01. 天下皆知美之为美
我们对于西方画家的印象，无外乎三种情况：一是人画齐名，比如说达芬奇和《蒙娜丽莎》，比如说梵高和《星空》；二是人比画出名，比如说毕加索，全世界前10名最高拍卖价的画作里面，他一个人就占了4幅。最后一种情况是画比人出名，比如说《戴珍珠耳环的少女》。
《蒙娜丽莎》自然是传世的经典之作；梵高的画作绚丽多姿，令人着迷；可毕加索的《格尔尼卡》着实是打破了一般人的审美习惯，一般人很难说出个所以然来。
所谓艺术，究竟是什么呢？
所谓美与丑，又有什么标准？
1.《大话西方艺术史》
不久前，应朋友邀请参加了“欧洲300年经典画展”，原本怀着无限期待的激动心情，结果到了现场，面对上百幅风格迥异的西方画作，看傻了眼。
作为毫无艺术细胞的小白，除了举世闻名的达芬奇、梵高、毕加索，西方画家那些冗长的名字愣是一个也记不住。
什么巴洛克、洛可可、新古典主义、浪漫主义、印象派，一系列风格迥异的流派更是将小白们阻拦在艺术大殿之外。
还好，最近被推荐了一本书——《大话西方艺术史》，感觉自己一下子就厘清了3000年的西方艺术历程，在笑梗不断的文字中，轻松记住了40位艺术大师和20个艺术流派，连艺术审美能力都提升了一个台阶。
这本书的作者是潇涵，人送外号“意公子”，是当下深受大众喜爱的艺术自媒体“意外艺术”创始人。意外艺术用让人听得懂的话，讲新奇有趣的艺术故事，是国内领先的艺术爱好者聚集平台。
2.艺术是画得像还是画得抽象？
美的历程，最初从原始的山洞开始，经历了天马行空的神话故事，古希腊文化是一个难以逾越的高峰，然而，中世纪度过了漫长的黑夜，直到文艺复兴的曙光再次将艺术照亮。
然后是巴洛克时期的真实美，洛可可时期的“动感青春”，再到新古典主义的兴起，美在古典与叛逆之间来回奔走，没有定论。
所谓绘画艺术，不是“画得像”就是美，也不是“画得抽象”就是美。
艺术不是高深莫测的学问，也不是少数人的专利。艺术是原始的壁画，是古希腊的雕塑，是文艺复兴的油画版画，是现代的行为艺术，是用颜料一笔一划凝聚的作品，也是启动我们眼耳鼻舌身意的精神产物。
贡布里希说：“没有艺术，只要艺术家。”古希腊的灵动，古罗马的静穆，中世纪的呆板，文艺复兴的真实，巴洛克的华丽、洛可可的纤巧……艺术的魅力即在于其千变万化，不拘一格。
3. 挖掘艺术宝矿
艺术固然高于生活，却源于生活。有人提倡原始的欣赏方法，就是不去了解任何知识背景，单纯地利用基本感官去感受博物馆的艺术。
这种欣赏方法固然简单，却不能挖掘作品背后的深处魅力，未免可惜。
李欣频老师认为：“艺术和美就像是可以用一辈子的矿产，如果你没有找到这个矿产，那么会一直都很辛苦，因为自己想不出东西，缺乏灵感，艺术是全人类的宝矿。
艺术是每一个人的必修课，它让我们相当于从地下室，一路升到101楼，这就是艺术的调频电梯。调频之后你要去哪里都会很快，而且是又快又好。”
艺术的水平高于现在地面上所有一切，因为它是高灵感、高直觉，所以高于一切逻辑。
就像李欣频老师所说，无论自己的本职工作是否与艺术有关，都一定要打造一个艺术家版本的自己，一旦你把“艺术”注入到你生活的方方面面，就能完全变成不一样的能量场，能带给你巨大的创造力。
比如说，当我们看画展的时候，如果提前了解这幅画的历史背景，就能够更好地穿越时间和空间，解读出画作的深层次信息，体悟到作者对美的认识、对生命的思考，从而获取创意灵感，运用于实际生活当中。
比尔盖茨曾在1994年以3080万美元从佳士得买下达芬奇写于15世纪的一份《莱斯特手稿》，比尔盖茨并不是单纯的收藏，而是把这份手稿变成了可供任何Windows用户使用的墙纸和屏保集合，该软件包与Microsoft Plus捆绑提供。
后来，比尔盖茨进一步将手稿制作成单独的CD-ROM版本，以每张50美元的价格出售，引起了抢购。
乔布斯更有意思了，直接带领员工去看艺术展，所以苹果的产品堪称艺术品。
他认为只靠盯住一件东西冥思苦想并不能带来思维上的突破。
用不同的创意轰炸大脑，才可以激发创造力。
02.从艺术作品中获取创意灵感
每一件艺术作品，都蕴藏着一个巨大的能量场，当我们的审美软实力得到提高，就等于多了一个艺术家的创意脑，可以随时从艺术作品中获取无限的灵感。
1.维纳斯：美的典范
“维纳斯”本身就是美的象征，她是罗马神话中的人物，在古希腊神话里的名字是阿芙洛狄忒，是爱与美的女神。
但是我们发现维纳斯并非丰乳肥臀，而是平胸；维纳斯身上还露出带有肌肉的线条，我们现在叫做“人鱼线”，怎么看都像是健壮的男性。
要知道，《威伦道夫的维纳斯》完全是另一种风格，我们看不到她的脸和手，只看见大到离谱的胸部和肚子，充分体现了女性特征。
那么，断臂的维纳斯到底美在哪里呢？
首先，维纳斯的雕塑完美呈现了黄金比例，身体上下的长度之比约为0.618:1，脑袋和身体的比例是1:8，从任何角度来看，都是最完美的“黄金比例”。
其次，这是一种创新，古希腊人开创性地发现了这个比例，从而建立了一种美的方程式。
同时，时代的进步影响了人们对于美的追求。认知的变革和生活的充裕取代了原始社会的无知和恐惧，还产生了“奥林匹克运动会”，人们对于美的向往更偏向于男性化、健美化。
2.蒙娜丽莎：神秘的微笑
作为艺术小白，我们对于中世纪的印象有多模糊，就对文艺复兴的印象有多深刻。而我们最熟悉的画作非《蒙娜丽莎》莫属。
据说，关于此画的专著就有几百本，很多学者终身都在研究，这幅画的知名度甚至超过了达芬奇本人。
蒙娜丽莎是谁？她是悲伤还是微笑吗？她为什么而笑呢？
有人说是因为孕育了新生命而笑，有人说是为了去世的孩子悲伤，也有人说她是个妓女，是在嘲笑世人，甚至有人说，她的笑容不是一成不变的，会随着看画人的心境变化而变化。
为何一个似笑非笑的表情，困扰了世人500年之久？
原来是因为达芬奇运用了“明暗渐隐法”，蒙娜丽莎的眼角和嘴角上高达近40层超薄油彩。
最新的多光谱扫描结果显示，如果我们将背后隐藏的笑脸做成动画，就会看到一个动态的笑脸。
研究显示：蒙娜丽莎的微笑中，含有83%的高兴、9%的厌恶、6%的恐惧、2%的愤怒。加上特殊的绘画笔法下，她身后的背景与和神秘的微笑融为一体，散发着梦幻的气息。
3.回归自然
令人惊讶的是，全球流通最广的画作不是《蒙娜丽莎》，不是《向日葵》，竟是《晚祷》。
在西方艺术史中，神话和宗教始终是画家们创作的主题，库尔贝直言：“我不会画天使，我根本没见过她。”
库尔贝把画笔指向现实中的人群，而米勒直指农民——一个千百年被忽略的群体。
年少时的米勒到巴黎学画，也曾为了讨好顾客，画一些肖像画或是裸女，但仍受城里人的排挤，难以融入主流画派。
妻子去世后，他独自来到巴比松，重新捡起了自己最喜欢的题材，专注于农村生活。
于是，我们看到了锄地、砍柴、洗衣缝纫的画面，感受到了农民对土地的热爱，对粮食的敬意。米勒坚持自己的风格，在无人理解和饥寒交迫的情况下，创作了《晚祷》。
如果说米勒的画作让人回归大地，莫奈则让人回归自然。
旷世的作品不仅仅是对情景的复制，而是超越时间和空间，刻画四季变幻、生命更迭。
一幅《日出》，颠覆了前人，也开创了“印象派”的先河。
整幅画没有线条和轮廓，而是用不同的颜色来记录物体在光线下的变化，比如说用浅灰和紫色的背景，勾勒出朝气蓬勃的日出。这种方法打破了传统的束缚，也给艺术界提供了新的思考维度。
为了追赶光线的变化，莫奈还创造出“连作法”，有点像现代的相机连拍技术，后来及演化成了系列化的特点。
最具代表性的作品当属8张嵌板画的《睡莲》，每一幅画的色调迥异，分别是不同季节不同时间段的样子。
从莲花盛开到花瓣飘落，从新生到凋零，从绘画到哲学，此中意境已经超越了艺术本身的边界。
4. 艺术的边界
面对印象派、野兽派的大胆创新，我们已经叹为观止了。
但是好的艺术不一定是美的，“丑”也并非美的对立面，相反，也能够带来比美更加震撼的效果。
艺术家们一次又一次探索新世界，也一次又一次打破艺术的边界。
比如说随心所欲的波洛克，他的作品可以说是匪夷所思了。
一幅《1949年1号》，没有具体的形象，也没有规则的线条，看上去就像是小孩子的涂鸦，完全看不出有什么寓意，只不过是一种艺术行为的证明。
杜尚更直接，他在商店买了一个小便池，然后像艺术家创作完一幅画那样，签上姓名和日期。放到展览馆之后，被赋予了一个《泉》的名字，仅此而已，就成了一件艺术品。
他由此提出：“我认为它是艺术品，那它就是艺术品。”
从艺术行为到艺术观念，固守的艺术家规则不断被抛弃。
传统的艺术边界不复存在，所谓艺术，也越来越大众化。
03.永恒之美
庄子在《大宗师》曾说：外天下，外物，外生，朝彻，见独，无古今，不死不生。
意思是说，人间的一切都可以遗忘，万事万物，乃至生命都可以抛弃，古今中外也没有区分，最后到达的境界是“不死不生”，这是一种永恒静止的美的生命的延续，是一种面对自我世界的思考和假设。
“上帝说要有光，于是就有了光。”
画家将生命的思考外显，把所见所闻抽象成作品，从而凝固成了永恒之美。
就在他们把世界凝固在画布的那一刻，便注定了光芒永存，不死不生。