1·学习速写是在学什么？
学习速写，并不是直接临摹大师就能解决问题。如果在没弄清楚事情状况的情况下，直接推荐你去学习某某大师作品，你也一定会觉得懵圈。
比如，我告诉你达芬奇作品值得临摹，在没弄清楚为什么值得临摹的情况下就去临摹，可能就会变成下面这样。左图是达芬奇（作），右图是你（作）
学习速写的关键是学习「如何快速抓住被画物体重要信息」。
这话什么意思呢？
请在这一堆西瓜里面选出一个你觉得好吃的西瓜。
看到这一屏西瓜，头晕。在我不知道如何选西瓜之前，我往往会装模作样的敲几下，装作很有经验的样子，其实是完全靠蒙。
我们了解一个小技巧后，再试：
你知道了挑选西瓜的关键信息后，就能够能够快速准确的选出好吃的瓜了。
或者你可以想象：
你要画下面这张画，当你对着被画模特看的时候，由于缺少对关键信息的了解，你会看到很多很多信息。
杂乱的头发，一丝一丝，还有千丝万缕的眉毛。
还有皮肤上的复杂质感，你会被复杂的照片信息吓到无从下笔！画画好难啊！哪些该画哪些不该啊！（摔笔）
为什么会这样？
因为你缺少“绘画天赋”吗？因为你没有“灵感”吗？
当然不是
很多人学习画画过程中很容易在这种时候进行自我否定，没必要，画画学到这一步，我觉得还谈不上“灵感”“天赋”，一个东西一旦被赋予灵感与天赋，它就被定义为未知的不可捉摸的了，可是，在我看来，它确实是可以被讲清楚，并且被学习的。
我在人像班课堂上示范·2017·9
只要掌握一些关键信息，就能够找到速写的诀窍。就像上图这样，头发根本不需要每一丝都画出来，皮肤质感也不必抄袭照片，花费很多时间涂颜色画小细节。
现在，假设你在不懂画速写是在画什么的情况下，就去临摹大师，
其实你根本不懂大师。
·背部轮廓这根线条为什么是这样画？
·头发怎么不画出来？
·裤子上那么多线条，怎么回事？每一根都要仔细临摹吗？
······
临摹过程中，你就像一个刚学迪斯科的人，手足无措，尴尬生硬
你会每个细节都在意，但是每个都做不好。
只能靠大量的试错，才能非常缓慢的从中获得一丁点自己总结的经验，
可是这个经验真的站得住脚吗？通过局限性的眼光看到的经验往往不那么靠谱。
我们其实知道，学习不懂的东西要先请教高手，
「但不能直接简单表面的模仿抄袭高手（大师），应该先学习思路与要点。」
所以，回答要临摹哪些大师这个问题之前，我先说一下，学习速写的要点是什么。
2·学习速写的要点是什么？
1·基础要点的掌握（形态比例，结构）
2·创作（导演）信息的掌握（形变，黑白灰，主次，肌理等）
「基础信息」是指完成一张速写，在最简单的笔墨下的样子。
新古典主义大师安格尔
荷尔拜因
荷尔拜因
阿尼戈尼
文艺复兴三杰：达芬奇
文艺复兴三杰：；拉斐尔
文艺复兴三杰：米开朗基罗
鲁本斯
擅长于做最简洁的描绘画面的大师很多，上面都是一些不错的大师，他们集中精力处理形态比例，结构，对于形态结构之外的的颜色质感等等一律忽略或者减弱。
如果，你现在还不能用最简洁的线条把人物的基本形态和结构表达出来，那快找找上面我推荐的这些大师。他们在结构的研究上，极其讲究。
费欣
费欣在头骨上衍生出年轻女生，老妇人。没有多余的颜色或者质感刻画，笔笔都停留在形与结构的描述上。
达芬奇对人体的结构的额研究，也是极其细致准确的。这样少的笔墨就轻而易举的画出来了这么多身体形态结构信息。我们设想一下，假设只让你用这么少的笔墨来画，你能表达出一个怎样速写人物呢？
假设让你画，我猜你画的可能是这样：
所以，如果你连最基础的形态结构还不能用简单的线条画出来，那非常建议你先临摹刚才我推荐的那些善于用线的大师们的作品。
这里放上我之前临摹的两张线条为主的小画，也可以当成是作业标准，放在这里，大家可以看看。
临摹费欣
临摹阿尼戈尼
现在要讲讲第二类。
假如你已经具备一定的形体造型能力，你已经能从左图进步到能画出右图这样的速写后。
此时，你具备用线条比较准确的表现一个人的形与结构后，你就自由了。
一个更广大的世界在等着你。一个自由的，充满个性的世界在等着你，你可以在这里自由飞翔。
3·学习创作（导演）信息
如果说，前面讲的「形态」「结构」是速写学习的基础阶段，那接下来你可以理解为是速写的进阶阶段。
也就是「学习如何抓住有意思的信息」。
这里是什么意思呢？有意思？具体指什么？
1·形变
2·黑白灰
3·主次关系
4·肌理
速写的本质，是学会抓住重要信息，而什么才是重要信息？在进阶阶段被重新定义，这一阶段，定义重要信息，不再是局限于你的形体结构是否准确，而在乎的是：表达方式是否符合自己的观念传达，或者说是符合你内心的审美主题。
什么意思？
就像：你刚到一个陌生城市生活，穷，但有些东西也必须得买，比如该有的锅碗瓢盆，衣叉衣架洗发水等等，怎么便宜怎么买。但是当你过了这一阶段，有闲钱了，你开始会讲究，衣服，厨具，发型，等等都要买符合自己风格的，有时候甚至为了风格，愿意穿没那么保暖的衣服，而受些寒。
这里描述的两个阶段，对应的就是我说的速写的「基础阶段」和「创作阶段」。
1·形变
形变是为了啥？当然是为了符合自己的审美表达需求。那我们可以揣测揣测，在席勒的作品中，席勒表达了一种什么样的审美？
我看到的是一种扭曲的神经质的状态，能看出来，作者本身对这种美感是自觉的，通过扭曲轮廓，以及把握住符合这种状态的表情，动作，角度等，很自然而然的把心中的审美传达到了纸上，并且被我们所感受到。这就是创作的魅力。
「形变」的运用很广泛，在这里，我觉得不一定非得跟传统意义上的大师学习，很多优质的动画，插画等等，都有广泛的运用「形变」。
下面这组小画是以色列超现实动画《摇摆的梦想》
一群整天观望的人，不去追求自己的梦想，每天都观望哪里才是方向。作者把人物设计成脖子很长，身体臃肿肥胖，眼神迷茫。这样的「形变」就非常符合了动画的审美设定。
2·黑白灰
在修拉的速写作品中，可以看到他很喜欢也很擅长用黑白灰来制造氛围。黑白灰怎样制造氛围？
我们来看看：
珂勒惠支
黑（多）白（少）灰（少）——压抑·恐怖·神秘
莫兰迪
黑（少）白（多）灰（多）——阳光·小清新·轻松
珂勒惠支
黑（多）白（多）灰（少）——冲突·力量
熟悉使用这样的黑白灰比例搭配规律，能够让你在用笔表达自己的感受时，会更加得心应手。
我平常对“空洞感”比较感兴趣。在我画的几张小画中，反复尝试了多种黑白灰构成，最后觉得这样的比例是更能够反应那种“空洞感”的。大面积的黑色，只配上丁点的白色，给人一种寂静与压迫感。
3·主次关系
门采尔
主次关系，可以联想成一个舞台上要有主角，配角。通过强化主角部分的「黑白颜色对比」「虚实对比」「繁简对比」可以让你感兴趣的任何一个地方，都成为主角。
比如，我们看到右图的手，和周围的衣服裤子，通过虚实对比，黑白对比，繁简对比被强烈拉开。主次分明，这其实是一种传统的节奏美感。左图的眼睛鼻子和其他部分也是这样区分开来的。
这种主次分明，节奏层次很明确方式，是百搭，很多时候都能用得上。
比如我画的这张约翰列侬，就是强化了我感兴趣的一些部位，弱化了一些我不感兴趣的。整张画主次分明，节奏很舒服。
前几天临摹了一张萨金特的，也是主次极其分明的一位画家，不得不说这样的表现方式很常用，不会出错。
4·肌理
弗洛伊德
乱的笔触，小线条，配合丧的表情，没错，这是心理学家弗洛伊德的孙子弗洛伊德的作品。
错乱无章，肌理，笔触，还是在服务于你想要表达什么样的美感。
大卫霍克尼
一张童话般的题材，配合上整齐小格子肌理，整齐的麻点草地，整张画面的大部分肌理是规律的，而唯一给人一点躁动不安的是主角身上衣服的笔触，像是一个窘迫的王子战后归途路上。
太喜欢大卫霍克尼了，这里多分享一些他的画给大家。
本文转载自知乎教画画的周磊，已获得原作者授权。