刘洲：做“歌与人”的顶层设计

        火了一个夏天的《中国有嘻哈》终于落下帷幕，双冠军的争议和爱奇艺这个局的“含金量”还会被议论一段时间。主办方定义的“嘻哈元年”之后，中国Hiphop音乐乃至整个文化会走向何方，以及在这一季节目里出现过的面孔，他们今后在多元文化和商业市场双重冲击下究竟“过得如何”，则需要时间给出答案。当我们拨开这场“嘻哈盛世”，无论现场还是网络上那些刺眼的光环和喧闹的气氛，去看看到底是谁在背后端出这么一盘“吃到撑”的网综大餐时，节目音乐总监刘洲是其中一个不能绕过去的名字。

        早在《中国有嘻哈》前，这位行内目前最抢手的音乐制作人实际上已经在《蒙面唱将猜猜猜》、《盖世英雄》、《金曲捞》等音乐综艺节目上担任过制作人，甚至在《我是歌手》里也有过替韩红和张杰做歌的履历。刘洲为韩红打造的一首民族歌曲《莫尼山》，也在她问鼎当季歌王的征途上立下了重要的功劳。因此，对于一个综艺节目里音乐的分寸，即如何让音乐的专业性与综艺节目的通俗性网络化能共融进退，什么时候音乐可以全盘接管整集节目的眼球，什么时候让位于综艺特有的一些娱乐特性，刘洲可是拿捏得相当熟练。《中国有嘻哈》里，刘洲与总导演车澈搭班子，如果说车澈是节目的一把手，负责节目的定位，走向，甚至还包括了一些明星和选手的选择，刘洲则更像二把手，他带着团队按着车澈打造的产品雏形，往里面塞干货填内容，让整档音乐综艺节目，最终有了音乐性，有了可以让人反复捧读的内涵。而每一首出现在节目里的歌，包括之前他为其他节目做过的同样的事情，都会落实到唱这首歌的人，于是这个歌手的形象也得以完整。最典型的例子当属刘洲为谭维维制作的那首《华阴老腔一声喊》。凭借着在春晚上的亮相，谭维维“民族摇滚第一人”的定位总算确立了，华阴老腔也成了她身上最有辨识度的故事。刘洲后来陆续替谭维维做了几首民族与摇滚融合的歌曲，放到了不同的音乐综艺节目平台上，更进一步让谭维维的民族摇滚风格完成了最终的进化。

        让刘洲在音乐这个行业能有今天的成就，其独门武器首当其冲的是他对“定位制作人”的角色自我认知。在传统的流行音乐行业，按照对自己创作主动性的话语权，音乐制作人可以分为三类。一类是接单型制作人，对于唱片公司对自己的要求不会（或不愿意）有过多的个人意识，特别唱片公司的营销或者A&R工作本身已经很出色的情况下，制作人只要安分守己帮助歌手把专辑做出来就算完事，因此也可以流水线似的同时开好几个案子。第二类则是沟通型制作人，他们会有一定的创意要求和唱片公司讨价还价，最终在几方沟通和妥协后，把成品做出来。第三类则是创意型制作人，站在制作行业最前沿，有成功的案例能说服唱片公司接受自己的意见，并且对自己的自主权被侵犯时反抗意识也是最强的。大家熟知的李宗盛，早年在滚石做的几位歌手，大概就是属于这样的情况。实际上，刘洲自己也认为，李宗盛其实就是一位定位制作人，因为他不仅仅只是把歌做出来，他还让这些歌好像长在了这些歌手身上，这除了需要制作技术的成熟，对市场的空缺认知，受众分析，歌手本人的性格特点都需要有一个全盘通透的认知。这样的制作人，已经超越了传统的音乐制作人的角色，他们不仅是歌，甚至还是歌手的顶层设计者。刘洲要做的也是同样的事情。

       不止一个场合，刘洲解释过他对“定位制作人”的理解：这是个全体系的，立体式的概念，不是单纯的制作人的概念，定位制作人是立体式的思考，从每一个环节来为歌手思考设计。把话再说白一点便是，对歌手进行全方位的了解后为他量身订造属于他专属的歌。这不仅仅是过去李宗盛做过的事，同时也是唱片公司A&R部门在做的事。A&R部门一直是西方流行音乐工业里最玄乎的存在，他们扮演的是创意管理者的角色。后来台湾在跨国唱片公司进来后，自然也把这套“玄术”做了很充分的发扬。在A&R的主导下，公司确定了艺人的发片计划，在开案之初便要先决定歌手的市场定位和专辑的音乐方向，之后再找适合的制作人，以及为歌手收歌。之后A&R部门便会联络各大词曲版权公司和音乐创作人，将需要的歌曲类型告知，等待收到量身定做的歌曲，并从中挑选符合之前定位方向的歌曲收进专辑当中。在这样的链条里，上述的三种类型制作人也就相应而生，并且与之后出版的专辑和歌手有了一种亲疏不一的连结。

        尽管A&R这个字眼，从来没有在刘洲的采访里提到过，但如果把他定位制作人的工作拆解，你会发现两者实际上是有异曲同工之处。只是单曲时代和综艺节目在大陆的娱乐环境发展之快竞争之猛，把过去本来应该在一张专辑里完成的10首歌，被提前切割分散到了不同的综艺和数字平台上，于是每一首歌，无论它是出现在网综，还是数字网站，它必然要求制作人带着A&R的意识去工作，一首歌就是一个爆款的机会。回到谭唯唯《华阴老腔一声喊》的例子。刘洲的思考的重点首先是给谭唯唯找到别人都没有在做的事情，那怕开始看上去它可能不会在市场上引起很大的反响，但只有你自己知道，这个是所有一切的核心，是能引起核变的。2006年林兆华导演的《白鹿原》融入华阴老腔的表演，一演30场，震动京城，之后经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。10年后，刘洲把华阴老腔与流行摇滚做了一次融合，在传统老艺术与流行音乐之间钉了一个缝，把谭唯唯卡到这个缝里面，事情便开始成型了。在《中国有嘻哈》里，刘洲便把这种钉缝的本事用到了Gai身上。Gai身上的个性特点实际上非常明显，地方方言说唱，性格狠、现场噪能量足。在这样的基础上，刘洲加入了偏古风一点的编曲，典型的是《假行僧》（谭唯唯在《中国新声》的节目上也唱过）和总决赛里的几首，原本的地下色彩减少了，甚至也不是很正统的嘻哈音乐了，但在综艺舞台的审美框架里，这样的编曲有它的作用和意义。实际上，《中国有嘻哈》比起之前几档音乐综艺节目，刘洲在里面的作用是相当隐性的。不象《金曲捞》，旧歌本身的韵味已经是过去式，怎么改都可以，也容易出成绩；也不象《盖世英雄》，有电音这个大命题，对有电音聆听基础的人，改得好不好，一听基本上能有个大致的判断。《有嘻哈》更像一个反向的命题作文。你怎么改，它都离不开嘻哈这个顶层建筑，而且部分的选手本身也有一定的创作能力，怎么样在保留他们的flow的基础上，加点油添点醋，能让这些本来透着地下味道，甚至有些还相当原始粗糙的作品能登上综艺的舞台，受着几千万人的审阅，对刘洲来说，这背后的难度比起前几档音乐节目有过之无不及。

        刘洲其中一个厉害之处，是他对各种音乐风格的包容和运用。作为制作人，熟知各种风格本是份内事，但怎么用则有学问，也和每个制作人的人生经历息息相关。出生音乐世家，从小学习乐器，11岁开始学习编曲，15开始进入音乐编曲的行业，24岁开始当起了职业的编曲人。坊间流传的这些履历，一直缺少对刘洲音乐经历里很重要的一环，就是他身为音乐剧制作人的身份研究。刘洲一共制作过四套音乐剧，最早的一部是2009年开心麻花的《白日梦》。这场音乐剧里充满着街舞、Poping、摩登舞这些当时看来非常时髦的舶来的时尚元素，刘洲当时把中国传统音乐放进了这些舶来品里，营造出一种魔幻的反差，充满着那个年代独有的青春的荷尔蒙。在这四部刘洲担任音乐总监的音乐剧里，不得不提的是《昆仑神话》。

        在这部穿越式音乐剧里，出品人人王瑜当初给到刘洲的命题只有“要有东方元素却要用国际化手段表达”这么一段话。结果刘洲做出了包括王瑜在内所有出品人认可的成品。在整部剧21个唱段，刘洲用上了很多种的音乐表达语汇，整体音乐虽然仍然以该类主题音乐剧惯常的蒙藏民族元素为主，但实际上表达上用的却是西方流行音乐的手法。音乐剧，讲究舞台的音乐张力，舞台上的戏剧感、冲突感、画面感统统由音乐去推动塑造。有过音乐剧的创作和制作经验，你就不难理解，刘洲为什么能在融合这个手法下，做出像《华阴老腔一声喊》、《假行僧》这些本身具有舞台张力的“炸歌”，也能在《我是歌手》的舞台，找来一众民族音乐好手为韩红贡献出一首《莫尼山》。同样，能理解，在融合、民族、地方、传统、现代这些关键词之下的刘洲为什么把玩方言说唱的Gai签到了自己靡下。

      《有嘻哈》第10期，刘洲对黄旭的《天堂来信》的评价是“我知道你在玩什么，也知道你在设计什么，我也知道你的flow为什么要这么去排，但有一点不要忘了，赢得大众的心，你就赢了世界”。这番点评，在《有嘻哈》的舞台背景之下，既是刘洲的制作人观，也藏着音乐这个行业，赢大众和做自己之间，不能尽表的修炼之术吧。