华晨宇——《假行僧》
精彩的改编，精彩的舞台，这是一次视觉听觉的综合舞台艺术，提前预定个人2018年十佳现场。这次的演唱更加的象征化，故我不再着重探讨歌曲的思想。
下面分视、听、言三个方面做赏析。
（一）视：
三原色失真与精神分裂
非常精彩的灯光与摄影后期。
演唱者独坐台中的灯光之下，贯穿全程的紫红与蓝色灯光，正好将演唱者一分为二，象征一体中对立的两重人格或情感两面。
精准的灯光在演唱者的面部中心将演唱者切开，一面是孤傲、忧郁与深远的蓝色，一面是压抑、神秘与死亡的紫红。
在色彩学中蓝色和紫色都是带有强烈宗教感的色彩，在基督教中，深蓝色象征着圣母玛利亚，包含着爱和悲伤等深刻的情感，带有浓厚的宗教内涵。色彩情感学中，蓝色是纯粹的冷色调，蕴含着强烈的理智性和控制感。
在几乎所有的文化中，红色总是生命和欲望的象征。紫红，在基督教中表示牺牲、屈服、顺从等特殊意义。而作为蓝色和红色的混合色的特殊存在，紫红又象征着理智与欲望的抗争和统一。
一面理智的控制，一面欲望的喷薄。两种情感和人格在演唱者身上同时爆发，闪亮在暗黑的舞台之上。
这是爱和痛苦的内心搏斗，是理智和情感的自我的纠缠。
与其说这是歌曲的现场，不如说这是灵魂自我剖析的祭台。
（提一种新的方案。如果条件允许，打大散色光铺满舞台，红色在左蓝色在右，中间自然重叠形成紫红。然后华晨宇坐在舞台中央，在紫色散光照射之下再重新打汇聚的紫红光凸出显示。这样，在表现演唱者分裂感的红色和蓝色之外，第三色紫色的加入能够表达出人格的融合寓意）
视频影像中有一种常见的分裂感描绘——三原色分离震动
三原色分离失真震动在本次视频中多次出现，象征着演唱者情感情绪的强烈波动甚至开始影响人格或者说灵魂的震动和分离。
不管视频后期的制作者在制作的时候是否有此思考，但三原色分离失真确实和歌曲的情感产生了奇妙的和谐，将音乐成功的视觉化。
（其实我怀疑视频后期制作者在制作时，是否主观上有此表达。原因是三原色分离失真并没有出现在歌曲情绪撕裂最为强烈的时候，而是较为平均的分配在了歌曲之中，更像是感性的简单表达。而我以为更加合适的做法，是将三原色失真与歌曲的情绪表达更为精确的结合。在情绪爆发过程中随着情绪的越来越激烈，穿插加入越来越激烈的失真与抖动。
那场景，必定难以想象的震撼。）
（二）听：
混响撕裂与孤寂癫狂
听这首歌，建议配搭稍好的耳机，以建造更实在的空间感和识别出更加清晰混响回声。
撕裂是疯狂，回声是孤寂。
华晨宇的这首《假行僧》以清冷的演唱和逐渐加强的梦呓与撕裂营造出了癫狂、黑暗的氛围，是梦魔般的痛苦与挣扎。
而大混响时间则营造出了宏大的空间感。每一句呼喊，每一声梦呓都不断的回荡在我们耳中，一声两声三声，经久不息，直到如蚊吟般从我们耳边消失。所以我们知道，这一定不是屋舍，不是厅房，不是闹市。
这是旷野，空无一人的旷野，天地一墨，只有你彳亍独行。这是魔境，是地狱，是我们内心永远不曾示人的深渊。
歌曲从清声的唱词进入，间隔梦呓般的吟唱，再轻声再梦呓。
然后进入疯狂。
再是更为强烈的吟唱、梦呓。
然后进入癫狂。
癫狂的撕裂与呼喊和尖锐的吟唱，仿佛个人的分裂与碎裂。
然后是癫狂之后的透支般的喘息。【歌曲的5’33-5’45处，非常震撼的过渡，举轻若重】
最后叹息声中的结尾。
整首歌四段式改编使得歌曲的情感层次非常丰富，从清冷的平静感到癫狂的分裂感再到疯狂后情感透支和精神耗尽的虚脱感。
这是每一种极端情绪都似曾相识的过程。
1s-34s（轻声的唱）
35-57（轻声的梦呓）
58-1’19（轻声的唱）
1’20-1’29（疯笑声）
进入疯狂
1’29-1’50（稍强的唱）
1’51-2’11（轻声而尖锐的梦呓）
2’12-2’30（轻微撕裂的歌唱）
2’31-2’55（稍强的梦呓）
进入癫狂（钢琴加速间奏）
3’27-4’04（加速而撕裂的梦呓）
4’05-4’29（强烈撕裂的歌唱）
4’30-5’33（尖锐而撕裂的梦呓）
5’33-5’45（喘息声，抽离癫狂）【非常震撼的过渡，举轻若重】
5’46-6’34（缓慢的唱）
(三)言：
呓语乱言——得与不得，放与不放
假行僧是僧侣吗？《假行僧》重点不在“僧”，在“假”
僧是放下，是超脱，是看破。“假”是装放下，装超脱，装看破。我们不是僧，却装作僧。
所有歌词正向理解一遍，再反向理解一遍。
正向的是理智想做的，反向的是情感放不下的。这一正一反，同时存在于我们内心，同样猛烈，同样不舍。于是，纠结、犹疑、分裂、撕扯、疯狂，所有的所有由此而出。
这放与不放可以是所有，是情、是爱、是理想、是自我......
歌曲再无所谓内涵，这是一场人格分裂和癫狂情绪的盛宴，是所有内心二元对立的搏杀。
歌曲，哲学
终究一体。
分割线......
再多语几句：自从华晨宇走上《歌手》的舞台以来，我每期乐评的笔墨越来越多的的落在了他身上。不是想写华晨宇，而是不得不写。凭借优秀的选曲和自我的演绎，再加上越发富有思想性的创作，华晨宇已经逐渐与这期孱弱的《歌手》舞台渐行渐远。这个渐行渐远不是被落下，而是超脱。
决定一个歌唱者能否是歌手是唱功，决定一个歌手能否是歌星看自我魅力，而决定一个歌星能否是艺术家——是思想和创造。
最近很多有关于他改编歌曲的讨论与争议，其实华晨宇的粉丝不用担心，那是因为思想和创造永远伴随着异见与否定。而他选择的路，注定了这些将会永远伴随他。
他才28岁，还远远没到一个艺术家创作深度爆发的年纪。而如果有天他能在流行乐坛的历史上深深镌刻下自己的名字，那往日所有的争议与否定，都将成为对他成长的鼓励和赞美。
汪峰——《忘了我》
依然是高水平的改编，依然是模式化的编曲。可是意外的是，同样的模式化编曲，一般的歌手在这个舞台上只要用上两三次就会使观众陷入审美疲劳，从而导致成绩快速下降。而汪峰，却依然能保持较高的水平和感动度，这一方面是汪峰深厚的编曲功力。而另一方面，是汪峰在歌曲表达中感情上的赤诚。感情上的赤诚使得每首歌虽然是相似的情感推动模式，却有着完全不同得整体气质。
虽然口中说着真实与突破，但实际的选曲和风格上，很难说汪峰不是在维持着一种小心翼翼的平衡。不知看到这几期年轻辈华晨宇的突破和冒险，汪峰会不会有一些汗颜。以既有的舒适区编曲，维持中上的水平，这不应该是一位摇滚前辈、“半壁江山”的追求。我对汪峰的期待是真正能奉献谭晶级别的，有严肃的社会、人文思考的作品。
张韶涵——《再见青春》
张韶涵依然维持着自己的励志向的需求。不过这一次，抛弃了更多的沉重和大主题的情感的张韶涵，终于在个人体情感的抒发上取得了和自己气质更为协调的效果。
不过或许是因为求生心和对于歌曲元素多元化的执着追求，在歌曲中插入了不是必须的女高音，虽然算不上突兀，可对于歌曲的表达也并没有起到明显的正向作用。
腾格尔——《从头再来》
腾格尔这次的冠军拿得我有些奇怪，虽然选曲上确实还是挺符合。但从乐曲的风格来说，基本上只是严格延续崔健的戏谑式编曲，并没有颠覆式的改编。最后的行进小军鼓的加入更多的也只是起到了热闹的作用，对现场的氛围的营造有益，在思想表达的层面并没有突出的意义。或许最终的冠军排名更多的功劳是来自于原创者崔健的功劳。
郁可唯——《飞鸟与鱼》
在上《歌手》的舞台之前，我并没有太关注过郁可唯，在印象之中只隐约的知道是出生于选秀节目。由于本来并没有太高的期待，所有本次的演唱对我来说总体惊喜居多。郁可唯有着非常好的女生中音区，从声音质感、共鸣、气息的稳定性上面来说都非常好。
说下缺点。本期的选歌《飞鸟与鱼》来自齐豫，而郁可唯在演唱时总体也上没有太大的自我改编，包括节奏、断句几乎都是与原曲相同。可是齐豫本身赋予本曲的散漫、凄美、空灵之感已是珠玉在前，郁可唯本身还算不错的演唱在同气质演绎的齐豫面前便逊色了不少。唯一的较大改动是串入了本身气质还算相容的歌曲《C'est La Vie》。可惜由于两首歌曲的切换有些突兀，逼迫观众不得不在歌曲的歌词意义间做快速转换，其实是破坏了原曲连贯的的思维，实在是有些画蛇添足之嫌。如果说本次演唱就只唱《飞鸟与鱼》，应该效果还会更好一些。
霍尊——《你好吗 少年》
其实这首歌选曲和演唱都不错，可是却叫人很难进入其中的情感。
霍尊其实有着非常好的声音和个人气场的辨识度，这在流行乐坛已经是一种非常难得的特质。可是他的缺点也非常明显。来到《歌手》节目上的三首歌《红颜劫》、《小草》和《你好吗 少年》，本是表达不同的情感，可霍尊却采用了几乎一模一样的霍式唱腔。这也许是来自霍尊本人的温婉、平和的品性，但不管是爱情还是亲情都是一样的表达，在舞台上就难以吸引听众了。唱腔、情感抒发模式的单一将会是霍尊接下来几期的严重问题。
Jessie J——《Ain't no mountain high enough》
又是一首太过熟悉的歌曲，记得第一次听到还是在十几年以前父亲的CD中。从最开始的惊艳，到后来怀有更高的期待，到现在的习以为常，对于Jessie J的神化也逐渐落幕。或许她是一个世界级的唱将，但目前看来，已经不再对她在艺术创造性上抱有期待。她上场，除了唱功以外，大家不必期待更多的东西，好好享受声音就行。