如果说起中国的「摇迷」偏好来，我想这其中十有八九喜欢的是流行、金属、朋克。究其原因，答案很简单，这些音乐类型节奏明朗、情感简单直接。换句话说，谁会有那些闲工夫听 Vangelis、Brian Eno 或是窦唯的东西，更别说那些冗长的古典乐了。然而，《银翼杀手2049》就是这样一部电影。
我用以上这段话来作为这篇文章的引子，目的在于提醒大家：电影中那个复制人反叛组织提出的「革命」并不是一句空话，它几乎融入到了电影的每一个基因组成部分里，它没有在任何环节上去迎合大众的口味！
接下来，就《银翼杀手2049》电影的各个组成部分，我将给出自己的一些主观感受与看法（本人才疏学浅，忘大家给予批评指正）。首先还是来看编剧。
1、编剧（故事节奏）
看惯了好莱坞大片的观众不难发现，这部电影在情节发展上跟传统电影有很大不同，用一些网友的抱怨话讲就是：剧情冗长疏松、主题不明确、没有高潮…造成这种感觉的原因何在，我们来看：
通常好莱坞商业片前十分钟就是吸引人眼球的，这就是为什么我们看那些大片一上来节奏超快，演员也都很忙活，不是跑就是飞的：《碟中谍》也好，《黑客帝国》、《盗梦空间》也罢无不尊崇这一规律的。再来看看《银翼杀手2049》的开端：
杀手不紧不慢地进入目标者屋子，静静地坐在沙发上等着被杀者回来。被杀者回来后两人先聊会儿天，杀手还不忘问问锅里炖的是什么…办完事还没完，杀手又在棵死树旁待会儿，摘朵花（连个闪回提示都没有，让人莫名其妙）...；
通常好莱坞商业片会在半个小时左右提出第一个「情节点」，以此来交代主角在电影中大部分时间里要干的事情（或者说是主人公要完成的不可能完成的任务），这点也是类型片永远不能绕过的环节，《火星救援》主人公要「挑战野外生存极限」；《异形》要冒生命危险去某个星球采集外星生命等等。其实《银翼杀手2049》也没有脱离这个规矩：在电影半个小时左右，K 的 Boss 给他布置下了新的任务:找到复制人生下的孩子并杀了他（她）。当然，这个任务的魅力跟那些什么拯救地球啦、探测外星生命啦可没法比，我想相当一部分观众看到这里也就谢一半气了。更甚者，这一侦破与执行命令的故事线很快也被淡化了，随之而来是主人公的自我怀疑与探索，甚至主人公和那个电脑智能人的爱情戏都偏离了执行任务的主线，这难免是侦破片的大忌；
好莱坞商业片通常会在第二个情节点发生180度的大转弯：《异形》在船员离开那个诡异的星球后，看似脱离了危险，然而那个怪物却突然从宇航员的肚子里钻了出来；哈里森·福特在《证人》中本应该作为侦破人去查案的，却一瞬间成了嫌疑人，被警察通缉…所有这些情节的设置目的便是在于加强故事的节奏，把故事推向最终的高潮，没有几个导演敢轻易违背这一原则。而我们的这部《银翼杀手2049》呢，在主人公 K 意识到自己可能就是那个复制人的后代，走出大门后，没有任何的惊险场面，很自然的，警车来了，将他带回警局受审了。一切表现的如此淡然。由此可以看出，导演和编剧在故意弱化这一可能取悦大众的机会。
类似以上非正常类型片情节设置的桥段在《银翼杀手2049》中比比皆是，于是，它便给大众带来了一种娱乐屏障。我不想过多阐述这些反商业片编剧模式的用意何在，只是一点：如果你想要尝试喜欢上这部电影，那么那些传统商业片里的编剧套路便是一个死胡同。
有人说《银翼杀手2049》剧情拖泥带水，对此我恰恰意见相反。在此仅举两例便足以证明：
一个是在女 BOSS 得知 K 就是那个复制人遗孤时，没有半句废话，一个眼神+一句台词（你回去休息几天）+加几个音乐提示音（底鼓）便足以证明她的为人；
另一个便是乔伊（K的智能女友）消失前说的那句「I love you」。这句话甚至都没跟上一个相爱双方的表情镜头就切过去了。这要换其他畅销片子会成什么样子，不哭上十分钟就不错了！
2、摄影、剪辑的速度与节奏
还有一点让观众不舒服不自在的是，作为一部科幻惊悚片，《银翼杀手2049》的镜头运动、剪辑速度始终就没快的起来，即便是原声音乐的节奏加快，飞船也还是在大全景下缓慢地划过画面，长镜头，好一番优雅；那些打斗的场面，镜头都不紧不慢地移动着，甚至直接用固定镜头。
当然，慢不代表没有节奏，就像那些慢摇摆乐、Bosa Nova 一样，没有「咚呲哒呲」不代表节奏感就不强。我清楚地记得安东尼奥尼在《放大》中就讨论过类似的问题：节奏的融合不代表就要机械地跟随速度摇头，而是要在一个节奏型下创造另一个声部，相得益彰。《银翼杀手2049》中的画面与音乐速度恰好跟主题要探讨的东西融合到了一起，视觉上的第一感受让人如此陶醉。
3、电影色彩
如果要问 82 版的《银翼杀手》给我的印象是什么颜色，那一定是「黑」了。伴随着那些潮湿、血迹、和雨（即便是在房间内，也是阴暗潮湿为主），可以说《银翼杀手》是黑的彻底，黑的纯粹。然而，《银翼杀手2049》却没有一黑到底，比起前者，它似乎暖了许多，而这些暖来自哪里，没错，就是那些「黄色」。
在电影视觉中，通常黄色代表的是希望，没错，《银翼杀手2049》中的黄色也是希望，这个希望不单是 K 的，也是里克·迪卡德（哈里森·福特饰）的，也是华莱士和他制造的所有复制人的。只是，这个希望的特别之处在于，导演把它跟「毒气」捆绑了起来。就像那只落在 K 手上的蜜蜂一样。
这种希望正如人类向往和追求科学一样，它参杂着欲望和自我牺牲为代价。
4、电影音乐
如果就音乐本身而言，《银翼杀手》和《银翼杀手2049》两部电影的原声音乐，我一定是更喜欢前者。Vangelis 的创作充满了想象力，光是这盘电影原声，就足以构建起一个庞大的科幻世界了。相比下 Hans Zimmer 则更像个学院派的高级音乐技师，中规中矩，你找不出什么瑕疵，但也不会有太多的激动。尤其是像《银翼杀手》这种又脏又有个性的黑色电影。
但反过来再一想，毕竟电影音乐不是电影中的主角，他的目的很明确，就是辅助电影主题的。如此看来，Vangelis 在《银翼杀手》中的音乐表现反而有种抢戏的感觉（那音乐实在是太吸引人了）。反倒 Hans Zimmer 这个版本对于故事表达更简洁直接了。
好多人觉得《银翼杀手2049》中的音乐低音过重过偏，缺少了一些高音上的东西。说实话我在看第一遍的时候也这样认为。那低音的确让人感觉不舒服。然而在看完第二遍时，我想到一个问题：
像 Hans Zimmer 这种在电影原声界干了三十多年，为数不清的大片配过乐的牛人来说，他能没意识到低音过重这点问题？反过来讲，如果电影画面能让人感到未来的不适（阴暗、潮湿），难道声音就不能了吗。这是不是导演和音乐制作人故意为之，恰好迎合了电影中的那些垃圾场场、废弃建筑、赌气、雾霾了…
5、瑞恩·高斯林 VS 哈里森·福特
我们暂且不说演技，单说两位主角的形象气质：
瑞恩·高斯林瘦瘦的，一副倒霉蛋、受气包的形象，嘴角一抿的时候让人感觉像个小混混（大概有《爱乐之城》的影响），充其量也就是个郁郁不得志的小艺术家。因此，在看《银翼杀手2049》之前我一直担心他能否超越哈里森·福特。
当然，我的这个想法是建立在哈里森·福特标杆之下的，来看看哈里森·福特：高大、强壮，上来就一种不好欺负的感觉。再加上他天生一副侦探的脸（受《证人》影响）和一双忧郁略带叛逆的眼睛。一句话，他就是当「银翼杀手」的料！
两个性格迥异的演员能怎样唱好这场事隔三十年的戏，看完电影后，我才恍然大悟导演的用心良苦。尤其是瑞恩·高斯林站在桥上望着那个虚拟的女友乔伊之时。
那一刻，我感到的是一个普通人的渺小，一个连自己身份都不明确的底层人的渺小。而他面对的，是一个庞大的网络虚拟世界，是一个冰冷阴暗的城市空间。想想我们现在的世界，有多少人像 K 一样迷失在自己信仰与生存的矛盾之中。想到这一点，我突然觉的没有谁比瑞恩·高斯林更适合 K 这个角色了。
6、电影的空间
《银翼杀手2049》的电影空间当然不止于那 162 分钟内的剧情：
首先，电影的结局就是开放的。没有一个人的结局是明确的，也没有一个人的未来之路是明晰的。
其次，电影中所有的情节都是和 30 年前那部《银翼杀手》紧密相连的，甚至和原著作者紧密相连。导演甚至为这部电影拍摄了三部短片作为补充说明。
再次《银翼杀手2049》为我们提供了庞大的想象与讨论空间，如里克·迪卡德到底是不是个复制人；华莱士的眼睛是怎么回事；那个神秘的折纸人（三十年前迪卡德的同事）藏着什么秘密；开端被杀的那个复制人萨伯·莫顿过去与迪卡德夫妇关系怎样等等。
所有这一切构成了这部独具科幻气质的电影，他没有迎合大众的口味，没有高票房，或许在中国连个口碑都换不来，但，它便是科幻电影史的革命。也许再过数十年，它便能像《2001太空漫游》、《银翼杀手》一样被永久载入电影史。
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