关键词：梵高 毕加索 达芬奇 文艺复兴
现实和理想 个人情感 三大构成
美的追求 思考能力 认知模式
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我们知道每一副绘画作品，都有生长根植的现实生活，而又有超脱于现实的个人情感的表达。
我喜欢凡高的绘画，包括向日葵、星空、吃土豆的人等等，运用超浓烈的色彩，表达出内心非常强烈的感情，而且表达出充满生命力的表现形式。
也喜欢毕加索中后期的作品，通过独有的绘画方式，肢解分离现实中的各种形象而又通过重新组合和拼凑，今天属于他们不一样的色彩，反而表达出对于现实生活的理解和感情的投入。
还有达芬奇的绘画作品，不管是他的蒙娜丽莎的微笑，还是最后的午餐，以及圣母系列画作。我们可以看到作为文艺复兴先驱者，对于绘画技艺的娴熟以及美感的阐释。
他通过鞭辟入里庖丁解牛般的刻画，描绘了一个个鲜活的人物形象。与梵高和毕加索的绘画技巧不同，他主要关注你对现实生活人物以及历史情景的描绘。
我们通常衡量一个优秀的绘画作品的标准，就是它是否表达了美。
而对于美的追求也是绘画作品源源不断的动力，我们可以说达芬奇文艺复兴时期是对于美的概念系统性定义的时期，在这个阶段提出了很多绘画的理论，包括黄金分割点以及绘画构图和色彩的组成比例。
所以从这个角度，我们可以看到凡高绘画的美，在于他的扭曲挣扎的美，而毕加索绘画的美，在于它的肢解分离和重构都美，而达芬奇绘画作品的美，在于它对于细节写实的深入刻画。
当然他们的绘画作品都不是说，完全的脱离了生活，而基础就在于他们首先有了对于生活深入的了解和感受，以及将个人的情感和历史的背景，宣泄在自己的绘画作品之中。
我个人有过一段学习绘画的经历，记得在最初的绘画学习过程中，老师都会让我们从一些最简单的几何形体开始绘画。
在这个过程中，首先就是培养我们看待世界的角度，世界上任何一个形体都是可以运用几种简单的形几何形体进行概括的。
其次，在这个过程当中让我们使用了有别于以往包括文字和声音的表述方式，而通过手中的画笔来表现出现实当中的光线和阴影，以此培养我们看待世界的角度，不是简单的单纬度，而是多维度复杂构建的。
通过一定阶段的几何形体学习，我们接下来就会进行一些生活中的日用品，包括一些罐子、桌椅、生蔬等生活中所能见到的一切物品。有了前一段时间的积累和学习，我们知道以几何形体的角度去刻画这些生活中的物品，而不是上来就抓住一个细节进行深入的刻画。
在这个阶段往往培养我们，看待事物的整体角度而不是局部视角，因此延伸到我们现实之中的全局思维，也就是说格局的训练。
学习了对于美的构图的表述，以及对于整体的概念性表述。我们可以有这样的感受，在一幅绘画之中，首先只要抓住了整体的一个构图，那么最终不管结果如何，都不会偏差到哪里去。
而如果是一开始就抓住一些谨小细微的细节去刻画，那么最终很有可能，要么就是整体偏大要不就是偏小。他通过这段时间的学习，我们知道了整体性思维的重要性。
在素描表现的最后一个阶段就是对于人物的刻画，我们在进行人体绘画的前提之前，通常会进行一些包括骨骼和肌肉图的绘画练习。
在这个过程中，也就是相当于培养我们要透过表面看到问题的本质的能力，要有整体性的思维，而又不流于表面，培养深入观察的能力。
我们知道每个人外在的形体动作都是通过内在的骨骼和肌肉协调完成的，所以我们要想绘画出一个具有真实的情感的动作，那么必须就要了解他背后的机制。
因此在这个过程中，我们学会了，通过绘画表达个人的喜怒哀乐，以及其相应的不同的肢体动作。
绘画的最后一个阶段，学习就是对于色彩的控制，这个阶段我们知道每一种色彩其实都是具有其不同的情感元素。
比如红色代表激情或者火热的爱情，绿色代表，阳光和生命，黄色代表温馨和温暖，蓝色代表忧郁等等等等。
我们要知道每种色彩的具体的意义，当然也要知道，运用这些不同的色彩去表达信息之中人物包括各种各样物体的内在情感。
而在色彩的绘画学习当中，我们要学习到一种平衡和调和，这也给我们带来了另外一个思维角度，也就是每一种情感并不是持续性的，而必须夹杂着各种各样与之中和的情感，才能构成我们整个情感世界的平衡。
所以从这些角度来看我们的绘画作品，不单单是给我们带来视觉上的美感感受，以及包括他背后的历史故事和人物的情感，更重要的是培养我们一种思维的角度以及对世界的认识。
同时给我们对于表达对世界的感受多了一种表现的形式，我们可以通过不同的创作创新形式，来表达出我们对于世界上万事万物的认知。
而在最终的创作过程中，我们已经对于生活有了深刻的认识，而且不再拘泥于现实生活的形象，通过各种各样的表现形式，从而达到我们内心情感的表达。