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【首发】全球18个最新秀场设计：当时尚与死亡对话！
以下内容均由设计腕儿独家策划
“我们共同的天性和习惯，
是不断更新这个世界。”
--《时尚与死亡的对话》
18世纪时期，由意大利诗人、散文家和哲学家Giacomo Leopardi创作的浪漫诗歌《时尚与死亡的对话》，将时尚与死亡之间的对话以诗意的对话形式呈现。在他看来二者是同类，都受益于世间万物的不断变化和毁灭。
Alexander McQueen作品
Marni2020男装秀场
从Alexander McQueen的头骨，到Gucci在墓地中的秀场，再到今年Marni将黑死病的戏剧搬上舞台。时尚不断变化的本性，像是一场有毒的美梦，幸福但致命。因此，被纳入时尚语境中的‘死亡’一词，作为强有力的表达方式，来展现时尚与短暂无常的生命之间的联系。
Undercover2020男装秀场
看过生死之后，
我们应如何看待生命？
Louis Vuitton最新男装秀场
即使现在的人生不完美，甚至正处于水深火热中……也许你却还是想做最好的自己，努力从今天起活得更有意义！正如歌中所唱：
“但愿你不介意，我用这些简陋的辞藻试图告诉你：
能活在这个世界上是多么美好的事。”
时尚秀场作为一种‘快捷’的空间设计，是一系列社会现象和命题讨论的最佳场域。 也许时尚早已与‘美’无关，Designwire精选2020全球18个男装和高定秀场，探索秀场如何摒弃一切的形式与评判标注，并把它当作一种表达观念的媒介。
01
GUCCI
Milan男装周
“我不想给人留下我想解构或摧毁男性世界的印象。”
—Alessandro Michele
本季Gucci的灵感来自于“男性多元化”的概念，这是一种对现代男性气概的探索。在房间的中央，以一个巨大的机械钟摆为象征，表达’时间的流逝’之感。
空间以解构主义，玩弄着时间本身的概念。以一个强大的钟摆为中心，围绕其轴线360度摆动。而这一季的服装系列揭示了什么是“男子汉”的经典理念，并从根本上诠释了其含义。
02
Dior
Paris高定
Dior女装创意总监Maria Chiuri借用Judy Chicago的话提出了一个深奥的问题：What if woman ruled the world？其概念和Persephone（执掌阴间的女神，一生因为母系氏族的权力与丈夫斗争）的形象。
在罗丹美术馆花园里，“女性主义艺术”开山鼻祖Judy Chicago为大秀搭建了一个巨型白色帐篷，内部挂满了旗帜标语。
她曾宣言“你的身体就是战场”，这次的秀源自她对女性社会角色演变的研究，以及古希腊丰产女神Persephone的气质、智慧女神雅典娜的形象。
古希腊式“Peplos”长裙——让身体本身赋予衣服形状——被转化为现代设计语汇，突出人体结构和比例的做法与罗丹的美学不谋而合。
03
Louis Vuitton
Paris男装周
在品牌创意总监Virgil Abloh为Louis Vuitton创作第四季大秀之际，他深受日益不同的商务穿衣密码启发，抛开标志性街头文化的核心，通过观察每日最常见的通勤场景，结合今日社交社会哲学，打造了满足工作、社交等多元诉求的的“万能”摩登西装系列，引领商务男士着装的一场变革。
秀场以超现实手法叙事，神秘门开启，模特们从一片混沌的未知宇宙中走出，登陆轻松愉悦的的空中。具有强烈反差的色彩和氛围烘托，漂浮着云朵的蔚蓝天空象征着在辛苦了一天后，来到前所未有的轻盈。
超现实的秀场中穿梭着因时空混乱而被无限放大的剪刀、纽扣、针线等工具，诉说着品牌以及该系列别有用心的工匠精神。
电影《楚门的世界》经典画面
René Magritte,The Kiss (Le Baiser), 1951
秀场装置外，更是将一个同样超现实的反方向的钟赠予观众，隐喻着，我们不可能让时间倒流，因此更不可浪费，哪怕是繁忙工作中流逝掉的平凡一天，更应被赋予意义。
04
Prada
Milan男装周
Prada 2020秋冬男装时装秀依旧由AMO为其操刀，于Prada基金会的Deposito大厅中举办。秀场被打造了一个虚构的意式‘广场’，彰显公共空间的无限活力。
嘉宾登上一段长阶梯即可步入秀场空间，在高台上可俯瞰两个相同空间，每个空间都构筑为虚构的户外场地。
多个入口环绕于‘广场’周围，形成公共空间和隐藏在建筑物后面的神秘走廊的分割线。秀场空间中央屹立着一个抽象派雕塑，它既是焦点，也是一个三维立体的轴线。
雕塑在地上的投影仿佛秋日午后被拉长的光影，通过几何图形划定了广场空间。在一排走廊入口后方，一束强烈的红光指引着空间构造深处，标识出整体过渡。
Prada最新男装秀场
秀场和看台上聚集的嘉宾既分离又相互连结，模特们遵循着虚实难辨的无形轨迹，在秀场中穿梭隐现。矛盾性与二元性，科技元素与古典主义，未来感与现代感，反英雄与阳刚气质。
05
Dior Homme
Paris男装周
Dior男装艺术总监、2019时尚大奖“年度设计师”Kim Jones的天赋之一，就是呈现令人惊叹之美。
带着对英国已故造型大师Judy Blame的怀念。从19世纪80年代起，Blame就开始影响英国时装行业，并推动了《The Face》《i-D》等时装杂志的早期发展。
KimJone让模特（包括丹麦王子）身着华服从雾气中走来，仿佛歌剧院中飘忽的魅影。缎面大衣与修身西裤强化了舞台形象的精致优雅，琳琅参差的配饰既是Blame的风格象征，也是极富他个人特点的审美体现。
06
RAF SIMONS
Paris男装周
《Life on Mars》
在一片略显诡异的黄澄澄的光束里，RAF SIMONS讲述着关于未来的故事。由Bureau Betak负责艺术设计的秀场，从David Bowie的《Life on Mars》开始。全白的走道一端紧抵墙壁，白布上墙拉出不规则的浮雕。黄色光束缓缓转动，最终集中到展台中央。
“Solar Youth”是本季的主题，让人联想到忧伤的青春和翱翔太空的年轻人。新发布的未来主义鞋履暗示着库布里克的《2001：太空漫游》，皮草“暖手笼”上写着“Arrival”（电影《降临》）。
此外还有些口号如“They Can't Stop All of Us”（他们无法阻止我们）。模特们似乎自愿或非自愿地将手藏了起来，与世隔绝，保持神秘。
07
Jil Sander
Pitti Uomo男装周
佛罗伦萨Jil Sander设计师二人相遇的地方，因此，他们也将那些美好和温柔的回忆都带回到此次的秀场中。大秀在城市中的新圣玛利亚大教堂中中将金黄璀璨的金盏花堆成一座座山脉，自然的香味迎面而来。
当他们谈论新的系列时，
就好像在描述一个人物、一个复杂而多面的个体。
而在穿梭在花海中的新一季系列保持了一贯的克制基调，但设计师在极简的线条、色彩和几何的形状中还融入了手工艺的精彩细节，以呼应这座以手工艺而闻名的历史古城。
08
Telfar
Pitti Uomo男装周
“尝试制作市场上不存在的衣服，
正如你在世界上不存在一样。”
—Telfar Clemens
具有革命性的中性品牌TELFAR，在2020的Pitti Uomo为时尚界以特别的方式传达了它的品牌概念。Telfar Clemens于2005年在纽约创立了这个品牌，这次他将他的流体概念和“单纯”(‘simplex’ (simple + complex))时装带给佛罗伦萨。
Telfar Clemens在当代时尚舞台上最有趣的人物之一，十五年来一直坚持其品牌的包容性，由此呈现给人们一种意想不到的混合和美学、艺术流派的多元身份和功能的形象。
在很多层面上，Telfar都代表了新一代设计师品牌具有颠覆传统时尚体系的反叛态度。包括其热衷于以演唱会的形式来举办时装秀的超前理念，在众多奢侈品牌之前。此次秀场将晚宴和音乐会结合在一起，而带来了前所未有的时尚狂欢。此外，它还善于利用网络口碑营销来推广自己，这也呼应了其主张的社群性质。
09
Marni
Milan男装周
本次Marni的秀场以“让我们跳舞吧，作为一种形式，以我们的方式”为主题，上演了一场黑暗的实验舞台剧。
秀场灵感则来自于爱伦·坡的小说《红死病的面具》里的主角，Prospero亲王在一场宴会上被染病，和宾客们相继病死的故事。
开场昏暗的灯光中，人体小幅度的扭动为压抑气氛做铺垫，而接下来亮起的灯光和夸张的舞蹈将一种焦躁和恐慌渲染到极致。
随即加快的音乐带动着部分舞者开始走秀，伴随着舞蹈的扭动与带有撕裂、磨损的服装相辅相成，则想要透过死亡、绝望和挣扎的气息来暗喻人心深处的黑暗。
10
Off-White
Paris男装周
于巴黎举行的本季Off-White大秀一改曾经极具个性的张扬展现，本次秀场通过艺术的手法，在平静的氛围之中带来了一个绝然不同的幽默故事，具有戏剧性的同时充满了情感的暗流涌动。
昏暗的环境中，薄纱笼罩下的故事空间如梦如幻。在其回溯80，90年代文化的叙事主题中，华丽的复古水晶吊灯与抢眼金属感座椅装置组合成为完整画面，古典与未来碰撞，形成一种完美平衡。
舞者Cartier Williams
故事在年轻的黑人舞者Cartier Williams轻盈愉悦却充满戏剧性的踢踏舞开场，伴随着打击乐和感性动作贯穿了全场系列展示。当Off-White成为街头文化与今日黑人时尚的代名词，Virgil Abloh希望超越肤浅表面，思考品牌更深层的意涵。
11
Undercover
Paris男装周
现场表演
Undercover在该季首次将男女系列一同展示，打破性界限观念，日本设计师高桥淳从日本历史中的传统文化及其灵感，与展示系列无缝融合。戏剧性气氛的演出受启发于黑泽明1957年改编的《蜘蛛巢城》。
黑泽明1957年改编的《蜘蛛巢城》
端庄而隆重的经典红色剧场充满感情色彩地一圈圈环绕舞台，故事由此开始。箭将山变成了性感的女巫，展开了对男人的引诱，舞蹈通过戏剧性的动作展示着误入歧途与伤害之间纠缠不清的情节。
表演视频
Undercover这次的服装设计展现了一部分与摄影师Cindy Sherman的合作款（部分作品被印刷在服装上），此外还引用了作家Dylan Thomas的名句作为整个系列的主题“I hold a beast, an angel, and a madman in me.”
秀场系列以戏剧中的文化元素为核心，进行了无微不至的设计演绎。大量的品牌标志性图案，富有表现力的针织质感，错配的纽扣，巧妙的细节，俏皮却熟悉感的深色色调，noragi和haori的传统剪裁，无不令人在秀场的浸入式体验中回味日本历史与品牌精神内涵。
12
Givenchy
Paris高定
英国女人对花园的热爱是分不开的。Clare Waight Keller为Givenchy设计的春季高级时装系列，植根于她对参观Sissinghurst城堡布置的花园的回忆，“这是英国最浪漫的地方之一，”Keller说，“我对这个地方很着迷。”
因此，Keller勾勒出了一个充满诗意的作品集，“这也是我写给纪梵希的情书，他曾为奥黛丽·赫本设计的花朵礼服。”
秀场将古典乐乐队搬至秀场舞台，音乐家们在柱子上高低有序地依次落座。在悠扬的音乐声中模特们缓缓走出，将人们拉回至那个阳光灿烂的午后花园。
13
Balmain
Paris男装周
Balmain最新男装秀场
这场大秀从“展现时尚”走向的“表达文化自由”，秀场设计师Olivier Rousteing从小就着迷于文化的传承、种族、归属和融入。在经历了一些族群将其拒之门外的事件后，他更加着迷于探寻如何跨越界限并被接受。
法式元素被放在更加广阔的背景中，大漠风光、沙丘连绵，当代“游牧民族”在其中穿行。在这个微小而美丽的星球，所有人都比我们想象中更加相似。边界只能使我们彼此隔绝，自然大地的美与人类遥远的相似性是值得歌颂的。
14
Chanel
Paris高定
在创意总监Virginie Viard的带领下，秀场设计回归创始人Coco Chanel童年所在的奥巴辛修道院，巴黎大皇宫化身中世纪古典花园：秀场四围的亚麻床单在晾衣绳上摇摆，藤蔓上结着西红柿，绿地里除了星星点点的鲜花，还有卷心菜。
简约的色彩、规整的轮廓加上纹软呢、刺绣和花饰，再度重现了Coco当年所定义的风格语汇——朴素简约而不失优雅。该系列找到了华丽与朴素之间的平衡，也体现了两位女性设计师跨越时代的精神连结。
15
Sacai
Paris男装周
这个小众的日本品牌，1999年由阿布欠登势（Chitose Abe）创立，深获各界潮人追捧。其标志性的看似叠穿的效果，其实是通过拼接和解构的方式达到的。
秀场以采用回收的木板材和砖块组合而成，特质的荧光绑带将材料捆扎，在蓝色的灯光中跳跃。
16
Loewe
Paris男装周
“拼接”不同的文化符号、“融合”高级剪裁与亚文化，Loewe的品牌创意总监Jonathan Anderson让我们再次进入一场大冒险。这次他的设计语言张力十足，邪魅乖张结合西班牙原有的乐观和开朗。
Anderson称Loewe为“虫洞开启者”，自由汇集材料、元素、质感与性别符号使得该系列层次丰富，甚至光怪陆离。为了配合这位不肯长大的神童，秀场设计也着力打造成一个童心未泯的应许之地，亮黑漆栈道通向那个想象力无穷，呼唤勇敢和好奇的“大冒险”世界。
17
ErmenegildoZegna
Milan男装周
自Alessnadro Sartori接任Ermenegildo的以来，他想要通过时尚的力量重新唤醒那些城市中被遗忘的角落，而这一次，他将秀场选址在了米兰北部的Bovisa区。
本次大秀的主题以“Art for Earth”(献给地球的艺术)为题，联合纽约艺术家Anne Patterson创作的蓝色布带（服饰生产中产生的废料），传递‘利用现有的’环保理念，而本季中超过20%的产品由废品再造。
不论是秀场、搭建空间材料还是服装本身都尽量去精简和利用现有，这也是时尚品牌将环保理念从口号转变为实践的过程。
18
Giorgio Armani
Milan男装周
米兰本季的男装周并没有充斥着传统的西装，多样而多元服装形式正在改变着人们对于男装的刻板印象，在本次大秀中Giorgio Armani也重新定义了正式的概念。
今年该品牌将一个完整的冬天搬至秀场。环绕在T台上方的一圈屏幕上，雪花纷飞的画面为整个发布会定下基调。而在T台中央则是一片即将要融化的’冰块’，将空间温度降至零点。在如此环境的烘托下，品牌本季服饰显得尤其的温暖。
腕儿话题
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