大话西方艺术史 之三 文艺复兴

在文艺复兴之前，我们还是不能落下延续了千年的中世纪，虽然，那时艺术创作的目的就是传播教义；虽然，画上的人看上去死气沉沉，呆板没有情绪。但，那也是有原因滴...

因为，基督教教义中有一条规定：禁止偶像崇拜，所以不允许把神的形象画出来。

既要用具体的形象宣传教义，又不允许在教义里出现逼真的画像。折中的办法就是把人物形象画得呆一点，重点是要让民众通过故事感受到神的伟大，而不是画作本身优秀与否。

所以，不是那个千年没有优秀的艺术家，而是需要苍白的艺术。

《面包和鱼的奇迹》（The Miracle of the Loaves and Fishes） 镶嵌画

文艺复兴 = 重生，艺术家们通过不断探索自然的奥秘，研究宇宙的法则，甚至借助物理和解剖学，使绘画变得更真实，内涵更深刻。

咱按顺序，去看更真实、更有内涵的艺术。

《哀悼基督》（The Mourning of Christ） 乔托（Giotto di Bondone） 约1305年

乔托

他眼中房子是立体的，人是立体的，树也是立体的，他想把看到的真实画下来。于是，他使用了短缩法（透视法的妈），并注重对光线的把握，在适当的地方加上阴影，营造出空间层次感。从此，西方绘画开始有明显的体积感、空间纵深感和透视意识。

最突破的，还是他让画中人物有了表情。他让艺术突破了当时的宗教限制，转而关注人的情感和思想。当人们的关注点从“神”回到了“人”身上，人性的美好和自然的魅力才得以表达，美的作品才纷纷涌现。

达.芬奇

达芬奇就是个传奇，艺术、物理、数学、生物... 哪个领域都有他，他的知名度早就超过了艺术本身。

《蒙娜丽莎》（Mona Lisa） 1503—1506年

咱先说说这个蒙娜丽莎是不是在笑？据说，人们之所以500多年都没有统一的结论，主要是“明暗渐隐法”的功劳。蒙娜丽莎的眼角和嘴角有将近40层超薄油彩，每层不到两微米厚。这两处的轮廓模糊，由暗到亮的过渡连续而自然，没有清晰的分界。所以画中人物的表情就介于似笑与非笑之间，给人留下了充足的想象空间。

《最后的晚餐》（The Last Supper） 1495—1498年

还有这幅最后的晚餐，好在哪里？一眼看去，像不像舞台剧。

先说平行透视法，达芬奇巧妙利用天花板的透视线，桌边的景深透视线，让这些透视线都集中在了耶稣的头上。尽管耶稣神态平静，但依然看得出，是统筹全局的中心人物。

再看犹大，他身体微微往后倾斜，右手紧紧抓着钱袋，两眼直直地望着耶稣。他紧张，他害怕，他的思绪表现得淋漓尽致。

犹大

达芬奇，调动观众的情绪和想象力！

米开朗基罗

米开朗基罗虽然也有绘画作品，但雕塑名气太大。哀悼基督是他的成名作，大卫是他的艺术高峰。

《哀悼基督》（Pietà） 1498—1499年

耶稣像个孩子，在母亲怀里睡去；圣母也很安静，好像一切都与死亡无关。大理石洁白无瑕的质感，和这份平静到极致的震撼，是一份“此时无声胜有声”的触动。

《大卫》（David） 1501—1504年

大卫，一副站在澡堂里等位置洗澡的样子，表现的却是智慧与力量。他手上的青筋暴起，拿着布制投石器（不是毛巾哈）；他眉头紧锁，目不转睛。

“这座雕像的优雅气度和从容姿态达到了后无来者的高度”

拉斐尔

尽管拉斐尔的母亲在他8岁的时候就去世了，可能也因为失去，让他对于母亲的美有着深刻的理解，他把对母亲的情感都寄托在了圣母身上，把她从严肃的、高高在上的神，重新塑造为一个有血有肉的人。

《草地上的圣母》（Madonna in the Meadow） 1506年

他的圣母，有着精致的五官、白里透红的皮肤与温柔的眼睛，总是给人幸福感和宁静感。

《雅典学派》（The School of Athens） 1509—1511年

还有一幅画需要说说，就是雅典学派。自古希腊以来，西方文化一直都把哲学看作是最为崇高的学问。拉斐尔把不同时空的伟人放进了同一个画面，画面的中心是柏拉图和亚里士多德。他们虽为师徒，但有着不同的哲学理念，拉斐尔在画中用两个手势将它表达出来，象征着文艺复兴时期的人们开始重新追求真理和智慧。

柏拉图

柏拉图右手食指指向天空，他的学说讲的是超越人类社会的“理念世界”，他追求的是心灵升华、精神体验。

亚里士多德

亚里士多德右手则是整个掌心面向大地，和老师柏拉图相反，他关心的是现世的秩序规则，比如法律、道德、伦理，相比于心灵、精神，这些其实是更实在的东西。

历史走到这里，就不仅仅是由神到人注意力转变了。拉斐尔表现的是整个人类的美，那种尊重知识、肯定智慧的美。

文艺复兴三杰：达芬奇画出了人的神秘，米开朗基罗雕刻出了人的强壮，拉斐尔画出了人的美丽。

文艺复兴，关注自我、永远对这个世界保有好奇心和探索的勇气，这是文艺复兴的先驱们为我们留下的启示。