镜头，除了用来表现环境的险恶以外，使用替身也较难被识破，因为拍摄距离愈远，依稀可以看到肢体动作，但太远的话，脸孔已经较难辨识了。
人眼焦距固定120度，集中注意力时约为五分之一，即24度，所以我们虽然看的范围很广，但却不见得都“看”进去了，因此全景镜画面包含很多细节时，你会发现电影镜头的移动速度会很缓慢，例如一些富丽堂皇或壮观的景色，镜头就慢慢的推移，是为了让观众能看的更清楚。
这个全景镜头强调在于全身的肢体动作展现，但因演员做出常人无法做出的柔软度，所以明明是全身镜头，却能拍摄成像近景镜头一样贴近，取自电影《翻滚吧！阿信》。
单人中景镜头
取景范围指的是腰部或膝盖上方的镜头，但注意拍摄不要正好卡在膝盖，摄影相当忌裁切在关节处，因为整个影像在收边处会有被切断的感觉。若全景适合表 现场景，中景则适合表现在事件，因为和全景相比，在视觉上又靠近人物主体，观众能更看清楚人物的肢体动作，可清楚明白角色所正在做的事情。
从演员在剧中的穿着与肢体动作，观众可以感受到此角色的性格、气质……等。例如，衣着华丽者自我显示欲强。其实在一部戏中同个角色随着戏剧内容的改变时，甚至会有衣着上的变化，穿衣风格的更改，也代表了心态上的转换。
可以认真观察自己或他人的照片，不同年纪和时期会酷爱某种穿搭，例如电影《翻滚吧！阿信》主角从一开始身着体操服的运动选手到变成街头混混的打扮，有时电影不用任何言语，甚至不用浮夸的表情演出，从服装就开始透露一切了。
头上戴着蛙镜手上拿着蛙鞋，观众可以感受到小朋友在幻想的空间里游泳，取自电影《囧男孩》。
画面中只有一个小女孩，但若仔细观察，竹竿挂的衣服和花色可推断是位老奶奶所有，背景是早期的建筑，观众可以隐约感觉到也许这想讲述的是祖孙在乡下间的故事，取自《生命无限公司》。
单人近景镜头
取景范围从胸口或腹部以上拍摄的镜头，观众可以开始看得相当清楚，演员脸上任何表情，眼神的流转，此种镜头也主要用在人物的表情反应，另外这种画面的距离，是我们和朋友与熟人对话的距离，所以会在心理形成某种亲切感，甚至感同身受。
认真研究东西方不同国家的电影，可以感受到亚洲电影在表情上的反应是较为保守内敛的，喜怒不易形于色，所以莫怪西方电影都把东方人塑造出一堆面无表情的角色，因为在他们眼中，那简直是神祕到高深莫测(绝对不是因为眼睛比较小)。
不过，没表情不等于没感情，有时这甚至是更细腻的表现，例如，愤怒悲哀或憎恨至极点时也会微笑，是皮笑肉不笑，女生不能太露骨地表现自己的好意，所以明明很在意，却还要假装冷漠，或明明气到极点却要装出无表情，眼神透露出一股杀意……由此可知，察言观色是很有学问的技巧。
题外话，虽然面无表情，但很妙的一点是亚洲人在拍照时的手势特别丰富，国外甚至有网站整理了意指亚洲人在拍照时常做的动作，也请一些外国人士来挑战摆这些POSE拍摄。
在迎接最悲伤的死亡时，他们嘴角郄都带着一抹微笑，这代表是解脱还是满足，留给观众一种无限的想象空间，取自电影《艋舺》
单人特写镜头
拍摄范围在人体肩膀以上，脸部的表情，某动作的细节或是重要的物体，功用是让观众能快速发现某个细节。和全景镜头比较起来，特写画面的时间其实很短，电影利用这些局部画面，来暗示情感反应，也许是一滴滑落的眼泪，或是慌张的咬指甲。
因此特写画面并不局限在脸部表情上，从肢体动作中往往泄露出的讯息，比表情反应还来得真实，常用在剧情中的关键时刻。特写不能过度滥用，有的特写画 面根本是肉眼不可能达到的，如果有兴趣你把拳头或一些东西拿到眼前不到3到4公分的距离，会发现太近出现视差，眼睛根本无法聚焦，不管你有没有近视看起来 都是糢糊的。正确来说特写画面接近人眼从放大镜看出去的效果，所以又被称为“细节镜头”。
这特写片段我们看不到主角的脸，但可以从流血的手，感受到他伤的很重，除了强调重点以外，特写也让观众想象画面以外的空间，取自电影《诡丝》。
相信每个人在重复观赏同一部喜爱的电影时，都会注意到很多之前没留意的部份，只是几个镜头距离的变化就可以谈非常多，但这里并不是要教大家成为像福尔摩斯或名侦探柯南那样的人物，而是摄影本身是一门“看”的艺术。
你能拍出什么，取决于你看到了什么。你能拍出多少深度，就取决于你能看到多少深度。你看了，但你其实不见得都看到。魔鬼就藏在细节里(Devil in the Details)，善于洞察细节，你就会发现突破盲点了。