售价200万的刀、380万的沙发、1000万的椰子树……巴塞尔的展太厉害！
磅礴刚刚结束了一段有趣的旅行，跟着顶级护肤品牌 La Prairie 莱珀妮飞了一趟瑞士。
民间总爱把La Prairie 莱珀妮称为“贵妇品牌”——到底有多“贵妇”呢？
人家随随便便一个安排就很Fancy……
什么坐直升机飞越少女峰啦~
去深山里入住一间有着超赞温泉，房间由安藤忠雄、隈研吾等众多大师一起设计的酒店啦~
用它家的产品做个豪华 SPA 护理啦~
当然还少不了在巴塞尔转一圈~
在巴塞尔，有一间特殊的私人博物馆——“Hoosesagg museum”。
这是全世界最袖珍的口袋博物馆，二十四小时“营业”，无需门票，每一个过往的行人，透过门上的窗棂就可以进行“参观”。
第一次知道口袋博物馆是通过一部纪录片《艺境巴塞尔》，导游带着摄制组经由一条狭窄的小巷停驻于此，冲着镜头骄傲地介绍了这个巴塞尔的独特标志——
它也有点像是这个城市的缩影——巴塞尔将“小”做到了极致，他们能够在极小的空间内呈现出精益复杂的作品——无论是腕表，抑或是艺术。
与此同时，精良的作品也回馈了城市——每年三月底举办的巴塞尔钟表展是全球钟表界的一大盛事；不过三个月后的巴塞尔艺术博览会又是当今世界上公认最高水准的现当代艺术展示平台。
这些都为巴塞尔带来了源源不断的创造力和可能性，使得它在全欧洲甚至全世界范围内都享有盛名。
《艺境巴塞尔》中用到了大篇幅来介绍每年六月中旬在巴塞尔会展中心举办的巴塞尔艺术博览会——有着“世界艺博会之冠”之称，同时也是“艺境巴塞尔”最直观的表现形式。
巴塞尔艺术博览会每年分别会在巴塞尔、迈阿密和香港三地举办，而在起源地巴塞尔举办的这一场往往也是规模最大，含金量最高的一站。
今年，恰好是巴塞尔艺术博览会的第 50 周年，半个世纪的积累，在这个特殊的时间点迎来一次爆发，各方数据都迎来了新高——
今年的巴塞尔一共展出了来自全球 34 个国家，290家顶尖艺廊的作品，观众人数超过 93000 名。
没错，托莱珀妮的福，磅礴今年又去啦！
Gerhard Richter的作品《集会》以 2000 万美元成交，创下近三年瑞士巴塞尔艺术展的单件最高价作品销售纪录。
这件作品此前的 40 年间一直被一对意大利夫妇收藏着，这次委托画廊出售是为了筹资修缮他们的文化项目Palazzo Butera。
此外，还有一系列（可以在黄浦江边抵一套海景房的）艺术作品——
“一棵 1000 万美元的椰子树”——
Sigmar Polke 《汽车图案面料上的棕榈树》
售价：1000万美元
“一副 300 万瑞士法郎的七巧板”——
Georges Vantongerloo 《（I）研究海耶》
售价：300万瑞士法郎
“一把 250 万美元的刀”——
Jack Whitten《阿芙罗狄蒂的情人》
售价：250万美金
以及“一块 300 万欧元的石头”——
Eduardo Chillida 《光XX礼赞》
售价：300万欧元
其实，巴塞尔艺术博览会创立最初，目的是为了打造一个艺术作品销售平台。所以这里除了是一个可以让人大饱眼福的大型艺术展览外，同时也一直进行着数值宏大的艺术作品交易。一些看似疯癫怪异的艺术作品甚至可以让收藏家们为其砸金上千万元。
在设立于巴塞尔会展中心的一号展览厅（Hall 1）的——“意象无限”（Unlimited）展区，这一点更是被体现得淋漓尽致。
“意象无限”是巴塞尔的一个特别展区，里面展出的大多是大尺寸的艺术作品——碍于场馆大小和运输难度，平常很难在别的室内展厅见到。
形式也涵盖了多种多样，大型装置作品、极具规模的雕塑、大幅壁画、广泛的摄影系列、录像投影及表演艺术......
和我们以往看过的展览不太一样的是，因为作品的特殊性，在意想无限展区，作品与作品之间不会安排隔断的空间，而是自由地安放在展厅里。
对面积没有限制，反而更加释放了观众的参与性以及想象力。
你可以在硕大的展厅里随意走动，不过也要提高注意力，因为可能稍不留意，就会错过一个作品。
#它们中的很多作品都没有显眼的标志#
在我看来，“意象无限”算得上是整个博览会上最能够勾起观众兴趣，同时又最能直观展现出艺术多样性的展区。
让你觉得疯癫不解，而后有所思考，不就是艺术的乐趣和价值所在吗。
“意象无限”
那些疯狂的艺术家
Franz West
奥地利艺术家 Franz West 的作品《Test》，在开幕日当日，以 380 万美元的价格被一所欧洲基金会购入。作品放置在“意象无限”展厅中很显眼的位置。
《Test》是 Franz West 1994年的作品，由 28 只样貌各异的沙发拼成，不同于多数“请勿碰触”的艺术作品，这位艺术大家的沙发欢迎来往的人随意落座。
不仅为游览者提供了绝佳的拍照打卡点，即便只是累了，也能在这里稍加休息。
所以在展区几个小时的游历过程里，这里一直是“人气最足”的区域。
这个作品正好地反映了 West 的艺术理念——注重互动性，意在消除艺术与观众之间的距离。
作为他艺术生涯里最具代表性的标示之一，West认为椅子代表了多重关系，是与人类接触亲密的事物。
所以他尝试使用各样材料制作椅子，意在让更多的事物与人类产生联系。
▲由铁、泡沫和亚麻布制作而成（2003）
他创作的雕塑作品“Adaptives”也是从生活物件中寻找的灵感，采用普通的材料（石膏和混凝纸）制作而成。色彩明亮，造型独特，给人一种温和的轻松感。
▲“Adaptives”同时也是他最出名的艺术系列之一
West认为的艺术不应该只可远观，而应当“普适亲民”，与日常的生活状态连接起来。
就像是此次参展的《Test》，人们在展厅里坐着、躺着，继而让自己也成为了作品的一部分。
Sislej Xhafa
除了可以让你随意歇息的沙发，展厅里还有一位卖鸡蛋的老人——他坐在一面由回收的波纹金属板制成的墙体后面，放置在墙中央的门框后的，还有一排排摞高的鸡蛋。
这位卖鸡蛋的老人来自古巴，曾是一位猪湾事件中的战士。战后的他做起了小生意，每天就这样坐在自己的店铺里。
来自阿尔巴尼亚的艺术家 Sislej Xhafa 将老人的店铺从古巴搬来了巴塞尔，这也是老人第一次离开家乡。
在展厅内，老人往往都静静地坐在门框内，络绎不断的游览者们一个个从他面前经过。
这一个艺术盛会似乎原本不该和这个古巴老人有任何关系，但当你看到他那爬满岁月痕迹的脸上所展现出的平和感时，又会觉得这里是整个展厅里最具温度和力量的地方。
关于这个作品，亦可以有多种解读——可能是对战争的反思，也可能是探讨生存。可能二者都是，也可能二者都不是。
Sislej Xhafa是一位经历丰富的艺术家，平生在多个国家之间辗转，不同的社会环境使得 Xhafa 看待事物时，也拥有多方位的思考。
如果说 Franz West 的作品明亮而轻快，所有人都能参与其中。那么 Sislej Xhafa 的作品则是带着相对压抑的内涵，往往需要人们多一层思考，才能探索究竟——
他曾将一只玫瑰放置在密封的箱体中，让人们见证它从花开到花败的过程；
《Rosa》
也让管弦乐手们蒙住脸部进行表演，创造颠覆性的行为艺术。
Xhafa的作品背后往往带着讽刺，他从现实出发，是擅于对社会进行反省的艺术家。
如他所言：
“现实比艺术更强大。作为一名艺术家，我不能照搬现实，但我确实想对此提出质疑。”
徐震
下面这个赌场样貌的参展作品来自中国艺术家徐震。
作品精髓就在这些百家乐赌桌上，桌子上的图案由打扮成荷官的工作人员在现场用曼荼罗沙画技法绘制而成。
曼荼罗沙画是藏传佛教的一项传统，每逢大型法事活动，寺院中的喇嘛们便会花费数日甚至数月的时间创作一副佛国图画，喇嘛们用一粒粒的细沙慢慢堆砌绘制，工序复杂，成品精美。
这项传统最为突出的特点在于，沙画完成后并不会被保存下来，论世人如何感叹它精美的艺术价值，待朝拜结束，它都会被清除“驱散”。
“这预示着佛之事业的建立，而其力量终归用于度化万物，又归于一无所有。”
在徐震的作品里，他也保留下了这一点，待一天结束，观众散去，他们便会将赌桌图案亲手“清除”。
将宗教崇高的思想境界与赌徒的娱乐方式相连接，也像是对人类欲望的一种充满戏谑感的讽刺。
徐震是一个擅长将艺术和商业联系在一起的艺术家，
他曾置办类似超市促销装的艺术品礼盒；
还在多个国家开过“徐震超市”，超市内贩卖只有包装并无实物的的商品；
在徐震的观念里，艺术和商业并不相悖，而是可以通过一系列打破常规的方式得以连接。
使用商业感的方式表达艺术使得艺术拥有普适性，同时，用艺术的方式解构商业，又可以把商业现象剖析得更加深刻。
Francisco Tropa
借用再创造的方式将不同媒介联系以此传递更深层次的含义，是艺术家们偏好的表达手法之一。
早在二十世纪，实验艺术先锋 Marcel Duchamp 就已创作过不少打破常理的艺术作品，试图通过废除传统的文化和美学形式发现真正的现实。
在这次意象无限展区，也惊喜地出现了对 Duchamp 的致敬之作——来自葡萄牙的艺术家 Francisco Tropa 的作品《药房》。
这个作品恰好安排在徐震作品的旁边。
《药房》致敬的是 Duchamp 于 1914 年创作的同名作品——在一幅普通的风景画上，Duchamp用红色和黄色墨水分别添上了两点。
相传这两点代表的是 Duchamp 旧时接触的药房橱窗里的彩色药水，也有学者分析这两点暗指的是 Duchamp 和他的妹妹。
Francisco Tropa 的致敬之作中，“红”、“黄”两个颜色得到了保留。作品由四个投影装置组成，三种用于计时的工具以及一块紫色玛瑙石。
艺术家用一个精巧的投影装置来呈现这四个物件：或呈现出沙漏、或投射出玛瑙、或配合机械时钟的齿轮、或伴随水滴等影像。
漏壶、沙漏、机械时钟代表三种计时工具，一齐运作并在投影中重叠呈现，背后带有科技进步的寓意；
紫色玛瑙石投影出的地穴样貌，则可以追溯到柏拉图的地穴寓言——居住在洞穴之中的人误以为篝火投射的影像便是实物，认为洞穴便是世界，一直在洞穴里生活。
“我们就类似地穴寓言中的囚徒，受到感官因素的影响也许只可以看到物品的投影。将理念世界在现实中的投影奉为真实，而没有尝试探索理念的世界。”
Tropa用这个装置具象了柏拉图的洞穴理念，其中的投影与现实，表象与思考，便交还给观者去思考。
从《药房》其实就可以看出 Tropa 的创作手法，他往往只会从事物中截取某一个元素作为灵感，再将那些解剖、重组、延伸，从而创作出一个焕然一新的作品。
比如他的作品《达娜厄》（Danaé），灵感便源于一个希腊神话——天神宙斯化为金雨水，通过屋顶渗入屋内，与被囚禁的达娜厄相恋，并生下了英雄珀尔修斯特洛巴。
摆放着种子和石头的镀金托盘、源源不断向外流水的铜制蒸馏器、濒临消逝的丝网印刷风景。
——Tropa便以一种写意的方式再现了这个故事。
展品数量更丰富的 vlog 在这里：
“聚焦睛采”
特殊的跨界艺术
从瑞士不起眼的小型艺术展到全球顶尖的当代艺术博览会。巴塞尔艺术博览会的壮大不仅仅是让艺术交流的版图从欧洲延伸到了全世界，同时也催生出了多样的艺术形式及艺术概念。
在巴塞尔艺术博览会上，赞助品牌也会有它们的独立展区，同样也会带来他们的艺术作品。
已经连续三年赞助巴塞尔艺术博览会的 La Prairie 莱珀妮今年的展览名为——“聚焦睛采”。
La Prairie莱珀妮以此为主题，携手了三位新锐的瑞士年轻女性摄影师，她们用各自的摄影风格呈现了三组“聚焦睛采”的作品。
Senta Simond
三人中年轻最小的Senta Simond ，带来的是一组“柔和”的女性肖像。
这位摄影师平日里的拍摄对象多是年轻女性，镜头聚焦在她们的身体、肖像，无论好坏，将能够传递的情绪都一一记录下来。
2018年，能够明显体现 Simond 的创作风格的作品集《Rayon Vert》——名字取自于 1986 年埃里克·罗迈尔导演的电影《Le Rayon Vert》，就被《英国摄影杂志》的 Bryan Schutmaat 在内的多位摄影师评为了当年的最佳书籍之一。
这次 Senta Simond 和 La Prairie 莱珀妮的合作作品，出镜的仍是几位年轻女性。
她们中没有一个是职业模特，都是摄影师身边的普通人。
避免了职业表现，每一个人脸上的情绪都很真实。
Simond会捕捉被拍摄者最亲密的状态，黑白与彩色混合的呈现方式同时使得这种亲密感显得更为自然。
“在这个作品中，我拍摄了处于不同情绪状态、展示不同姿态的群体，以此突显凝眸的特点。‘男性明眸’让我们不禁联想到客体化，而‘女性明眸’则通常与内省息息相关。我希望观众能够通过这些作品体验“我的明眸”带来的亲密感。”
观众的目光掠过俨然油画的画像，仿若也身临其境，和画像中的人进行了一番对视。
Namsa Leuba
同样是人像摄影，瑞士籍几内亚摄影师 Namsa Leuba 的作品却要强烈许多。
由于自身经历的双重性，Leuba的摄影态度一直很特立独行——她从不同的角度审视西方人眼中的非洲人形象，作品带有鲜明的文化符号。
Namsa Leuba喜好将象征图案和抽象图案混合搭配，从不同的角度审视拍摄主体的情感和特征。
此次为“聚焦睛采”创作的作品便是一个直观的体现。
Namsa Leuba为每一张照片设定了不同的主题，并为此设计了不同的道具——花、塑膜、玻璃。最后得到的黑白肖像再补充上彩色边框，视觉效果十分突出。
这些效果张扬的大片背后蕴藏了摄影师对于不同时间态度的解读。
“人们往往对时光的流逝表现出焦虑和忧伤，但同时也看见眼前的希望，感受当下的喜悦。”
——将态度影像化，比如眼睛被花遮住的女孩代表的是无法察觉时光流逝的状态，同时也代表了应该将时间掌握在自己手中的劝诫。
Daniela Droz
最后一位摄影师，同时担任着瑞士洛桑艺术学院摄影教师的Daniela Droz，是一位风格独树一帜，同时擅长处理光影交错的明暗对比的摄影师。
Droz“聚焦睛采”的方式很特别，她利用了反射介质，创造出三幅抽象作品。用镜子代替照片， 每一个观众驻足于此，都可以看到他们自己。
“在这一作品中，我决定试着探寻观众的目光，然后将它回归到观众自身。我尝试运用一种新的摄影理念，以结构主义或包豪斯的艺术影响力为核心：在公认的透视法之外，探索新的法则。”
观众以这种方式坦诚面对他们自己的情感，而不是其他人或事物表现出的情感。他们自己同时成为这个艺术的一部分，从而体会到凝眸的恒久之美。
除了这三组跨界的艺术作品，La Prairie莱珀妮还带来了它们全新研发的眼霜产品，用他们自己最擅长的方式“聚焦睛采”。
作为皮肤最为娇嫩的区域，眼部是整个面部中最易展露出老化迹象的一个区域。
每一个人平均每天眨眼高达上万次，再加上重力的影响，很容易导致眼部的皮肤弹性流失，细纹皱纹丛生。
意识到这一点的 La Prairie 莱珀妮沉淀许久，研发出鱼子精华琼贵紧致眼霜，帮助你打败地心引力。
眼霜外观延续了标志性的鱼子蓝玻璃瓶身，并搭配了挑棒，便于使用。
外观依旧，但内部成分却有了质的飞跃——鱼子精华琼贵紧致眼霜再次突破了品牌对于鱼子精华的萃取技艺，强化了鱼子精华原本功效。
利用先端生物技术，撷取之前难以从鱼子中分离的必需养分，令鱼子卓然护肤功效跃达全新境界。鱼子精纯精华即是这一创新鱼子科技令人震撼的成果。
眼霜质感很柔润，触肤即融，所以在使用的过程中，搭配简单的按摩就能有舒适感。
三位和 La Prairie 莱珀妮合作的摄影师，在提及她们对于 La Prairie 莱珀妮的印象时，都不约而同地用到了“情感”这个词。
无论是回馈艺术——连续三年赞助巴塞尔艺术博览会，还是创造艺术——和摄影师跨界合作产出作品。
La Prairie莱珀妮一直愿意在自身已有价值的基础上，去做一些能为社会创造更大价值的事情——这就是它的温度，它的情感。
La Prairie莱珀妮对于产品的不断研发，就和艺术家们创作作品一样——背后的过程，期间的困苦甚至失败往往都难以被观众一一知悉，但当一个优秀的作品真正被创造出来后，作品本身就成为了“无声胜有声”的媒介，可以传递信息，带来力量。
会有愿意高价购入艺术作品的收藏家；也会有钟爱 La Prairie 莱珀妮产品的伯乐。
是因为，它们背后承载的艺术理念以及研发精神，本身就已是无价之宝。
本文图片来自网络，版权归所有者，文字为博主原创。
本期文字助理：Lily
作者系网易新闻·网易号“各有态度”签约作者
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