这是导演必备的实用宝典！
拍电影，不是简单的「讲一个故事」，关键是要「把故事讲好」。
想用镜头讲好一个故事，「如何拍出某种效果」固然重要，「为什么要这样拍」更是创作者无法逃避的问题。这些难题并没有「正确」答案，但往往有一个「恰当的」选项。
《故事片创作完全手册》是一本立足实战的全流程拍片指南，手把手帮你找到合适的表达方式，助你驾驭充满挑战的片场。
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· 以下节选摘录自《故事片创作完全手册》前言 ·
从何处开始你的电影创作之旅？
电影是一种创作方式，具有很强的技术性。它是一种个人表达的手段，又是一种人类共通的语言。它既要求周全的、有条理的计划，又要求自然随性的灵感。它是个人洞见与集体努力合作的产物。电影是综合的艺术形式，它的表现力来自剧作、表演、设计、摄影、音乐和剪辑的有机结合。
上述诸多方面缺一不可。创作者的选择，大到创造性的决定，小到实际问题的解决办法，事无巨细，都会影响呈现在银幕上的内容和影片从情感上打动观众的方式。
本书的中心思想是：在电影创作中的一切活动（构思、技术和物资），都应为电影创作者的创作观念服务。创作一部影片，始于讲故事的冲动和把创意搬上银幕呈现给世界的意愿。
接下来，要聚集人才、设备、资源来完成这部电影。不过，如今有一些并不在意电影创作的基础技术和基本概念的人常说，“电影无关技术，无关规则，全在于故事”。我认为，这种说法有些轻率。事实是，光有故事是不够的，即使故事很不错，你还必须会把故事讲好。
拍电影不是简单的“讲一个故事”，关键是要“会讲故事（storytelling）”，而讲故事要靠演员、摄影、灯光、声音和剪辑。若要练就讲故事的本事，首先需要理解电影的基本视觉词汇、创作过程以及所使用工具（如摄影机、曝光表、剪辑软件）的功能和表现潜力。
之前，在一个电影创作的大师讲座上，杰出的导演阿巴斯·基亚罗斯塔米（Abbas Kiarostami）曾强调一个论点：一部创意一般而表达出色的影片，胜过一部创意出色而表达拙劣的影片。
电影是一门复杂的艺术形式，要做出正确的决定，要成功地表达自己，就必须清楚地理解自己的构想是什么，想要表达什么，并且能够驾驭电影语言、工具和创作过程来将其表达出来。著名的电影诗人詹姆斯·布劳顿（James Broughton）曾经写道：
每一部电影都是一次前景未卜的航行……不了解航海之道就闯入远洋，并非明智之举。不先探明水道而入港导致搁浅，是既糟糕又尴尬的事。
本书讲解了所有必需的基本信息和技巧，以保证学生掌握“电影表达”所需要具备的在技术上、实务上和创意上的能力。可以把本书看作一幅航海图，虽然它不一定能提示每一处险境或每一项在航程中会遇到的挑战，但它能让你顺利出海。
电影创作这个领域如此浩瀚，而且在不停地演进，要用一本书全部涵盖它，自然是不可能的事。事实上，就是把书店架子上的所有电影书籍汇集起来，也不足以道尽可讲的一切。
本书是为电影创作初级班和中级班的学生，或独立电影创作者而写。这本教材的目标，是为创作故事片打下一个坚实的基础，范围涵盖从创意到发行的全部内容。
书中包括对胶片和数字创作工具的基本且详细的技术信息，对电影创作各阶段和整体流程有相当透彻的概述。当然，本书还会就“用电影讲故事”进行概念层面和美学层面的讨论。
电影作为一门合作的艺术
不论如何衡量，“创作电影”这项工作都是一件要求付出巨大的努力、聚精会神而且需要广博知识的事情。它还要求创作者同时执行多个任务。因此，创作故事片从来都是一门合作的艺术，需要集体的力量和团队的专长。一个电影创作团队的人数可以从两人到几十人不等（甚至更多），但其基本的原理是相同的：当团队的每个成员被允许做出自己的创造性贡献时，当每个人都对自己的实际工作和技术职责认真负责时，影片就会做得很出色。
本书通篇都会不断地强调创作团队创造性和个人职责的重要。同时，本书作者也非常理解并非每一个电影专业的学生都会当或者想当导演。在电影事业里存在很多有创造性、可实现个人抱负的道路（电影摄影、声音设计、剪辑、美术指导等），学生可以沿着它们前进。
我在书中提供了大量的技术信息，以及关于创意、文字和美学问题的讨论，让那些导演专业之外的学生能够深入学习。不论他们从事的工作是写作、执导、拍摄或者剪辑，本书都会引导每个学生在掌握实际技巧、自信地应用它们的同时，去发展自己的创造力。
21世纪的电影创作和技术
本书写作的时代，电影创作正经历巨大的转型。数字化媒体把电影创作过程中每一个阶段的技术和手段都彻底改变了。说到胶片和数字摄影技术，本书从业界和学生那里寻求了很多新意，他们都在理解和使用这些技术，并且在自由地融会贯通方面，远比学术界快得多。在胶片与数字视频之间并没有冲突，可以完成电影的方式就是好的方式。
21世纪的电影创作者明白，胶片或数字视频各自具有哪些内在美学特征和哪些创作可能性，并且会取其所长，创作优秀的电影作品。那些国际知名的导演，如阿巴斯·基亚罗斯塔米、拉尔斯·冯·特里尔（Lars von Trier）、丽贝卡·米勒（Rebecca Miller）、史蒂文·索德伯格（Steven Soderbergh）、斯派克·李（Spike Lee）、迈克尔·温特博特姆（Michael Winterbottom），以及其他很多人，不论用胶片拍摄还是用数字拍摄，都很得心应手。
现代电影摄影师可以掌握不同技术，而且灵活利用它们的表现力。艾伦·库拉斯（Ellen Kuras）、罗比·穆勒（Robbie Müller）和安东尼·多德·曼特尔（Anthony Dod Mantle）等先驱者就是如此。
剪辑师、录音师、美术师、声音设计师的技艺，并没有因采用胶片或数字格式而有很大不同，这些去问任何一位专业人士就能明白。如何讲述故事才是一切！用胶片或数字都无所谓。
本书并不厚此薄彼，也不厚彼薄此。相反，我在本书里试图提出一个看法，就是不仅要理解胶片和数字两种技术的不同，还要理解它们如何融会贯通。还有一点：我经常使用“film”（直译为“电影”，也可根据语境译为“胶片”）这个词，作为“movie”或“motion picture”（两个单词都是“电影”的意思）的同义词，在本书里，它的意思既可以是通过胶片介质完成的电影，也可以是用数字介质拍摄、通过数字剪辑、数字播映的电影，创作“film”的人就叫电影创作者（filmmaker）。
电影创作的教与学
杰出的电影导演亚历山大·麦肯德里克［Alexander Mackendrick，作品有《贼博士》（The Ladykillers，1955）、《成功的滋味》（Sweet Smell of Success，1957）］，在他的著作《电影导演》（On Filmmaking）中，提出一个中肯的见解：电影不能教，但是可以学。不过，有趣的是他本人就是加利福尼亚艺术学院的一位著名教师，教龄达25年。因此，他一定相信电影中有些东西是可以教的，或者至少是可以传授的，而教师在电影教学中起着一定的作用。
事实上，我相信关于电影有很多东西可以教：可以教基本的技巧、教电影语言、教技术、教如何在这门艺术形式中挖掘各种设备的表现力；可以教人理解一部电影是依靠怎样的创作流程得以拍出来的；还可以教学生善用各种方法去认识和理解电影史上关于电影创作技术的特殊案例。
学习完所有这些内容之后，严肃认真的学生便能迈入电影专业的大门，而电影创作中其他必需的能力，即便是成为一名艺术家（无论通过什么媒介进行创作）的核心能力，这必须通过实例和经验习得。
在这里，教师和书籍就是向导或指南。成为艺术家（而非匠人）的关键，在于想象力、视觉感受上的直觉、原创力、美感和个人风格，这些能力不能靠教，但肯定可以去培养、去发掘。
那么，我们到哪里去学习这些不能教的东西呢？一个有进取精神的电影创作者必须做的第一件事，就是看电影，尤其是大师们的电影，新、老片子都看。作家阅读伟大作家的作品，画家看画，事实上，创作者在发展自己的技艺时还会模仿大师的作品。
重要的是，年轻的电影创作者要仔细看人家的电影表现了什么以及是如何表现的——如何通过影像、行动和声音，孕育出某种独特的情感，进入某个特定的叙述角度，如何发展一个主题，如何令人笑、令人哭，让观众投入到电影之中。电影本身就是我们最有用的教科书。
值得庆幸的是，在电影史上还没有哪一个讲述电影故事的技巧过时了或被淘汰了。每一种电影创作技巧都仍然是这个艺术形式的“辞典”中的一部分，你可以去学习，去修改，去剪裁，去应用到自己的故事里。因为深知这里面的道理，所以我在本书中引用了大量的片例（来自DVD）。
书中的“实践篇”还增加了对这些场景和技巧的简短分析，以说明一个具体的技术、流程或技巧是如何支持影片的构思、叙事和美感的。它们在本质上，说明的是如何创造性地使用一个原理或者一门技术。因此我鼓励学生去观看和分析电影，去利用租来的丰富资料作为研究工具。
读者可能会注意到，我的推荐片目涵盖不同时代、不同国家，而且用各种媒介如35毫米、16毫米、Super16毫米、HD以及标准DV拍摄的都有。本书兼收并蓄电影史上各式各样的主张、手法、视角和发明。
聪明的学生会理解，伟大的电影和创造性的发明，可以出自洛杉矶，也一样可能出自中国台湾、丹麦、巴西、伊朗。电影是真正的全球性的艺术形式，五湖四海的电影人都在继续为电影工业做出重要的贡献。
我们学习电影创作的第二个方法，是倾听一线创作者的实践故事。每个人都有自己的现场经验——他们所面对的挑战，他们解决了的难题，他们为之挣扎的议题，他们坚持下来的想法和不得不放弃的意见，他们的成就，他们的妙招和发明——听取这些故事是很重要的。
我们从其他电影创作者的经验、构想、创意、解答、知识、策略、困难、挫折和成功中进行学习，从学生们拍摄处女作和老手们拍摄他们第30部电影的挣扎经验中进行学习——处处都有值得借鉴的经验教训。
拿起任何一本行业杂志，如《美国电影摄影师》（American Cinematographer），或者登录www.filmsound.org这类的网站；或者找本书来看，如劳伦特·蒂拉尔（Laurent Tirard）的《电影导演大师课》（The Moviemakers’Master Class）、沃尔特·默奇（Walter Murch）的《眨眼之间》（In the Blink of an Eye），你会发现那些在电影摄影、声音设计、导演、剪辑或电影创作的任何创造性工作中的人们在跟你分享他们丰富的心得与经验。
你可以把所有这些发人深省的故事、第一手的经验，放进你的工具箱，带着它们去做你的下一部电影。然后，哪怕你只在现场待一天，你就已经有自己的故事可讲了。说到底，拍电影不就是讲故事吗？
在本书中的“实践篇”里，你到处可以看到真实发生的故事。“实践篇”里许多简短的趣闻轶事，不少是在专业拍摄以及学生作品中都存在的典型挑战及案例细节。很多这种第一手的故事，是在我13年来教授初级和中级创作课程时收集的，取材对象的范围从拍摄处女作的导演到传奇性的电影大师。
最后，作为结束语，我想告诉大家，学习电影创作的最佳方法，其实就是去拍电影。下面是一点忠告，来自拍过不少电影的大师：
我今天要给那些有志成为电影导演的人的忠告相当简单，就是“实践出真知”。在20 世纪60年代，拍电影不是这么简单的。那时候，连Super8毫米摄影机都没有。如果你想要拍摄，就得租赁16毫米摄影机，而且多半没有同步录音。但是今天，买或借一台小摄影机是再容易不过的事了。你有了图像，有了声音，就可以在任何电视机上放映你的影片了。所以，凡是遇到导演向我征询建议，我的回答总是“拿起摄影机，去拍，然后放给别人看，给大家看”。（让-吕克·戈达尔，摘自《电影导演大师课》）
瞧，答案给你了。那还等什么呢？开始拍电影吧！
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