《艺展中国》王海燕油画作品展

王海燕简介

王海燕,1974年生于青岛，1996年毕业于山东艺术学院油画专业；2009年毕业于中国美院油画系获硕士学位；曾任教于山东大学艺术学院、中国美术学院；现任教于天津美术学院，中国美术家协会会员。

参展：

1994年第八届全国美展。中国美术馆

1997年走向新世纪—中国青年油画展。中国美术馆

2005年两岸油画交流大展。台湾长流美术馆

2010年国际水彩画交流展。日本新潟民芸术文化馆

2011年第二届中国当代学院水彩艺术展。中国美院美术馆

2012年第一届“可见之诗——中国油画写生作品展”。中国美术馆

2014年筑中美术馆2014年度名师提名展。北京筑中美术馆

2014年第二届“可见之诗——中国油画风景展。中国美术馆

2016年天天向上-名师提名五年回顾展。北京筑中美术馆

2017年中央美术学院“捷克+”艺术写生作品展。布拉格老城画廊

2018年凤凰系列展·2018中国当代油画学术邀请展。凤凰城美术馆

2018年七拍·七座城学术邀请展”。汤湖美术馆

2018年山东艺术学院建校60周年美术作品展。中国美术馆

2018年最绘画——第三届中国青年油画作品展。中国油画学会

2018年中央美术学院“今天。明天。艺术+”中德主题创作活动。德国汉堡市政厅

个展：

2011年花境——王海燕绘画作品展。上海德佳艺术空间

2015年门神.花境——顾黎明.王海燕油画展。香港大会堂

2017年花境——王海燕绘画作品展。北京方圆美术馆

2018年花·景·境——王海燕作品展。北京索卡艺术中心

画与绘

——读王海燕的画

文/彭锋

北京大学艺术学院副院长

美术评论家

海燕喜欢画花，尤其是瓶花，这让我们想起静物画。静物画作为欧洲古典油画的一个种类，尽管不如人物和风景那么宏大，却是画家和收藏家钟爱的题材。静物画通常画一些没有生命或者失去生命的物品，相对于风景和人物，没有生命的物品更容易听从画家的摆布，因此更容易体现画家对画面的设计。由此不难理解，为什么静物画会成为现代绘画的重要主题。因为按照弗莱的解释，现代绘画的一个重要转向，就是由题材转向设计。如果让人们推选现代绘画的代表，估计十有八九会想到凡 · 高的向日葵和塞尚的苹果，它们都是静物画。

《花开富贵之二》 40x40cm 2015年布面油彩

《花开富贵之三》 40x40cm 2015年布面油彩

如果说现代绘画钟爱静物画，目的是要体现设计的美，也就是画面的美，而不是题材的美，那么古典绘画钟爱静物画的目的又是什么呢？当然，我们可以说古典绘画钟爱静物画的目的，也是为了体现设计的美，我们不在古典绘画与现代绘画之间做出截然的区分。我们甚至可以说，古典静物画的目的就是为了体现美，如果我们采取黑格尔对于美的定义的话。在黑格尔看来，只有心灵才能创造美。心灵不能渗透其中的物品，就没有美。自然物没有美，所谓的自然美，只是因为它们类似于艺术作品而显得是美的。静物画之所以容易体现美，正因为没有生命的物品可以服从画家的安排。从这种意义上来说，古典绘画与现代绘画钟爱静物画的理由基本一致。

《富贵吉祥之六》 100x80cm 2012年布面油彩

《富贵吉祥之八》 100x80cm 2017年布面油彩

但是，如果从图像学的角度来看，古典静物画的含义就远远超过了美。静物画之所以钟爱没有生命的物品，尤其是失去生命的物品，或许要表达的是世俗生命的无常，以此衬托精神生命的永恒。由于宗教和习俗的不同，今天的人们已经很难将古典静物画中蕴含的秘密解读出来。在这种意义上，可以说其实我们都没有看懂古典静物画。对于现代静物画的解读也不那么容易。同样是面对凡 · 高画的鞋，海德格尔看到了农妇在寒风中的战栗、在分娩时的阵痛，夏皮罗则将它视为梵高的私人物品，视为另一种意义上的自画像。

《多子多福之三》140x80cm 2012年布面油彩

《福寿双全之一》100x80cm 2012年布面油彩

同样是静物画，同样画的是瓶花，我们很容易将海燕的作品纳入静物画的系统中来解读，让它们形成各种对话关系。但是，海燕的静物画还有一个来源，它比欧洲的静物画传统更加深远，这就是中国画中的花鸟画，古人称之为写生。古人说的写生与今人说的写生不同，前者指的是画有生命的对象，或者画对象中的生气和生命，后者指的是对着对象画它的形状。由此可见，同样是画花，国画跟油画的取向完全不同。简单说，国画是写生，油画是写死。国画是透过花鸟来写它们的生意，因此很少画枯萎的花和死了鸟。油画是透过花鸟来表现生命的易逝，因此喜欢画将要凋谢的画和作为猎物的鸟。油画与国画的区别由此可见一斑。

《连年有鱼》 160x140cm 2009年布面油彩

《吉祥如意》100×40cm 2010年布面油彩

海燕画的是油画，但她对中国传统艺术情有独钟，尤其是喜欢民间年画，从中获得不少启迪。从这种意义上来说，海燕画的是静物，表达的是写生的寓意。从这种意义上来说，海燕的画与20世纪以来中国画家从事的油画本土化工作一脉相承，与今天盛行的写意油画不谋而合。

《瓶花No.7》 100x80cm 2017年布面油画

《瓶花No.9》 100x80cm 布面油彩 2018年

与大部分画家将写生等同于写意不同，海燕的绘画较少受到客观物象的局限。她画的是心中的花，想象的花，因此画面显得更加自由。更重要的是，她通过将画与绘对照起来，创造出了她独特的绘画语言。邓以蛰特别重视《周礼》中记载的画与绘的区别，认为画是勾线，绘是着色。邓以蛰根据国画后来的发展趋向，重视画而贬低绘，认为画体现的是文人的书卷气，绘只是工匠的手工活。邓以蛰承认，在后来的发展中，画与绘的区别就不明显了。在人文画中，画压倒了绘；在画工画中，绘压倒了画。但是，在海燕的画中，我们看到了画与绘之间的游戏。一方面，我们看到了自由的线条，这些线条没有像素描那样被色彩覆盖；另一方面我们看到了丰富的色彩，这些色彩没有被线条束缚住。为了将线条与色彩分离开来，我们看到海燕经常有意识地让它们错位。线条与色彩之间的对立与和解，构成海燕作品的一大特色。从这种意义上来说，海燕的作品中不仅有西方静物画与中国花鸟画之间的对话，而且有绘画内部的对话，即绘与画之间的对话。正是因为有了这种内部的对话，海燕的画才特别生动而耐人寻味。

花境

文/潘鲁生

中国文联副主席

山东工艺美术学院院长、教授

博士生导师

海燕读大学时对花卉题材就情有独钟，之后的系列代表作品又显现出她对花卉的解读与重构。最近读了她的油画新作，使人感受到了中国语境下的花境。油画的语言是丰富的，中国画的意境是深厚的，两者融合，语言与意境交织创造出她自己独有的花境风格。

《烂漫梨花》 140x160cm 2008年布面油彩

《杜鹃花No3》 70x90cm 2017年布面油彩

将中国画与西画融合不是首创，20世纪初徐悲鸿、林凤眠等艺术家均作此耕耘，呕心沥血，在技法与观念上不断沟通。后人亦前仆后继，始终没有脱离对中西融合的探索。应该说，作为一名中国当代油画家，在中国传统文化背景的浸染下成长，关注中国式的艺术，在传统艺术形式中寻找结合点是符合艺术家成长的必然逻辑的。海燕的可贵之处在于，在近十几年艺术界喧嚣的现实氛围中，在中国绘画表面商业繁荣与内在民族文化困境的背景下，没有追波逐流，没有为迎合西方市场加入玩世现实主义、政治波普等利用中国表象符号嫁接西方艺术语言的形式主义的行列，也没有作表面式肤浅地中西元素对接和套用，而是潜心静气对绘画精神与语言执着探索，重在探索油画的“意境”。这种渐修，是中国文人关照人生与世界的一种方式，所以在海燕的近作中传递出了强烈的中国当代文人绘画气息。在近些年艺术家的探索与实验中，海燕的作品具有一定的代表性。

《紫藤花开NO.1》 60x70cm 2016年布面油彩

《绽放.蓝》100x100cm 2018年布面油彩

海燕是一位年轻的女艺术家，她以女性特有的视角关注日常生活的琐细，她的作品女性特质极为强烈。勿庸置疑，女性感受的方式不同，她们体验到的社会、政治、生活与男性也是不一样的，更注重经验与感性。对于这一点，海燕所采取的方式是不回避，不掩饰，正视与直观，自自然然。她没有虚张声势地过多关注外界的动荡，现实的冲突，思想的遽变，而是像她自己所说的“比较顺”，“没有太多的苦难”，在绘画题材上，她选择了中国文人素来钟情的“花”，带着现代都市的闲静、家的安居与女性的象征。这份闲静在今天的生活中也极为难得，需要淡泊和退守的心态。所以她近几幅作品如《春桃》等流露出来的淡泊宁静的古意，不是有意为之，而是自然呈现。散淡不是散漫，不是一味地无所控制。海燕的画控制力在加强，这与她生活的变迁，自身女性角色的成熟定位，文化艺术素养的修持有关。在创作中这种控制体现为调和，她将中国民间花卉绘画的范本、程式法则与写生的鲜活、直觉相结合，抽象与具象、写实与写意的交叉运用，油彩粘稠饱满与线性造型灵透的处理，找寻到了准确的创作体验。她的花卉作品在内容上属于静物，在形式上却不属于静物，心说物语，花境传情。多年来，她坚持花卉写生，在写生中运用联想的方式，注意捕捉情绪。静观与遐思是一种生活认知，在这种认知中，海燕把单纯的油画静物写生，把构图、色彩、造型、笔触幻化成了一种情绪的表述，进而生成为画意，生成花境。在这个过程中，她实践了中国绘画借物写心、形诸笔墨的创作原则，作画的意境成为一种内心与外物的沟通，成为“悟”，以花写境，以花写人，以花写心。因而与她早期的作品相比，现在的画更耐看、耐读了。

《福寿花No.1》 50x50cm 2016年布面油彩

《四季平安》 80x80cm 2018年布面油彩

海燕这些年特别关注中国传统艺术，特别注重对其母体艺术、本原艺术――民间艺术的的理解与思考。我一直认为中国民间文化的特质在于“吉祥”，中国的民间艺术也成为一种追求喜瑞祥和的艺术，它利用象征、寓意、谐音等手法串连出无限的意义，渗透在生活的方方面面，每一个细节，默默地发挥着自己的影响，因而这个民族才历经艰辛依然坚韧不屈，乐观向上。所以每一个民间艺术形象既是具象的，又是抽象的，更是意象的。它超越了个体，也超越了形象与形式本身，传达出浓缩的中国文化语汇，构成典型符号。中国民间艺术的这种特点看来深深地吸引了海燕，从汉画像石、敦煌壁画、瓷器纹样、民间剪纸、刺绣、年画中她多有涉猎。因而她近些年的花卉作品充溢了浓郁的中国式风味，从构图到色彩到造型到传达的意义完全是中国化的，但却运用了西方的媒介。她不是将东西方艺术进行元素上的简单拼接，按她自己的话说，是要“运用新的寓意，来获得当代人对中国传统民间文化的经验方式”，这便成为一种意味，她的探索性也尽在其中。她偏重色彩的感知与色彩的强烈，在创作中国化的艺术形象时如何发挥油彩的饱满、层次、弹性与质感，让二者自然融合，而不矫情造作，是她着意解决的课题。所以她笔下的梅兰竹菊、龟背生花、多子多福、富贵吉祥在传统的神韵中多了几分现代气息。符号性少了，生活性多了，寓意性淡了，审美性强了，这也是现代人对传统文化的选择。

《淡如菊》100×40cm 2010年布面油彩

《淡如菊No.7》 50x50cm 2018年布面油彩

海燕的油画花卉作品揉和了中国传统艺术的两种因素――民间艺术与文人艺术，这是艺术家个人成长背景所决定的。这些作品完全摈弃了西式油画的创作法则，完全呈现出中国式的构图、色彩、造型，甚至在材料的运用上进行了类似中国绘画笔法与墨法的探索，注重浓淡干湿表现，逐渐趋于写意，艺术语言走向提炼、概括与单纯。这是艺术家迈向成熟的一个迹象。