奥斯卡金像奖起源于1929年，是由美国电影艺术与科学学院主办的电影类奖项。
在电影界种类繁多的奖项之中，奥斯卡不是最专业的，但绝对是在大众领域关注度最高，对普通观影者来说选片影响力最大的奖项。
第92届奥斯卡奖于2020年2月10日颁布，共设置24个常规奖项和2个荣誉奖项，韩国电影《寄生虫》摘得最佳影片桂冠。
奖项一经颁布，即刻引发热议。
我觉得上面两折对于本届奥斯卡获奖电影的观点比较有意思，仔细斟酌就能发现两者的共通之处，那就是它们都不是单独在看待作品本身，“《寄生虫》国际化”的观点纵向联系了电影的历史，《婚姻故事》的观点则横向对比了历史上的电影。
以铜为镜，可以正衣冠；以古为镜，可以知兴替。
喜欢看电影，评论电影，但无法深刻分析，观点都是浮于表面？不妨通过阅读电影的历史，加深自己对于电影的理解。
有的朋友就说了：“道理都懂，但是那些历史书真的看不进去！”
的确，《世界电影史》《认识电影》《电影理论与批评》等电影史和电影理论的经典书籍，要么超级厚，要么超级理论，对于非专业读者不够友好，很多人对这些书籍的第一印象是“每个字都认识，但句子和段落就是看不懂”。
没错，经典理论书籍门槛高，我也一直在寻找合适的简化版或者趣味版，直到遇到英国漫画家、作家爱德华·罗斯所绘制的《漫画电影史》。
《漫画电影史》由后浪出版公司出版，是科普电影历史的漫画，经典电影的场景以漫画的形式呈现，佐以丰富的注释，“影痴”爱德华·罗斯化身为漫画中的引导者，带领我们穿越时空，感受电影的非凡魅力。
电影的起点
1896年，卢米埃尔兄弟向社会公映了他们自己摄制的一批纪实短片，包括《火车到站》、《水浇园丁》、《工厂大门》在内，有12部。
电影作为一种独立的艺术形式被确立，当时的摄影机被认为是导演的眼睛，通常是通过纪实正面拍摄的手法来记录。
1902年，乔治·梅里爱从儒勒·凡尔纳的小说《从地球到月球》和H·G·威尔斯的小说《最早登上月球的人》中得到灵感，利用摄影机“蒙蔽”人眼的潜能，拍摄出电影史上第一部太空幻想电影《月球旅行记》。
当时使用的技术在现在看来显得粗糙，但理念非常先进，其实到今天，很多科幻电影依然是即时性与幻想性的结合。
根据电影制作技术，大致可以将电影的历史分为三个阶段：
1895年-1928年是无声电影时代，经典默片层出不穷；
1928年-1990年是有声电影时代，优秀影片百花齐放；
1990年至今是数字化电影时代，全球性电影艺术井喷式发展。
绘画、音乐、文学、雕塑等等艺术形式无不在时间的长河中涤荡，经历了数千年积累才发展成今天的模样，而电影从无到有，以传统艺术形式为根基，在短短的200多年间，就迅速发展壮大，成为主流艺术形式之一。
同时，电影也是受众最广的艺术。
电影之所以受到人们的喜爱，不仅仅因为它本身的娱乐效果，更因为优秀的影片能帮助我们更多地认识我们自己、认识我们的文化以及认识我们所处的世界。
拍摄手法
在以卢米埃尔兄弟为代表的早期电影之中，电影镜头都是遵循人眼的视物规律来拍摄，但没多久，观众就对这样的纪实性短片失去了兴趣。
然后，新的拍摄手法就出现了。
1.特写
1903年，在乔治·阿尔培特·史密斯导演的一则53秒的短片《病猫》中，首次使用了“特写”的拍摄手法，镜头由拍摄孩子抱着猫的情景，一下子切换到小猫身上，汤勺喂药的动作和小猫舔舐的细节都清晰可见。
特写的诞生突破了人的感官，电影不再局限于人的视觉极限，使角色而非场景成为被拍摄的主体。
2.推移镜头和大场面
1914年，意大利导演乔奥凡尼·帕斯特隆纳在电影《卡比利亚》中使用移动摄影镜头取代固定镜头，将摄影机架设在推车上，沿直线或斜线往前推进，这种推移式取景可以流畅地完成大全景到中景的转换，被称为“卡比利亚推移镜头”，据说当时还申请了专利。
电影历史学家乔治•萨杜尔曾评论该片：“在技术上的创新以及场景的壮丽上，打破了当时一般电影的格局。”
1916年，被称为“美国电影之父”的著名导演D.W.格里菲斯从《卡比利亚》的大场面中受到启发，推出长达三个半小时的史诗电影《党同伐异》，场面宏大，花费巨资还原古巴比伦场景作为布景，同时使用超过3000名群众演员，为了完美拍摄巨大场景，甚至使用了热气球“航拍”和塔楼升降拍摄。
格里菲斯的大胆与创新极大地推进了电影新兴技术的推广和发展。
3.光影
光和影在电影中往往是烘托气氛的重要元素。
1920年，罗伯特·维内拍摄的黑色电影《卡里加里博士的小屋》，是20世纪20年代繁荣的德国小成本表现主义电影中的代表，这类电影非常擅长使用光影和油漆激发情绪。
阴影被直接涂抹在布景和地板上，呈现扭曲、不平衡的场景，单一的光源，半明半暗灰色阴影的井深镜头，在令人致郁的气氛中唤醒卡里加里博士疯狂的世界。
4.声音
1927年，无声电影逐渐衰落，声音开始在电影中出现。
声音使得电影气氛不再“高不可攀”，声音的表现也使观众更能投入剧情，声音成为影像之外的重要元素。
有时候，电影中的一些最令人难忘的角色，甚至是以声音的形式存在。
1968年，在斯坦利·库布里克的科幻电影《2001太空漫游》中，一组航天员乘坐飞船前往木星，随船人工智能电脑“哈尔9000”发生了故障，当宇航员要求打开舱门时，哈尔用既像是活生生的、但同时又有着古怪的单调感与人工感的声音拒绝了宇航员的请求。
哈尔的故障令宇航员们面临危险，主角为自救必须断开人工智能的电源。
当哈尔被关机时，它的声音也向着一种早期状态退化，不断调节、变慢，就像濒死的人类。
在2019年创造票房奇迹的科幻电影《流浪地球》中，对领航员空间站的人工智能MOSS的刻画也采用了相同的手法，在大火中发生核心数据错误，即将“死去”的MOSS用机械音说出了最后的台词：“让人类永远保持理智，确实是一种奢求……”
意识形态
意识形态可以理解为对事物的理解和认知，是观念、观点、概念、思想、价值观等要素的总和。
意识形态源于社会，并非天生，主要受思维能力、环境、教育、价值取向等因素影响。
不同的意识形态，对同一种事物的理解、认知也会不同。
电影在娱乐之下包含的意识形态，通过描绘社会、家庭、性别等等一切事物，对塑造观众的世界观、道德观发挥着巨大的作用。
英雄、神话、历史、爱情等类型的电影最容易植入意识形态。
好莱坞电影的演员和导演大多都是男性，这导致了很多电影往往被男人的动作和目光所挟制，一系列电影惯用技法迫使观众以老套的白人、男性、异性恋的视角来看待这个世界。
这些电影频繁地将凝视的权利赋予男性主人公，这使得现实与虚拟世界一并加强了男性权利。
查尔斯·卓别林，默片时代杰出的电影艺术家、喜剧大师，一生有80部喜剧电影作品问世，卓别林的表演有明显的双重性，在接地气的同时又表现得很尖锐。
1936年放映的代表作《摩登时代》，造型、动作、表演，都体现着卓别林式讽刺，在工厂神经质般地重复着同样的工作，表演方式相当幽默，让人感到很复杂，又搞笑又可怜。
《摩登时代》拍摄于美国大萧条时期，影片中含有大量工业化背景下意识形态的隐喻。
作为政治话语与商业电影的结合，在1986年上映的空军题材影片《壮志凌云》中包含了国家在培养优秀、有责任感的英雄的意识形态，尤其这个英雄还长得特别帅，富有力量感，具有自我个性。
上映之后，《壮志凌云》不仅仅票房大获成功，而且美国空军征兵数量激增500%，电影对美军的批判也逐渐从电影院消失，因而这部影片也被誉为“史上最好的征兵广告”。
电影的力量不可否定，尽管很多时候并不会直接导致某些行为，但确确实实在潜移默化中对观看者产生着影响。
不过，电影的力量不只是教导我们去遵从，而是让我们扩展思维去探索不同的世界观，并挑战我们常常认为是理所当然的社会规范。
爱德华·罗斯的《漫画电影史》虽然是漫画版本，但电影史的重点要素一应俱全，内容也多是考究的电影理论，普通爱好者可以从轻松的漫画中获取知识，参照电影的历史，尝试有理、有据、有观点地欣赏电影作品。
同时，这本书对电影的研究也非常全面，引用的各种理论著作、参考内容与典故都标明了出处，尾注20多页可见其严谨，即使是阅片无数的骨灰级影迷，相信也能从中有所收获。
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