大胆️风格融合想法(二)
在换新段落的时候，Dim真的很好用啊(乐器音响力度逐渐减弱)✨
一般情况下，
高音谱号标注的乐器:(就用中央C以上的音符比较合理)。
低音谱号标注的乐器:(就用中央C以下的音符比较合理)。
中音区谱号标注的乐器:(就用中央C左右平衡的音符比较合理)。
次中音谱号标注的乐器:(就用中央C以下➕中央C上方一点的音符比较合理)。
不然别人为什么对各乐器的标注情况会不一样，不就是为了这样使用比较合理吗？(当然也有少数性的例外)✨
快速的木管组其奏音响真的很差劲，
看来木管组只能用作伴奏织体及单个乐器独奏比较好一些✨
我想快速的铜管组其音响肯定也很差劲，
看来铜管组只能用作织体伴奏及单个乐器独奏比较好一些✨
英式摇滚曲风特点:
1.
旋律比较流畅，编曲不会太复杂，
2.
拥有优美的吉他Riff，就算用钢琴宜用注释和弦✨
看来我以后写作不需要钢琴在身边了，只需要一张具有钢琴键盘的纸即可，
时间长了关于这张全键盘乐器音域及情绪效果的纸张就会印在脑海里，
这样我就可以随时随地的进行写作交响乐篇章勒✨✏️
其实写作交响乐最为重要的是:
第一:
旋律落差感—
节奏落差感—
节拍落差感—
调式落差感—
调性落差感—
和声落差感—
情绪落差感—
速度落差感—
音区落差感—
音色落差感—
织体落差感—
配器落差感—
段落落差感—
休止落差感—
(只有对比才会凸显相对更好的效果，因为音乐是时间的艺术)✨✏️
好的作品，它的每一个音符所表达的情绪感都非常的具体化✨✏️
什么时候才能将写作交响乐就跟玩儿似的️那种情况呢?✨✏️
摇滚—
爵士—
古典—
音频制作✨
人生一定要拥有三个感情阶段才能更好的和谐:
性(外貌魅力十足漂亮)——
爱(能与你精神上互相欣赏的平等人格的人)——
婚姻(能与你更好的过日子的身材贤惠妻子)——
以前不懂现在知道了些。
又有了新的想法。
将中国的五声调式的优美旋律，完全进行融合在交响乐队编制里，属于完全性的五声调式旋律交响乐章。
然后再和理性的管弦乐队里配器里，进行和理性的每个段落Solo各种中国传统乐器的融合情况的出现✨[月亮]
写作交响乐 可以完全能理清楚，各个乐器在全音域的一个整体音响的分部情况✨✏️
对于每个乐器所演奏的对应音符加起来=整体音响的平衡度
(这一点在写作任何一个乐器时，脑海里都要考虑清楚)
(保持整体乐队音符的长密下疏的，清晰度原则)✨✏️
其实整个交响乐章都是在围绕—灵活性的乐器在转(这里指的是弹性很大的乐器)，
比如(弦乐组—短笛—长笛—单簧管……)等等。
因为它们占据了乐队的主动性，
所以写作管弦乐一定得从灵活性的乐器来进行变化入手✨✏️
今天就先到这里吧，难的是思路段落
(不过已经知道前半小段的思路勒，写作下来差不多也一分多钟了，我把它称之为引子A段)
而并不是配器方式。
配器方式就那么些:
(各器乐的由少至多，或由多至少—
整体大合奏与单一乐器分奏—
不同乐器组合的织体交融的演奏方式—)
写作交响乐章好玩的在于
(每个乐器的不同音区的组合方式，在脑海中的分部情况。
写作交响乐其实就是在(写作你的全键盘音域在各个器乐的各音区组合，完美精致的呈现在大脑的横纵向的情况)✨✏️
写作中且每个音符一定都️具备情绪化，成为每个情绪化的音符情况✨
无知没什么，但是怎么才能更好的将音乐途径方式的把无知变得大众有知呢?《第一季圆桌派—音乐》✨
如何有效的来进行作品及思想的，大众有知的良性循环呢✨
高质量的音色辨识度✨
那如果将音乐作品中的十要素以及后期部分都做的非常近乎苛刻的完美度，能不能和国际上的情况PK一波呢✨
看来我也着重于音乐性(音乐性即乐感)✨
那维瓦尔弟的《四季》属于标题性音乐，是不是也可以等同于平克弗洛伊德《概念专辑》呢?✨
《平克弗洛伊德开创了—概念专辑》(有想法的思路专辑)✨
其实做音乐就是自身对音乐的单纯的第一感，
与风格无关，与想法有关。
因为生活来源于对艺术的想法✨
个人认为摇滚乐的表达方式有两种形式:
第一种:
是器乐上的(如电声乐队的运用…)所表达的音乐形式。
第二种:
是精神上的(歌词以及并非要使用电声乐队…)所表达的音乐形式。
当然，二者不冲突，可融合可单独的想法✨
那如何将古典音乐融合成为有记忆点的流行音乐的形式呢?✨
所以目前为止市面上所有的混音概念都是错的(不论你是不是大师)
就单单在音频向位的情况来看，难道你会用一支耳朵去听一样声源乐器吗？
因为一支耳朵就是单声道的概念，它只能听出声源的方向位置而听不出声源是否立体形式。
而立体声的概念是立体的，双耳既能听出声源位置，也能听出声源的立体范围。
而我们是两只耳朵的情况，不论你是单声道声源还是立体声声源，所听到的都是立体的声源范围。
所以用单个推子来进行调整单声道音频声向位置本身就是一种错误的情况✨
终于知道
其实Pro tools的声向位置是在模仿人的耳廓构造情况。
那么环绕音响其实是全方位的一个情况。
那么Pro tools是不是得出，针对于杜比全景声的声向位置调整度。
不然制作杜比全景声录音如何来进行混音?
(也就是说，目前还没有针对于杜比全景声的声向位置的软件。
那么也就说在目前市面上，连一首真正的杜比全景声录音作品都没有，全是假的，因为混音软件制造商还没有提供，可供真正杜比全景声的混音软件)
我的思想是不是超前了些✨
我觉得我从听觉上面，能完全的感受到各乐器在我周围的那种音响感。
如何去区分是不是环绕声(我想这可以从以人声为中心的角度，以各乐器听觉位置的不规律的不同声道方向感来辨别，
我想假的环绕声是不会有，以人声为中心，以不规律的不同声道的方向感的情况)
因为环绕声就是一种，被各个乐器的不同方向摆位所包围感的听觉感受✨
那么像这么棒的人声录音《有没有人曾告诉你》是如何制作的
我想有两种可能:
第一种可能:
人声录音时，是在非常狭小的空间也就是近可能的保持到0空间混响的情况，所以才会这么靠且清晰度。
第二种可能:
是乐队都在同一空间感的情况下，运用Compress压缩器来进行，音响离耳朵很近且清晰度的情况出现。
也或许我目前听的所有都是假的(没有经过杜比全景的真实录音，而是通过复制得到的赝品)✨
其实有很多杜比全景作品是(没有经过真实的杜比全景声录音的方式)来进行的作品。
而且通过最直接的(复制手法来进行环绕声道的处理)，不会处理的搞不好还会出现向位同向的情况。
那么真实的经过杜比全景声录音下来的作品，与复制手法来进行的环绕声后面多出的两声道的整和的音频听觉效果，会有多大的差别呢？
(我想一定没有杜比全景声音质来的丰富)。
目前我只能有可能的听出，立体声与环绕声的区别，
但没办法听出真实的杜比全景声录音下来的作品(因为这种录音作品，真的非常的少)与市面上假的处理环绕声的音响听觉效果✨
那如何进行立体声及杜比全景声的正确合理性的声向摆位呢？
在立体声及杜比全景声录音只是各乐器的声响位置录音摆放不同而已。
立体声摆放位置还是比较好处理，因为传统的立体声摆放位置就是那么多。
但是如何进行大众且熟悉的，听觉各乐器的杜比正确且合理的录音摆放呢？
答:
取立体声最为精华的大众听觉录音摆放位置，再加其它乐器录音摆放位置即可。
我想这可能是杜比全景声录音最宜的方式吧。
相对来说，杜比全景声录音的确比立体声录音来的复杂那么一些(其实也没复杂多少，只不过多了些录音乐手及可能性的多的配器乐器的加入情况方式)
立体声和杜比声的理论声学对比？
立体声的声学理论是:
立体声就像是人在舞台下看演出。
就会按照人在舞台上的思路来进行录音，然后运用混音，来进行还原真实原始性的舞台混音及作品思路情况。
即使各个乐器(用单声道，立体声的录音概念)，来进行还原原始乐器的声学环境情况的位置。
然后进行不同位置(也就是声向)来进行精确位置的表达情况出来。
这只是平面上的立体声而已。
而杜比声的声学理论是:
杜比声就像是人在舞台上看演出，(最好是中央位置，我可能是其他位置，关键是看你的个人混音思路是什么).
就会按照人在舞台中的思路来进行录音
(头顶上也会有录音，相对立体声来说，杜比属于三维空间的不断扩大，声场原始性比立体声大了可能不止一倍)
然后运用混音，来进行还原真实原始性的舞台中的混音及作品思路情况。
即使各个乐器(用单声道，立体声的录音概念)，来进行还原原始乐器的声学环境情况的位置。
然后进行不同位置(也就是声向)来进行精确位置的表达情况出来。
这就是杜比全景声7.1.2&9.1.2….三维空间上的情况。
那具有纵深感的音响情况是靠什么来完成的呢？
从四大类效果起来看:
EQ:
可改变音色，与纵深感并没有太大关系(除非改变的修饰乐器的音量，改变肯定是有的)
Delay：
延时也与纵深感并没有太大关系(除非改变的修饰乐器的音量，改变肯定是有的)
compress：
压缩是和声音纵深感有直接性的关系的(因为它能直接性的对于音量的表达，而音量的表达直接影响耳朵对于声音远近的纵深感的情况方式)
Reverb：
混响是和声音纵深感有直接性的关系的(因为它是最直接性的对于音量的表达方式，而音量的表达方式直接影响耳朵对于声音远近的纵深的情况方式）
(重点:Reverb混响一定不能随便去用，因为它是保持所有声学的统一空间感。那么这样一来对于录音要求就会变得非常高，
第一种要求为:
在没有所有乐队乐器，同时在同一空间环境感的时候，尽可能的保持0混响的音频声源方式。
第二种要求为:
在所有的乐对乐器以正确的摆放角度，且具有在同一空间环境感的时候，尽可能的不要去动混响，只需要将向位调整到，正确合理性乐器摆放呈现即可).
运用以上的所有正确的修饰，只是为了还原真实的舞台原始性（至于使用什么比较好的硬件及软件效果器，只是为了更好的辅助音色而已）
正确的混音概念有两种：
第一种：
正确的混音概念:
是在有条件的环境下，进行同期录音这时不需要动用混响—
只需要在各乐器的正确音量及—
各乐器的正确压缩度及均衡器的调整(修饰音色)及—
正确合理的声向位置上进行调整—
来进行还原舞台真实感的原始性。
第二种
正确的混音概念是:
每件乐器的完美音色及——
合理的音量纵深感及——
合理适当的各乐器在舞台上的摆位——
来还愿舞台现场真实的正确还原度.
也就是说:
均衡器(修饰音色美感)，
压缩(修饰乐器音色美感，
延时(修饰音色特性特点的美感)，
混响(修饰各乐器及人声的正确合理性的纵深感)
来进行还原舞台真实感的原始性。
了解了正确的合理性立体声混音思路后，
那再进行歌曲的混音，效率就会变得非常的迅速及非常的准确性✨
提高免疫力的四种方法:
第一:
按时睡好觉(修复)
第二：
按时吃好(什么颜色的食物都要有，均衡)
第三:
定期定时运动(循环身体机能)
第四:
情绪(心情好，无忧无虑，多笑吖).
我觉得(278–280小节)这里写作有些不妥，
个人觉得管弦乐讲究的是整体性的节奏感，对于不清不楚的写作音符实在是没什么太大效果。
分析下(木管组—弦乐组—铜管组—打击乐组—色彩乐器组)对于交响乐作品中各起到什么听觉效果的作用，同时也方便自己能有效率的快速写作出明确的交响乐篇章。
《木管组与弦乐组》
其实这它们很象都用与(旋律与伴奏的写作用法)。
《铜管组》是一个特殊的性质呈现，大多用于(乐章长时值的强力推动感的整体性效果，同时短时值用于伴奏的完整性填充部分，也多用于旋律的单声部叙述性)
《打击乐组》一般是一个辅助《铜管组》来进行乐队强力推动感的整体性效果的好助手形式出现。
《色彩乐组》顾名思义是用来增加，乐队整体性的色彩感而出现的乐组形式。
运用好上述各交响乐组的特性及特点，写作出整体节奏感且多变织体的形式的交响乐章，才是个人认为目前比较宜的交响乐写作方式✨
既然(单声道—立体声—环绕声—杜比全景声)
都有自身的特点。
我们可以运用它们的音响独特性，进行因材施教，来运用它们的优点特点来进行歌曲(风格制作)。
这样想要的音乐质量不就是可能性的最佳方式吗?
我想这才是最棒的方式吧✨
小日本欧美，搞不好已经很早之前就开始玩了
我们还没启动，就连制作人李荣浩都没使用(杜比全景声)。
抛开艺术灵感，质量上我们与国外根本就不是一个层面上的东西。
别人是(声音三维空间感)，而我们是面。
未来的路上我们不论从艺术灵感，还是音频质量都要加强一些✨
我好像能分别(立体声与环绕声音质)的不一样了。
立体声音频明显比环绕声声场小了很多，而且感觉像缺少了明显的后面的声场(也就是感觉像少了一半的声场)
我要养成(立体声与环绕声)的听觉不同习惯感，先以头戴式，因为头戴式如同监听，听觉比较明显✨
从声场上我觉得这首歌《24K Magic》80%(应该是环绕声或杜比全景声)
没有对比就没有反差，现在感觉都不太想听立体声音频(至少在头戴式耳机上是这样，我想放在耳挂式耳机上也会一样的吧)
感觉开始了听觉新空间✨
如果你已经把写作交响乐当作玩的方式，是不是就会产生很多不一样的情况出现
(例如比后现代还要现代的方式)✨
昨天里的视频说”杜比全景声与音乐人没有什么太大关系，那是影视的事情。
我觉得杜比全景声与音乐人有很大的关系。
这是新的声音革命呈现(音响三维空间)，
这是音乐从(录音到混音及母带)创新革命的必然的趋势。
并不是没有人去听单声道歌曲，只是相对来说(杜比全景声音乐会好很多)，
在立体耳机里的呈现已经非常不错了，很难想象在真正意义上的杜比全景声监听环境下的情况。
我想一定会非常的很棒✨
因为不知道假的合成的杜比全景声，与真正意义上的杜比全景声的在立体耳机里的呈现的情况。
也或许只有真正的杜比全景声在立体耳机里是这种听觉环境情况。
也或许假的合成的杜比全景声只能呈现出立体的感觉(很有可能)✨
为什么以前我没有发现《渡口》5.1声场在立体耳机里是这种听觉情况？
只是单纯觉得好听，
看来5.1环绕声还是少数人在拥有✨
《网易音乐上5.1音频》全是假的5.1，声场差太多了(简直就是一团面)
他们是哪里来的勇气。
要么是合成的5.1，要么是音乐载体软件产生了有损(这种可能性很小)
我感觉真正的5.1环绕声音频质量，是不需要特定的音箱环境来进行发现感受，用普通的稍微有纵深感的立体耳机就可以完全的能进行感受✨
那么，真正意义上的5.1环绕音频制作的后期是保持原声状态，还是稍微进行混音修饰呢？
为什么我听的是有混音来经过处理的？(这样是好还是不好呢)✨
那么刚才的问题又出现了，并不是因为听觉环境设备的因素，而让我们感受不到5.1环绕声道音乐。
而是因为没有或很少人去制作真正的5.1环绕声道音频，即使是立体耳机(在不具备杜比环境因素的情况下，也能很好的用立体耳机进行感受)。
而市面上百分之99.9%的5.1环绕音质，都是运用合成技术而制作的假的5.1音频，在没有或有5.1环绕解码系统的情况下进行的听觉。
那么如果有一个平台只容纳符合真正意义上的环绕音频及制作的话，去颠覆大家对音乐的听觉美感。
不断地进行高质量的音频灌输，时间长了这种高质量的音频，是不是就可以把市面上的一些网易音乐，QQ音乐….等音乐载体给灭掉。
彻底颠覆改变了大众正确的听觉习惯呢?(相对比较好的听觉感受)✨
那么真正的5.1环绕声道音频，
与市面上合成的假的5.1环绕音频质量或运用5.1环绕解码系统所出来的声音相差会是怎么样的呢?✨
假的5.1声道，只能让你的各喇叭有声音，不是真正的环绕。
真正的环绕是集仿生学、声场学进行独立声道录音，现在一些网站所谓的DIY或者UP版的DTS就是用编辑合成软件编辑的假DTS，这完全违背了环绕音乐的真正意义，让消费者听后反感。
最笨拙的编辑合成方法是，把前左右声道的数据直接拖入后左右环绕声道，甚至直接拖入到中置声道或者低音声道。
稍微好点的方法是把低音数据拖入低音声道，中置采取左右声道混合后的数据。
目前消费者几乎不明白，甚至还认为立体声（比如mp3、APE）也可转多声道，甚至津津乐道多声道就是前面说的编辑合成的。
真正的环绕，演唱者和乐器都在不同位置，定位准确，环绕效果、声场效果很好，如果按照合成方法制作的假DTS，一个艺人在各个喇叭都唱歌，不是变成好几个人了吗，还有现场感，有包围感吗？就算你走到乐队或者演唱者身边也不会是你周围都在唱歌吧！
从单声道(点)—
立体声(线)—
环绕立体声5.1-7.1-9.1-11.1–13.1(量多的面)—
单声道的增加只能带来量变，却不能带来质变。
而杜比全景声带来听觉的质变(三维空间)，它实现了声音的三维立体感。
如果把杜比全景声运用到音乐上，肯定会是非常棒革命式的体验，(不论流行乐队或交响乐形式)，都是种饕餮的听觉盛宴。
那么，以后的音乐专辑将会是(杜比数码的产物)。
以后的耳机将会是杜比特制的耳机形式。
这是一次声音的革命，对于录音师以及混音师而言都是一种有关于声音及声场的挑战。
以后的杜比的音乐时代的作品肯定会是种行云流水的音乐画面感，听音乐就如同像是在看电影一般(这种方式对于多声部多变化的交响乐来说简直是如虎添翼的情况)
前提条件是(如何突破杜比全景声环境的因素，不可能每个人都具备有高端的听觉环境)，
如何把它民用化，不然在音乐上起不了多大的推广作用，至少有可能可以把它推广到车载上面，没有你想不到的，未来的日子有可能一定会突破的。
对作家来说，写好作品，把握好音频质量(杜比全景声)才是最好的方式✨
第七课:
什么是（单声道—立体声—多声道)?
(一)单声道：
只有一个声道或者说声道数量为1，就叫单声道，单声道也叫1.0声道，其中的0表示没有低音炮声道。
(二)立体声：
有两个声道或者说声道数量为2，就叫立体声道，也叫双声道(也就是左边一个声道，右边一个声道，共两个声道)
立体声是听音乐时最普遍的情况，立体声也叫2.0声道，其中的0表示没有低音炮声道。
(三)多声道：
大于两个声道的都叫多声道，最常见的多声道是下面三种:
(1)
2.1声道:
一个左声道，一个右声道，一个低音炮声道，总共三个声道。
其中2.1的1表示一个低音炮声道。
(2)
5.1声道:
这是家庭影院高端车载音响，最常见的音箱配置方式。
总共6个声道，也就是5+1=6，其中的1表示一个低音炮声道，它们分别是:
一个在前面的左前声道(FL)
一个在前面的右前声道(FR)
一个在前面的中置声道(FC)
一个在后面的左环绕声道(BL)
一个在后面的右环绕声道(BR)
一个是低音炮声道(LFE)
(3)
7.1声道:
这是家庭影院，高端车载音响，较高级的音响配置。
是在5.1基础上增加2个侧环绕声道(SL和SR)，总共8个声道，即7+1=8，其中的1表示低音炮声道:
一个在前面的左前声道(FL)
一个在前面的右前声道(FR)
一个在前面的中置声道(FC)
一个在后面的左环绕声道(BL)
一个在后面的右环绕声道(BR)
一个是低音炮声道(LFE)
一个在左侧环绕声道(SL)
一个在右侧环绕声道(SR)
什么是杜比全景声(Dolby Atmos)?
是由美国杜比实验室研发，于2012年4月24日发布的(全新影院音频格式)
它突破了传统意义上的5.1，7.1声道上的概念，能够结合影片的内容，呈现出动态声音效果，更真实的营造出由远及近的音效，配合顶棚的音箱实现了声场包围，展现更多声音细节，提升了观众的观影感受。
它能够带来更加自然逼真的声场，再现自然而真实的音频体现。
最基础的家庭影院是5.1，后来发展出7.1，你会发现增加侧环绕扬声器的数量，可以提升观影体验。
如果增加更多两侧环绕扬声器的数量，声音效果会不会更好呢？
答案是否定的，人耳对水平平面内声源定位的准确度，约为10~15度，对垂直面内声源定位较差。
如果声音来自背后，由于耳廓的屏蔽作用，方位辨别能力会更差。
杜比实验室则在原有多声道系统的基础上，增设了顶部声道，原有的平面包围感变得立体，由于顶部空间多了一个声音维度，电影声还原度提升，这就是杜比全景声(Dolby Atmos).
12年开始有的杜比全景声
这是一个音响的新时代(三维听觉时代)，这对我们音乐的质量是一个新的突破形式。
不论影视还是唱片行业都是新的一种尝试，很期待…….
那么如何在三维听觉里确定每个点都能很好的表现应该完美的音响形式呢?(我想这不是我的问题)✨
男声一般最佳能演奏的音域为(c1—e2)
女声一般最佳能演奏的音域为(g—c2)
而男生音域比女生音域低一个八度
因此一般流行歌曲的正常音域为(g—e2)
一般流行歌曲的旋律写作音域大致为(男女生音域左右拓展大三度的方式来看)
以一般男生流行歌曲写作的旋律音域(1–3高低左右大三度范围)的男声流行歌最佳调高以:
(D—G)6个调为最宜方式调高.
以一般女生流行歌曲写作的旋律音域(5-1)高低左右大三度范围)的女声流行歌最佳调高以:
(降A—降D)6个调为最宜方式调高.
适用于一般写作流行歌的旋律音域(可能会有些偏差，如果遇到写作旋律音域极其宽广的情况的话可能会有所改变)✨
钢琴演奏的表现方式有哪些?
第一(常用):
左右手风格伴奏律动的Comping
左手织体伴奏(注释与分解和弦)，右手旋律(单音及音程及和弦及音阶)
第二(不常用):
左手低音区贝斯，右手伴奏律动风格Comping.
左手旋律(单音及音程及和弦及音阶)，右手织体伴奏(注释与分解和声)
《第五交响曲》3:24秒第177–188小节的谱子一定有问题✨
每日一次(交响乐章总谱观谱)
第一:
慢慢熟悉，每个乐器合成所产生的音响效果，以及段落。
第二:
在熟悉乐章乐器及段落感后，再进行整章乐器音域写作最佳音区及分布方式。
第三：
再进行整体段落缩谱，及抄谱所总结的写作手法方式(可同时进行)
第四：
在完成上述后，可依照写作自己的段落缩谱乐章，来进行总结的写作手法及自身对各乐器的最佳音区分布及各乐器融合情况来进行写作乐章的方式✨
三管编制相对双管编制的优势在于什么呢?
第一:
整体乐章的音响性
第二:
整体乐章的乐器织体复杂性
差不多目前就这么些…✨
新世纪音乐作曲方式是怎么定义的(雅尼)✨
简易复合拍子(5-7-9-11….)该如何进行风格运用?✨
让我来看看杰伦的写作手法(与我之前总结的具有记忆点歌曲形式差不多)
在歌曲多以男声音域5–3其中(中央C位置上下)为写作音域方式。
在避免大跳的情况下(多以纯五纯八跳为主)
而且保持歌曲旋律都以五声音阶大调主音以“1”
小调”6”为主要旋律主题围绕（这也许就是歌曲具有记忆点的方式之一的形式）
不一样的是：
杰伦的写作手法不一样的是除五声音阶运用很好外，47也用的非常的恰当。
那如果将好听的五声音阶➕（非常恰当的47变化音）结合的很好听的旋律来与Rock律动相融合，是不是就可以达到很好推广摇滚的方式了呢？
Em…….我想这是很好的办法✨
高质量(编录混母带)记忆点歌曲，直接会影响流量吗?《我喜欢你时的内心活动》
让我听听✨
抛开编曲不说，这是个聪明的录音师(人声录音效果实在太棒了，可能跟混音及人生母带有关系)，
因为人声直接占据整曲的百分之七十以上。
所以，在编曲混音(也至关重要)不怎么样的情况下，录制好人声质量是件非常棒的选择✨
写歌前期最好的方式就是抄(从很多的歌曲里东凑西凑，模仿到有了自己的定位风格就可以了吧)
是种从:
模仿(抄)—途中找定位—然后完善自己的风格的情况✨
写作有记忆点的曲子不就是:
在一定的男声音域内(1—3)进行(五声音阶➕47➕特色音=12音)
来进行以(#C)为男声主要音区块，来进行固定音区及上下的高潮可对比与不了对比的写作手法。
我想最宜风格只有三种(慢速—中速—快速)✨
什么才是好的流行音乐作品呢?
第一:
个人认为最好先以音乐风格形式化来进行思虑进行。
第二:
以自身对整个人生的生活态度的状态，来发展歌曲的中心思想(与词有关)
再从制作歌曲五大步骤上来说:
词:
需要以整首歌正确的主题思想来进行描述)
曲:
以好听为原则(且段落清晰，传唱度好)
编:
以整体律动的统一性，以及高质量高标准的配器音色的融合性为重要方式)
歌手音色的独特性(好与坏的融合)决定了整首歌曲的70%的重要性.
录:
以还原性原声高的标准来进行选择录音环境(这样做可能会是好的情况)
混母带：
在保证整首歌曲的律动统一性及高质量配器的融合性为前提的标准下，交给后期修饰还会更好的将你的作品变得—
(音频高质量的律动感与整体融合统一性的如何)
交响乐其实并没有那严谨，只是相对比较的很严谨。
那么如果将双管编制变改为三管编制，音响情绪会不会更好呢？
(都会严谨的进行每小节的休止情况出现)✨
再保持和弦伴奏的同时，伴奏和弦音也可用
(引申音作整体的和弦伴奏内声部辅助线条)✨
在写作旋律音区排列伴奏乐器声部时，可以依据
(最高旋律音区的向下重叠式，最佳旋律音区向下排列式)
要点:
保持上密下疏的原则:
(越上则可越密—最高旋律音区向下重叠式);
(越下则越疏—最佳旋律音区向下排列式)✨
古典交响乐不就是依照各乐器(佳与不佳的音响音域)，
进行保持上密下疏(最低音—最佳低音—最佳伴奏—最佳旋律—最高音)音区的情况。
来进行(正拍律动性的，旋律与伴奏的统一织体的完整性，与切分停顿性的)音乐方式嘛.
其实写作交响乐最主要的就是要具备(好的旋律段落感)，这比任何一切都重要。
就好比好听的流行歌，古典音乐如同流行歌曲一样，以旋律线条为主，不同的是相对来说古典音乐的整体的统一性与谐和性更加好一些✨
人无癖不可与交，以其无深情也；
(如果一个人连一点点癖好都没有，对什么都是淡淡的，一副无所谓的样子，那么，能指望他对朋友重情重义)。
人无疵不可与交，以其无真气也。
(如果一个人完美到没有一点点瑕疵，那么，这样圣人般的人怎能能给人真实的感觉)。
目前滴人生偶像(马先生)真不绰✨
自律去做一件事情，还真的像是在跑马拉松
未来出书的内容️
欣赏篇:
《倾听流行音乐》
《倾听爵士音乐》
《倾听古典音乐》
《倾听世界音乐》
实用篇：
《流行音乐的制作》
《爵士音乐的制作》
《古典音乐的制作》
《世界音乐的制作》
未来篇：
《流行乐史今与未来》
《爵士乐史今与未来》
《古典乐史今与未来》
《世界乐史今与未来》
……….✨
很好的爵士作品，是需要先完成技术上的东西，才可能进行感性上的吗?
(也有可能是同时进行，可以事先通过写作乐谱的方式来完成)✨
各国音乐旋律曲风还是依据以音阶(音阶)，因为它是所有音乐旋律风格根本，和声同样取决于音阶。
但是节奏不同也会不一样。
所以模仿(各国不用音乐的风格形式)还是以
音乐三要素:
旋律(音阶或音列)
节奏(产生律动)
和声(来源于音阶的组合的纵向支持)✨
如果运用(点线思维来进行)配器会不会使整体思路变得很清晰的呢?✨
运用（国乐乐器特色特点）进行配器写作出一部超级棒的《国乐管弦乐篇章》
给这些Gei老外研究去✨✏️
目前写作爵士的内容️:
《三连音及六连音—单音形式》
五类和弦(保守派一类和弦综合式)的10种装饰旋律(1—2)本内容.
五类和弦(非保守派一类和弦综合式)的10种装饰旋律(3–4)本内容.
五类和弦(保➕非)(分部单一和弦)的10种装饰旋律(5-6-7)本内容.
五类和弦(保➕非融合式)(分部单一和弦)的10种装饰旋律融合六连音(8–9)本内容.
再进行写作：
《Swing及双倍Swing单音形式》
五类和弦(保➕非)(分部单一和弦)的10种装饰旋律内容.
五类和弦(保➕非融合式)(分部单一和弦)的10种装饰旋律融合双倍Swing内容.
再进行
五类和弦(保➕非)(分部单一和弦)的10种装饰旋律(1–12连音)内容.
五类和弦(保➕非融合式)(分部单一和弦)的10种装饰旋律融合(1–12)内容.(完全够用单音)
拓展为音程式:
上述情况的音程式(一个八度)的12种音程刚好对应的12种装饰旋律方式.
再拓展为和弦式……也就可以获得爵士音乐体系毕业证书了 哈~
如何去为(电影—电视剧—游戏音乐…)来进行效率性的配乐流程
第一:
在了解剧情的内容前提下进行，寻找现成的(既存音乐)在进行适合的搭配。
第二:
从音乐11要素进行模仿(既存音乐)
第三:
既存音乐的制作流程为:
1.
创作合适的旋律及和声。
2.
找到音色中高质量的音色先进行配器(但需要遵循正确的《管弦乐器法》方便出谱进行乐队实录)
3.
先保持自己(正确的音频混音或母带)观念(为了给予正确的音频供混音师发挥)
第四:
尽可能的保持乐队录制，来完成自己满意的作品，达到良好循环的基础。
第五:
总结出影视音乐作品风格(大同小异)，找到属于自己的(电影—电视剧—游戏音乐…..)效率制作模式化的方式。
为什么我演奏的爵士旋律相对比之前的所有爵士钢琴即兴演奏家的音响效果都不相同呢？
因为世界上所有的旋律只有三种形式:
第一种(级进)
第二种(跳进)
第三种(级进➕跳进)
而我是通过不断地写作，完美的避免了级跳同向的形式出现。
在这三种形式中，(级进➕跳进)也是旋律性最强的一种旋律走向形式。
换句话说也就是我的即兴演奏，完全没有旋律性的可听性，只讲究了这种音响地效果性。
也就是说我演奏的音符是非常具有跳跃性的音符。
据我所知，目前还没有哪个爵士钢琴即兴演奏者，这样做过。
目前爵士乐队一般以:
二重奏——
三重奏——
四重奏——
六重奏——
小型乐队——
伴奏乐队——
大乐队——
超大乐队(很Gei)✨
待五类和弦(爵士3连音12种装饰旋律”单音”)写作完成之后:
即可进行五类和弦(保与非与保➕非融合式)12种装饰旋律”音程式”的写作方式进行。
音程写作方式以(一个八度刚好12种音程)内”
小二度—
大二度—
小三度—
大三度—
纯四度—
增四度(即减五度)—
纯五度—
小六度—
大六度—
小七度—
大七度—
纯八度—
(刚好12种音程情况对应的一类12和弦的12种旋律装饰情况方式)
把华尔兹(本来就包括在内)或简约音乐融入到爵士中会是中什么情况呢?✨
原来编曲是依据律动性的来进行配器的(这种方式虽简单，但却容易被很多制作人忽视)歌曲说唱Gei姐《WAP》✨
越简单的东西越是很好(这种说法好说，但不宜做)
那么，如何在简单的段落增减配器中进行律动性的一致化中，还能保持音响的丰满度呢(个人认为，只要配器音区位置绝对对，就能保证混音师对作品的绝对丰满情况)✨
为现代音乐在中华的崛起而奋斗.
为爵士音乐在中华的崛起而奋斗.
爵士三重奏其实并不好玩，可以进行引申为四重奏…..直到大乐队(也可以自行变更)
先以四重奏为例:
三重奏可以加(中国传统器乐与外国传统器乐)这两种。
中国传统器乐又分:(常用乐器与不常用乐器)
外国传统器乐又分:(常用乐器与不常用乐器)
以中国传统(常用与不常用乐器)
以外国传统(常用与不常用乐器)
可进行以爵士乐的形式(安排独奏及器奏)的四个专辑概念方式.
且乐谱须具有教育意义(我的优势可能在于，以明确的写作情况来完成作品)✨
交响乐的写作以什么情怀角度来出发呢？
第一:
《民族主义情怀》
民族主义即指，以自我民族的利益为基础而进行，维护本民族利益和尊严为出发点的思想与行为或运动。
第一部《主题性交响乐篇章》
以国歌为全曲前奏载体，进行开端
使我们的民族从(站起来—富起来—强起来—再到美起来的状态)
进行四个乐章的叙事主题来进行(为什么刚刚好四个乐章，难道这一切是巧合吗)真棒✨
平常心，即使棒了也不要飘。
为现代音乐在中国的崛起而奋斗。
少数民族音乐与交响或爵士的融合。
从这张《管弦乐队乐器音域总表》可以看出
木管组：
（短笛➕长笛）占据了部分伴奏音域(f-f1)➕旋律最宜音域(g1-E3)及最高声部的所有音符(f3—最高音符)
（双簧管➕英国管）刚好占据了最宜伴奏音域(f-f1)➕最宜旋律音域(g1-e3)
（单簧管）很特殊，它一个人就占据了最宜伴奏音域➕最宜旋律音域（f-e3）
（低音单簧管）刚好占据了(低一点的最宜贝斯音域(C-e)➕最宜伴奏音域(f-f1)
（大管➕低音大管）占据了(低音大管占据了贝斯及伴奏音域A2-a)，
而大管同样也占据了贝斯及伴奏音域再加一点点最宜旋律音域B1-e3)✨
从这张《管弦乐队乐器音域总表》可以看出
铜管组：
圆号:
刚好占据最佳贝斯音域(C-e)及最佳伴奏音域(f-f1)
小号:
刚好占据最佳伴奏音域(f-f1)及最佳旋律音域(g1-e3)
长号:
刚好占据最佳贝斯音域(C-e)及最佳伴奏音域(f-f1)及部分旋律音域(g1-e2)
大号:
刚好占据最佳贝斯音域(C-e)及以下更低的音符➕伴奏音域(f-f1)
为什么这些管弦乐队各乐器的音域都符合，前人大师所总结的最佳(贝斯音域—伴奏音域—旋律音域)
难道这一切都是巧合吗?✨✏️
以不同的节奏进行与爵士乐融合作为专辑，可能可能性会高一些(但伴奏音型需要保持整体的统一)。
因此得出:
节奏(正规节奏如”Rock”N”Roll…的融合等等)
和声(爵士和声整体性的律动统一)
旋律(爵士旋律化)
这样的(正规节奏律动)可能会是爵士乐面向大众化的原因之一.
人生目前的目标(即也可称使命)
目前个人目标(使命)思想为:
第一:
尽个人所能，将美国爵士音乐的底蕴传播至中华，增进国人音乐素养，使我们的民族从(站起来—富起来—强起来—再到美起来的状态)来共同建设我们美丽的祖国。
并将爵士乐融合至中华传统艺术，将中华传统艺术文化发扬并传承至世界。
目前人生目标思想为:
尽个人所能，习好爵士乐，并总结教学经验(使爵士音乐水涨船高，不给我老师丢人)
第二:
尽个人所能，将欧洲古典音乐的底蕴传播至中华，增进国人音乐素养，使我们的民族从(站起来—富起来—强起来—再到美起来的状态)来共同建设我们美丽的祖国。
并将西方古典乐融合至中华传统艺术，将中华传统艺术文化发扬并传承至世界。
目前人生目标思想为:
尽个人所能，习好古典乐，并总结教学经验(使古典音乐水涨船高，不给我自己丢人)
(当然这需要时间)，在完成一部分后。
从做中学，好好思虑如何录制(爵士乐及古典乐)音乐教育的合理且合适的教育方式。
我觉得写作乐队总谱，会有一个融合点。
一旦你突破了这个融合点，你会发现(不论从脑海里呈现所有乐谱，还是配器的一些形式都会融合)
这种配器及乐器的融合点是需要长期的写作能力才能培养的✨✏️
为什么我觉得交响乐整体音响效果不太好呢？
是需要进行修改传统交响配器吗？
这是个不错的选择，但是需要考虑(乐队整体音响平衡性及融合性)✨✏️
《爵士乐》接下来需要写作的还有:
Swing律动:
五类和弦(十种装饰旋律)，(保守派与非保守派)和（保加非融合式4连音).
以一拍为(1—12连音)不用加结合线.
五类和弦(十种装饰旋律，(保守派与非保守派)和(保加非融合式1—12连音).
《古典乐》接下来需要写作的还有：
分析《贝多芬—第五交响曲》《德沃夏克—第九交响曲》的《写作手法命名总结，及钢琴弱谱》
再进行写作自己的交响乐篇章，400天为一个单位，(也可进行分析及写作自己的交响乐章同时进行).
命名交响乐写作方式的重要性:
第一：
虽然写作交响乐方式大同小异….但是重要的命名的写作方式起到了，绝对性高效率的写作方式。
第二:
没有必要去深究墙角式的写作配器手法，这种方式可能是艺术，但意义不大，因为常用写作手法方式是多年作曲家经验之谈。
交响乐的写作以什么情怀角度来出发呢？
第一:
《民族主义情怀》
民族主义即指，以自我民族的利益为基础而进行，维护本民族利益和尊严为出发点的思想与行为或运动。
第二:
《个人情感主义情怀》主张道德是个人情感的表达，表达某种情感，某种愿望，认为个人利益应是决定行为的最主要因素，强调个人自由和个人权利的重要性，超越集体，如国家，种族，社会组织之上.
第三：
《幸福主义情怀》以幸福作为人生目的和理想人生哲学，认为幸福包括物质生活和精神生活两方面，人生的意义即在对于幸福的追求.
第四:
《快乐主义情怀》又称享乐主义，它倾向于用纯粹生物学的或心理学的观点来解释人的行为与需要，认为人们以求得快乐为生活目的，包括肉体与心灵的快乐.
第五:
《唯心主义情情怀》知识就是力量，唯心主义反对现实主义的哲学观，认为在人类的认知中，我们对物体的理解与感知，独立于物体的实际存在.
第六：
《乐观主义情怀》乐观主义是指一种对一切事物采于正面看法的观念。
乐观的人不会想到一件事的缺点与瑕疵，永远以正面的想法对待身边的一切。
第七：
《观点主义情怀》观点主义认为人思想和价值判断来自不同的内心驱动，并没有绝对的真理，只能去融合不同的观点。
第八：
《厌世主义情怀》亦即悲观主义和虚无主义，是特定人群中所形成的一种无可奈何的悲观心理的反应。
第九：
《理性主义情怀》理性主义是建立在承认人的理性，可以作为知识来源的理论基础上的一种哲学方法，认为理性高于并独立于感官感知。
第十：
《绝对主义情怀》
绝对主义认为，宇宙中存在着一种且只有一种绝对的事物，它的存在无人能超越。
比如西方说的上帝，中国道家说的“道”或“一”，它们都是绝对正确，不允许有任何怀疑的。
一元神实际指的是有神论，这种理论认为，宇宙中至少存在一个神明值得我们去信仰，这个神明至高无上，在时刻关注着我们人间，信仰它就能祛除我们人间的恶。
其实不论学了多久《管弦乐配器法》
它是没有什么不能组合的，因为根本就没有统一性的标准，而且音乐也没有绝对性的正确性。
所以:
总结如何使用管弦乐配器法呢？
答:
因为它本身就没有正确的标准性，且音乐也没有绝对性的正确性。
但需要注意保持:
1.
整个分配乐器音区保持(上密下疏).
2.
各乐器的正确的使用音域，以及各乐器正确的演奏法使用情况✨
为什么Swing一定是爵士，而爵士不一定Swing呢？
首先得了解为什么Swing一定是爵士这个概念？
个人认为Swing一定是爵士从律动方面来看，Swing它打破了传统节奏律动(一般大部分以八分正拍为基础传统节奏律动)，
也就是以避免非传统节奏方式(即非正规节奏)，可能因为Swing是非正规节奏的代表律动，所以才会以Swing一定是爵士的话题进行传开了起来。
爵士不一定是Swing:
爵士的重要三要素以(旋律—节奏—和声)为主要特色，抛开(非正规节奏)。
旋律可能是爵士的情况(以Blues音阶为旋律音阶方式➕可能进行的音列旋律组合);
和声可能是爵士和声(多调和声以及降二代五为重要爵士和声理论)
所以，只要是占据爵士三要素的其中一个就可以理解为爵士化的音乐形式。
这也是Swing一定是爵士中(律动这一块)属于爵士三要素中的一种，所以称(Swing一定是爵士的说法).
总结那么什么是最具爵士化的即兴演奏方式呢？
答:
在爵士三要素中都保持(或可保持一种方式)
律动以(Swing)以非正规节奏类型方式.
旋律以(Bluse)及可能进行的音列旋律组合(10种装饰旋律)
和声以(爵士和声)多调和声以及降二代五和弦的使用.
满足上述三种(最具爵士化方式)，或其中一种方式(简易爵士化方式)就可称得上是，最具爵士化的即兴演奏方式.
一句话为:
用Swing(及非正规节奏)进行具有爵士和声化的Blues音阶(及可能进行的音列旋律组合)方式即为最佳爵士化的即兴演奏方式✨
其实爵士钢琴好玩的地方还真在于
一顿的瞎弹后，还得给鼓掌(这是自我的体现)
真好~ 哈哈✨
如果是爵士三重奏的话，那么鼓手和低音提琴手它们对于演奏的乐趣是什么呢？
个人认为:
低音提琴手:
(和声的变化+和声旋律的连接+节奏律动的稳定性+个人独奏的旋律节奏和声的变化感+配合鼓手的融合性)
爵士鼓手:
(节奏律动的严谨稳定性➕个人独奏的多变律动感➕配合一切乐器的严谨融合性)✨
但是这爵士钢琴一顿瞎弹的背后
(得学习多少音乐理论的支撑及个人对音乐的理解以及个人对音乐的系统化的理论总结)✨
在不要求特精致只要求段落的情况下(若我十天写一个乐章，四个乐章也就是40天，那十部交响乐也就是400天)(其中10天中2+1=3天用来钢琴缩谱及段落安排)
✨✏️
写作寻求(交响乐写作套路方法)不太容易，需花些时间。(只是为了更好的进行效率性并质量还不错的交响乐章写作方式)
第一:
因为它需要在，不断的抄谱总结方法上来进行积累写作方式(一般大同小异)
第二:
缩谱钢琴谱只是为了了解作曲情绪思路段落，与总谱结合的情绪思路而成的。
待总结完第一乐章写作方式后(大同小异)，及第一乐章的钢琴缩谱后。
即可进行自己的第一乐章交响乐写作方式✨
人最重要的能力是什么？
第一:好好睡觉(用虎卧式)
第二:情绪管理能力.
第三:充电能力.
第四:沟通能力.
学音乐的初衷为:
一开始喜欢流行乐而学音乐—
后来爱上了摇滚乐—
但却对爵士乐有些浓厚的兴趣(在个人认为已完成当下爵士乐的学习后)—
却又对古典乐的写作进行提升自己—
现在的目标情况是:”
在通过总结写作方式后，如何进行在有规律套路的交响乐写作中，进行质量与效率的完美结合(需要花时间总结来进行实践写作)
再总结完套路的写作各种室内乐形式后….才是拼灵感写作的时候。
大标题:
1.
如何将古典音乐与现代乐进行结合?
2.
如何将中华音乐通过与古典的结合，现代乐的结合来达到国际化的情况方式？✨
从现在开始就应该每天定时的去看看这张图《管线乐队乐器音域总表》
(为了更好的了解)
第一:
了解并熟记每件乐器的音域及音区特点音色。
第二:
每件乐器对于管弦乐来说属于什么意义？
第三:
从这张图中可以看出有多少乐器的排列组合方式✨
如何找到抄谱时象是如同自己在写作一般的方式呢？
从声部写作顺序开始入手(不固定乐器):
第一开始写作和声低音—
第二开始抄谱写作旋律—
第三开始抄谱写作旋律复调—
第四开始抄谱写作伴奏(木管及弦乐及铜管)—✨
全奏切分突强全奏模式(或突强全奏模式)其实很简单嘛.
不就是所有乐器在(乐器自身合理的音域情况下)，来进行全键盘的音域和声合理分配方式嘛.
那管弦乐玩的是什么？
答:以搞死乐手为前提，让他Gei的不行 哈哈~✨
下次抄谱顺序可以从(中高音乐器先入手—再中音乐器—低音乐器的顺序)方式.
这样方便各乐器在(脑海中最宜全键盘音域音色)的宏观呈现✨
总结每个乐器(双管编制)在脑海中的音域呈现.
(个人认为比较合理的上一辈全键盘钢琴低中高音区的音域)
映射到交响乐中(属个人交响乐各乐器写作音域范围)：
脑海最宜全音域音域单位(交响乐宏观):
———e—f———f1-g1——e3-f3———c5(最高音)
低音区——小字组e音以下全部音.
中音区——小字组f音—f1音.
中高音区(最佳旋律音区)—g1—e3音.
高音区(极高音色音区)—f3—c5钢琴最高音.
根据脑海这个(最宜全音域”低-中-中高-高”音区)，用于每个乐器所遵守的音域来进行。
以脑海呈现的(最宜全键盘音域音区，来研究每件乐器常用的音符音域).
更好的了解每件乐器基本属性，才能更好的写作好交响乐篇章。
《双管编制》
Fl.长笛:
(高音谱号记谱)
常用(中高—高)音区，属(中高—高)声部旋律➕伴奏乐器音域(b—e4).
Ob.双簧管:
(高音谱号记谱)
常用(中—中高)音区，属(中—中高)声部旋律➕伴奏乐器音域(降b—a3).
Cl.单簧管:
(高音谱号记谱，常用降B调，记谱音比实际音大二度)
常用(中—中高)音区，属(中—中高)声部旋律➕伴奏乐器音域(降b—a3).
Fag.大管:
(次中音，低音谱号记谱)
常用(低—中)音区，属(低—中)声部旋律伴奏乐器音域(降B1—e2).
Cor.圆号:
(高音谱号记谱)记谱音比实际音高纯五度;
(低音谱号记谱)记谱音比实际音低纯四度.
常用(中音)音区，属(低—中—中高)旋律➕伴奏乐器音域(升F1—c3).
Clno.小号:
(高音谱号记谱)
常用(低—中—中高)音区，属(低—中—中高)声部旋律➕伴奏乐器音域(升f—e3).
Timp.定音鼓:
(低音谱号记谱)
常用(低)音区，属(低音区)伴奏乐器音域(降E—g).
Vl.小提琴:
(高音谱号记谱)
常用(中—中高—高)音区，属(中—中高—高)声部旋律➕伴奏乐器音域(g—e4).
Vle.中提琴:
(中音谱号记谱)
常用(中)音区左右，属(中)声部左右伴奏乐器音域(c—f3).
Vc.大提琴:
(低音谱号记谱)
常用(低—中)音区，属(低—中)声部伴奏乐器(偶尔独奏用旋律)音域(C—a2).
Cb.低音提琴:
(低音谱号记谱)
常用(低)音区，属(低)声部伴奏乐器音域(C1—d2).
总结:
一般高音谱号记谱的大都以(中-中高-高声部旋律与伴奏)作运用:
Fl长笛—
Ob双簧管—
Cl单簧管—
Cor圆号—
Clno小号—
Vl小提琴—
一般低音谱号记谱的大都以(低声部伴奏)作运用.
Fag.大管—
Timp定音鼓—
Vc大提琴—
Cb低音提琴—
而以中音谱号及次中音谱号的大都以(中声部伴奏)作运用.
Vle中提琴—
Fag大管—(偶尔用次中音谱号记谱)
了解每件乐器的常用(脑海最宜全键盘音域音色)音域，为交响乐宏观的基本方式，真棒✨
一天掌握三种交响乐的写作方式模式。
10天就可以掌握30种交响乐写作模式。
交响乐哪里有30种写作模式(基本都是大同小异的形式)
最重要的一点是这种写作模式(目前1–3)它会一直很清晰的以小节总谱情况，呈现在你的脑海里面，真的好棒(不论是音域—旋律—和声—写作手法—各乐器常规用法—交响乐整体情绪推动—以及正确的交响写作模式(包括表情记号—音符写作音响模式等等..)✨
其实(仅限于交响乐)不就是三管编制，两管编制的那些—写作套路形式嘛。
在完成基础写作套路后才是作曲家体现(灵魂作品的时候)，感觉作曲家拼的就是骨子里的灵感与思想…..还有情感的表达✨✏️
象这种规整段落—旋律规整—和声丰富—节奏律动清晰的爵士乐是(好的无标题性爵士乐作品的呈现吗)？
那么什么是好的爵士乐呢?✨
什么是好的四重奏或交响乐或器乐作品….(个人认为)
前者相对后者写作太过于散漫。
那什么是好的标题性弦乐四重奏(或器乐作品)呢？
好的标题性(四重奏或交响乐或器乐作品…)需要满足哪些条件呢?✨
什么是好的四重奏或交响乐或器乐作品….(个人认为)
前者相对后者写作太过于散漫。
那什么是好的标题性弦乐四重奏(或器乐作品)呢？
好的标题性(四重奏或交响乐或器乐作品…)需要满足哪些条件呢?✨
Ragtime与爵士乐的根本最大区别仅仅是在于律动上(切分与Swing)不同吗?
(之前我好像总结过Blues—Ragtime—Jazz之间的相同点和不同点)
若没有需总结✨
爵士乐的根基为”Blues蓝调➕Ragtime”
那按这种说法什么是爵士乐？
通俗理解为(旋律—和声)带有蓝调风格色彩加上不规则节奏律动(相对来说比除去常规节奏律动即为不规则律动形式)的融合性音乐即为某种意义上的爵士乐✨
我的思路好象错误了.
写作分析交响乐及四重奏目前有两种方式呈现:
第一:
缩谱进行是和弦与旋律的关系(以钢琴缩谱的形式出现，而不是分部。
钢琴缩谱只是为了分析作品的和声，以及为之后自己的作品提供素材。
第二:
而抄谱，抄谱是为了学习分析作品的写作手法以及相对应的音符在脑海中呈现的音响效果。
二者结合即完美的为(标题性音乐作钢琴缩谱及写作室内乐配器手法)的完美结合✨