作品名称：萨莫色雷斯岛的胜利女神（La victoire de Samothrace）
创作时间：约公元前190年
作品大小：高3.28米
所在位置：德农馆达鲁阶梯
这一讲是要说三宝的最后一件作品了，那便是总给人感觉会随时一飞升天的《胜利女神》雕塑。目前它是被放在德农馆的达鲁（Daru）阶梯上，要知道，它可是卢浮宫里唯一的一件在楼上展出的大型雕塑，由此可见它是有多么特殊。
胜利女神的名字叫Nike，著名运动品牌“耐克”的名称，就是来自于她。而耐克的logo，就那个小小的钩子“√”，代表的就是胜利女神的翅膀。
但卢浮宫的这座胜利女神，大概在近20年的时间里，可都是没有翅膀的，而且一直和一堆其他雕塑放在一起，丝毫不引人注意。那么，她是怎么变成今天这个模样的呢？
1）《胜利女神》的发现和修复
其实，如果你有机会看见这尊雕塑，一定会觉得她位列卢浮宫三宝，当之无愧。因为她的气场，真的超级强大。女神高2.4米，加上底座，整体就超过了5米。
雄健的翅膀，向身体的侧后方舒展开来。这种展翅欲飞的感觉，真的是气势逼人，体现出了一种胜利者的姿态，还有那凯旋的激情。
不过，她可不是一出土就这样的。
这座雕塑的全称是《萨莫色雷斯岛的胜利女神》，是1863年，法国考古学家尚帕佐（Champoiseau）在希腊的萨莫色雷斯岛（Samothrace）上挖神庙的时候，无意中将它挖出来的。
当时，雕塑破损得非常厉害，碎成了近200块的大理石残片，尚帕佐将这些残片统一打包，运回了卢浮宫。
说到这，就不得不称赞一下，卢浮宫那强大的文物修复能力了。19世纪，还没有什么高科技手段，但卢浮宫硬是把这些碎片都拼了起来。拼完以后，发现她是一个2米多高的胜利女神，但没有头，也没有手臂。最遗憾的是，虽然翅膀那部分，有找到相应的大理石残片，但是损坏得太过厉害，完全装不上去。
当时卢浮宫的决定是：不再贸然对这座雕塑做更多的修复了，就保持着女神没头没翅膀的形象，等到以后有新的考古发现再说。
这一等就是12年，事情才有了转机：奥地利的考古学家们，有了一个全新的发现。其实当时和《胜利女神》一起出土的，还有一批灰色的大理石残片，尚帕佐并没有留心，奥地利的考古学家这次也是无意中，将它们拼接了起来，发现它是一艘海上战船的船头部分。
就是这个船头，改变了《胜利女神》雕塑的命运，因为有一枚古希腊硬币，它上面的图案，就是胜利女神站在船头，吹着小号，宣告胜利的到来。因此奥地利的考古学家们断定，这个船头，就是卢浮宫这座《胜利女神》的基座，他们甚至还根据硬币的图案，做出了一个女神的模型。
法国人知道了这件事之后，立马又派出尚帕佐杀去了萨莫色雷斯岛。不得不说，这个男人真的有两把刷子，因为他又再一次成功地将船头这个底座弄到手，打包运回了卢浮宫。
而此刻，卢浮宫也已经开始意识到，这座《胜利女神》肯定会成为一件无价之宝。他们开始斥巨资修复，首先为女神加上了船头这个底座，随后，按照奥地利人所做的模型，为女神插上了翅膀。但是，卢浮宫始终没有为她添加头和手臂。
在我看来，这就是卢浮宫很高明的地方了。他们有所为，又有所不为。翅膀是一定要加的，这是胜利女神的标志嘛，而且插上翅膀的女神，那种迎风飘扬的感觉一下子就冒出来了。但卢浮宫它之所以选择不去添加头和手臂，或许是吸取了维纳斯的修复经验，他们不想画蛇添足。
《胜利女神》修复完之后，算上底座和翅膀，整个雕塑的高度一下子就超过了5米，卢浮宫的底层是没什么房间，可以容得下它了。
在1884年的时候，《胜利女神》被搬到了现在的达鲁阶梯上。这座阶梯是以拿破仑手下的名将达鲁将军来命名的，由一连串很高的圆拱连接而成，非常的气派。而《胜利女神》就被放在阶梯最中心的位子上，特别地抢眼。
但这座雕塑的故事讲到这里，其实还没有结束。在1950年的时候，美国的考古学家又在萨莫色雷斯岛上挖出了女神的右手，而且发现右手的姿势，并不像硬币上的图案那样，握着一个小号，她的手上其实什么都没有，只是在做一个宣告胜利的姿势而已。
不得不说，这再次验证了，当初卢浮宫选择不去添加女神的手臂，是多么的明智！而这个挖出来的右手，现在也在卢浮宫，就被放在《胜利女神》的旁边。
2）古希腊雕塑的代表细节：衣纹
好，讲到这里，你应该差不多能明白《胜利女神》是怎样慢慢呈现出今天这个模样的。我现在就带你来再仔细地看下这件作品。
《胜利女神》大概是公元前190年被创作出来的，和断臂维纳斯一样，都是属于希腊化时期的作品。
上一节课我就讲到过，希腊化时期的作品，会更多地追求动感。像《断臂的维纳斯》，它的动感，就是体现在螺旋形的结构，以及它那马上要掉下来的裙子上。
那么《胜利女神》的动感，又是怎样体现的呢？其实是通过女神身上的衣服皱褶来呈现的。
雕塑家刻画的是女神刚刚从天上飞下来，降落在船头的那一刻。她下半身裙子的皱褶，能明显让你感觉到海风的存在。
想象一下：如果有大风，正迎面向你吹来，那么被吹起来的裙子，肯定会在你身后形成一条长长的尾巴，而你的腿或多或少，都会露出一部分来。所有这些细节，雕塑家都呈现出来了，而且刻画得非常写实。
而女神上半身的衣服，能让你感受到的，就是海浪了。因为衣服都被浪打湿掉了，而且风一直在吹，女神就等于穿着透视装出镜了，因此你可以非常清楚地看见她身体的构造。即便是肚脐眼，这种细小的部位，也能看得一清二楚。
像《胜利女神》这种超级写实的刻画手法，又营造了怎样的效果呢？是精确？还是逼真？
其实两者都有，但你也明白，如果仅仅是写实，那可不算是艺术。著名的美国艺术史学家詹森，对这座《胜利女神》，曾提出过有一个很有启发性的观点，他说：这座雕塑，最厉害的一点，那就是它能充分调用人的想象力。
雕塑家围绕着女神创造了一个想象的空间：风、船、海浪，这些东西你根本就看不见，但由于女神的造型太过生动和逼真，以至于你看到她的时候，看见的不只她是一个人，还有她周围的环境。那是一个完整的空间，甚至还充满着凯旋的气氛。这才是《胜利女神》最了不起的地方。
另外在这里，我再给你个小提示：对纺织品的雕刻，可以说是雕塑中一种非常炫技的手法。无论是衣服的褶皱，还是垫子的凸出或者凹陷等等，雕塑家用坚硬的石头，去表现纺织物的那种柔软，这种质感的鲜明对比，总会令观众感到惊艳。
举个例子，后来欧洲巴洛克和洛可可时期的艺术家们，也擅长用这种精美的手法。其中最具代表性的，就是意大利的雕塑家科拉迪尼了，他最擅长的是刻画披着面纱的人物。因为纱巾的质地很薄，就像胜利女神那沾了水的衣服一样，可以用来非常清楚地展现人体结构。
卢浮宫里就有一座科拉迪尼的雕塑，叫《蒙着面纱的女人》。这件雕塑，面纱被雕刻得非常逼真，让你能看清人体的各个细节，也包括肚脐眼。
更厉害的是，科拉迪尼还将面纱的那种透明感也呈现了出来，人的脸在纱巾的后面若隐若现，总会让你有种冲动，想要撩开她的面纱去看一下。你以后再看类似雕塑的时候，也可以关注一下这些细节。
蒙着面纱的女人（Femme voile）
高1.38米
安东尼奥·科拉迪尼（Antonio Corradini）1688-1752