在相对和平的 19 世纪之后，20 世纪的到来标志着世界各地无数激进的政治和社会运动。
1917 年苏联革命、墨西哥革命（1910-1920）、美国大萧条（1929-1939）、第一次和第二次世界大战、1918 年的流感流行、城市化、核时代的开始和进步技术、建筑和科学影响了北美和欧洲的世界观，并塑造了艺术的发展。
艺术家们无法再遵循传统方法，这导致了全新的运动如野兽派、表现主义、立体主义、未来主义以及我们现在所说的现代艺术的许多其他运动的诞生。最杰出的人物——如巴勃罗·毕加索、萨尔瓦多·达利、弗里达·卡罗、杰克逊·波洛克和爱德华·霍珀——以及世界上有史以来最重要的艺术作品定义了这个时期。
在探索杰作时，要注意色彩的作用。看着特定的颜色，你有什么情绪？他们是否在这幅画周围创造了正确的感觉？艺术家使用的是暖色还是冷色、饱和色还是柔和色、明亮色还是中性色？每件艺术品都可以作为独特的灵感来源和基本设计原则的知识。
格兰特伍德的《美国哥特式》
格兰特伍德的《美国哥特式》 仍然是美国艺术中最著名和最具争议的画作之一。它首次出现在芝加哥艺术学院的展览中。从那以后，它经常 在营销活动中受到批评、引用和 模仿。
乍一看，这幅画像是对平淡甚至狭隘的美国农村生活的讽刺。内敛、紧张的角色——一个农民和他的女儿——讲述了很多关于他们生活的生活方式和环境的故事。然而，这幅肖像画是在大萧条时期绘制的，多年来，对其主题的看法已经发生了变化。
一男一女严肃的样子，稳重的姿势，男人紧紧握着干草叉，指的是普通百姓不顾干旱、饥荒和战争的威胁而不愿离开农场的精神。
就像这幅画的场景一样，调色板简单、朴实、柔和。棕色、米色、柔和的蓝色、黄色和绿色等颜色让我们想起秋天、收获、中西部大草原和朴素的日常生活。就连大楼后面的天空也是苍白而暗淡的。
杰克逊·波洛克的《秋韵》
1950 年，杰克逊·波洛克，也被称为“滴头杰克”，使用一种被称为“滴漆”的新技术创作了他最强大的作品之一《秋韵》。他是开创抽象表现主义的艺术家，标志着美国艺术史上的一个转折点。
在《秋韵》中，波洛克以非常规的方式将颜料涂在铺在地板上的巨大画布上：他用棍子、刀子和其他不寻常的绘画工具倾倒、滴落和泼洒颜料。结果是舞蹈曲线的强烈而混乱的平衡，你的眼睛可以捕捉到人类、动物或其他生物的身影。
调色板是真正的秋天。黑色、灰色、棕色和淡黄色等不饱和的颜色加上白色的飞溅，在这幅画诞生时（1950 年）营造出战后世界的接地感、黑暗、沮丧和焦虑感。
你可以在纽约大都会艺术博物馆看到这张绘画。
乔治亚·奥基夫的《黑色鸢尾花》
Georgia O'Keeffe 被称为美国现代主义之母。1926 年，她创作了一幅她最喜欢的花——《黑鸢尾花》的画作。那时，这是一种罕见的花，只有在六月的两周内才能在某些纽约花店买到。
作品的重点是黑色鸢尾花中心，周围包裹着从深紫色到浅紫色的花瓣褶皱。这两种颜色都与神秘、灵性和精致有关。深栗色揭示了激情、女权主义和性欲的阴影。同时，柔和的粉色和白色将光线带入图像，并带有纯洁感。这朵象征性的花朵的绘画揭示了每个在不同文化中观看它的观众的个人特征。
你可以在纽约大都会艺术博物馆找到它。
皮特·蒙德里安《百老汇爵士乐》
《百老汇爵士乐》是 蒙德里安 最具代表性的画作之一。1943 年，也就是他去世的前一年，他在纽约创作了它。
蒙德里安在新造型主义的影响下工作，后来在伊夫·圣洛朗的连衣裙中找到了它的反映。由红色、黄色、白色和蓝色方块组成的网格展示了曼哈顿的霓虹灯和这座不夜城的脉搏。调色板充满活力和活力的黄色，代表纽约黄色出租车。但与此同时，高度饱和的原色会产生不安和沮丧的感觉。
蒙德里安是爵士乐的狂热粉丝，他设法通过这幅画传达了布吉伍吉的节奏。
您可以在纽约现代艺术博物馆 (MoMA) 欣赏原画。
安迪沃霍尔的《金宝汤罐头》
沃霍尔 于 1962 年创作了他的标志性作品 《金宝汤罐头》，将波普艺术介绍为美国的主要艺术运动。
这幅画的想法来自一位朋友，他建议创作一些每个人都能一眼认出的东西——像汤罐一样简单的东西。关于为什么沃霍尔选择画汤罐的问题，他回答说：“因为我以前喝过它。我以前每天都吃同样的午餐，我想，二十多年来，一遍又一遍地重复同样的事情。有人说我的生活主宰了我；我喜欢这个主意。”
这位艺术家创作了一系列日常用品的 20 幅“肖像”，使用类似于印刷品的精确、锐利的线条来展示美国精神的精髓和消费主义时代的开始。沃霍尔采用了明亮的、幻觉的、相当不切实际的颜色（红色、绿色、薰衣草和绿松石），强调了图像的商业吸引力，并与他在创作系列作品时所领导的艺术家生活方式有关。
当这位艺术家于 1987 年去世时，现代艺术博物馆以 1500 万美元的价格购买了《坎贝尔汤罐》系列的 32 幅画
安德鲁·魏斯的《克里斯蒂娜的世界》
柔和的苍白色彩、凄凉的风景和草丛中一个女人孤独的身影——这无疑是安德鲁·魏斯 (Andrew Wyeth) 的《克里斯蒂娜的世界》。
这位艺术家创作于 1948 年的写实画描绘了一名残疾妇女拼命但心甘情愿地爬向遥远的房子。褪色和淡绿色、灰色和蓝色在场景中占主导地位，营造出一种与大城市和沉闷、平静的乡村生活隔绝的感觉。与这种空虚形成对比的是，一个身着淡粉色连衣裙的女人的身影，是能量、青春、对生活的追求和希望的纠结。尽管有身体限制，魏斯 相信人类精神的力量。
今天，纽约现代艺术博物馆以《克里斯蒂娜的世界》为荣。
毕加索的《亚维农的少女》
挑衅是描述巴勃罗·毕加索 (Pablo Picasso) 的《亚维农的少女》的最佳词。它在当时具有革命性，描绘了在巴塞罗那妓院交易身体的裸体女性。毕加索于 1916 年展示了他的作品，标志着立体主义的开始。
它旨在撼动艺术世界，拒绝阴影和透视以及弯曲女性身体的经典形象。粉红色、白色、橙色和红棕色的混合展示了狂野、无耻且有点咄咄逼人的女性裸体。非洲面具覆盖着女性的脸庞和倾斜的身体，使她们的身材看起来更加危险和挑衅。蓝色和黑色的补丁增加了足够的对比度以强调戏剧性的效果。
1938 年，现代艺术博物馆购买了《亚维农的少女》，并从那时起持有它到现在。
古斯塔夫·克里姆特的《吻》
克里姆特是维也纳分离派运动的重要成员。1907 年，受拜占庭马赛克的启发，他创作了《吻》 ——他最著名的画作。这幅画是用金银箔制成的，闪闪发光、色彩斑斓的爱情、亲密和性场景。这幅画描绘了一对拥抱的情侣在鲜花盛开的草地上休息。当她等待他的吻时，男人俯身看着女人。
欢快的金黄色、草绿色、温暖的红棕色和海军蓝色营造出一种温柔、感性和宁静的氛围。女人的裙子和头发上的花朵充满活力的淡紫色、紫色、橙色和粉红色，与金色背景形成对比，强调美丽和女性气质。
《吻》是世界上最大的古斯塔夫·克里姆特 (Gustav Klimt) 作品，收藏于维也纳丽城博物馆 (Belvedere Museum)。
爱德华·霍珀的《夜游者》
爱德华·霍珀（Edward Hopper）的《夜游者》捕捉到了生活在大城市中的人们的亲密孤独。在这幅画中，观者看到关闭的窗户和商店、漆黑的空荡荡的街道以及深夜餐厅里的 4 个假想的陌生人——他们与观者彼此分离，却又彼此分离。尽管色调柔和，但这幅画的调色板感觉神秘、强烈和充满活力。深绿色、砖红色、生锈的橙色和耀眼的黄色强调了温暖的餐厅与寒冷、孤独和不受欢迎的夜晚街道之间的对比。
霍珀于 1942 年完成了《夜游者》，它成为美国艺术中最知名的现代画作之一。杰作可以在芝加哥艺术学院大楼中找到。
马塞尔·杜尚的《下楼的裸女》
1912 年，马塞尔·杜尚 (Marcel Duchamp)的《下楼的裸女》首次遭到嘲笑，并在艺术界掀起了轩然大波。为了火上浇油，美国艺术新闻 (American Art News) 承诺向任何能在其中找到裸体的人提供 10 美元的奖励。这是杜尚的非凡作品。
这幅画遵循相对单色的立体主义配色方案，即棕色、灰色和柔和的黄色，以尽量减少色彩的影响并强调空间的力量。描绘裸体的几何形式的纠结与当时流行的传统艺术形式相去甚远。美国社会对中性、工业色彩以及与自然缺乏任何相似之处感到震惊。
《下楼的裸女》成为立体主义和未来主义运动中最具革命性的画作之一。它现在位于费城艺术博物馆的路易斯和沃尔特·阿伦斯伯格收藏。
萨尔瓦多·达利的《记忆的永恒》
融化的时钟或卡门贝尔奶酪？达利 (Dalí) 的《记忆的永恒》 ( The Persistence of Memory)成为他最著名和最广泛漫画化的作品之一。它不切实际的氛围让人想起时间相对论以及实际时间和记忆时间之间的差异。灰蒙蒙的橙色、棕色和蓝色柔和、梦幻般的颜色暗示着生命的短暂、腐朽、永恒和不朽。
达利于 1931 年创作了这幅画，它成为超现实主义运动的象征。一位匿名捐赠者将《记忆的永恒》交给了现代艺术博物馆，此后它一直留在那里。
马克·夏加尔的《我和村庄》
1911 年，远离祖国的马克·夏加尔创作了一幅怀旧叙事的自画像，描绘了他童年小镇白俄罗斯维捷布斯克的梦幻般的回忆——我和村庄。
作为色彩大师，夏加尔创造了一个超现实主义的立体主义图像，无视透视，玩弄形式和符号，灵感来自犹太民间传说人物。艺术家用翠绿色、深红色、蓝色和乳白色营造出一种怀旧、神奇的感觉。男人和山羊漂浮的大脸、挤奶的女人、农民、树和房子的形象就像从孩子的梦想中提取的拼图碎片。
这件充满情感和高度个性化的作品收藏于纽约市现代艺术博物馆。
弗里达·卡罗的《两个弗里达》
拉丁美洲艺术家弗里达·卡罗以其象征主义、色彩缤纷的画布和令人惊叹的非传统美而闻名。她情绪化的自画像主要围绕着她十几岁的时候几乎致命的公共汽车事故造成的创伤性离婚和终生痛苦。
1939 年，卡罗与她的搭档兼艺术家同行迭戈·里维拉 (Diego Rivera) 分居后，创作了《两个弗里达》 ( The Two Fridas )。两个女人紧紧地握着手，由静脉相连——感情上的结合。一个人很脆弱，拿着里维拉的微缩肖像，暴露了她破碎的心，另一个人很坚强，用手术剪刀挤压流血的血管。
一身白色的欧式连衣裙，锈红色的心，和血滴，象征着纯洁的感情、情感的痛苦和被背叛的信任。背景中暴风雨的天空强调了一个女人的痛苦和破坏。
另一边，全心全意的弗里达穿着鲜艳的墨西哥连衣裙。蓝色、绿色和黄色代表乐观、内在力量、精神恢复和对自己的信心。一片蓝天是新的开始和希望的象征。
这幅画现藏于墨西哥城的现代艺术博物馆。
让·米歇尔·巴斯奎特《无题》
让·米歇尔·巴斯奎特 (Jean Michel Basquiat) 创作了《无题》，当时只是一个来自布鲁克林的年轻美国加勒比孩子，他的第一场画廊展览尚未到来。
在许多方面，他负责将涂鸦带出纽约的街道和地下通道，并进入更受认可的后现代艺术世界。这位艺术家在 21 岁时画了《无题》，至今仍是最年轻的艺术家，其作品售价超过 1 亿美元。
这幅画描绘了一个巨大的黑色头骨，上面覆盖着可半解码的字母。艺术家使用明亮、充满活力和大胆的蓝色、红色、黄色和白色，表达了原始的能量、侵略性和压倒性的直接性。巴斯奎特的艺术充满了美国社会的主要罪恶，如种族主义、不平等、不容忍和军国主义。这位艺术家于 1988 年死于海洛因过量，享年 27 岁。
2017 年，日本亿万富翁前泽友作在拍卖会上以1.105亿美元的价格购买了《无题》，使其成为美国艺术家有史以来售出的最昂贵的作品。
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